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Le portrait dans la littérature et les arts visuels

Fatima Ahnouch, Khaled Abida et Sahbi Alani de l’Institut Supérieur des Arts et Métiers de Kairouan (Tunisie) lancent un appel à communication intitulé : « Le portrait dans la littérature et les arts visuels ». Proposant de considérer portraits écrit et « peint (dessiné, photographié, filmé, numérisé…) » au regard d’un ensemble de points communs, cette proposition esquisse un véritable paradoxe : le portrait, cette représentation de l’autre, serait le fait de « différentes techniques romanesques ou visuelles qui témoignent d’une émission (production) d’un discours sur soi, sur son intimité et sur son propre corps ». Présenté de la sorte, l’exercice définit un espace de rencontre mobilisant des procédés graphiques et narratifs dont il serait intéressant de tenter de cerner les tenants et aboutissants. Force est en tout cas de constater que de nombreuses œuvres de bandes dessinées appartenant au champ de l’autobiographie peuvent être prises en compte, qu’elles aient trait à la représentation par l’auteur de ses ascendants (Fun home, Moi René Tardi, Maus…) ou de ses amis et amants (le troisième tome du Journal de Fabrice Néaud, aux Pillules bleues de Frederik Peeters…). Il s’agira de compléter cette liste avant le 15 mars prochain.

 

 

Le portrait dans la littérature et les arts visuels 

Le portrait écrit et le portrait peint (dessiné, photographié, filmé, numérisé…) ont de nombreuses caractéristiques en commun. Que ce soit dans la littérature, le cinéma, la peinture, l’image de synthèse, la vidéo et la performance, le portrait se construit suivant les orientations idéologiques de son auteur. Il suggère formes et impressions tout en répondant à différentes techniques romanesques ou visuelles qui témoignent d’une émission (production) d’un discours sur soi, sur son intimité et sur son propre corps.

 Le regard sur l’autre est, également, très manifeste dans l’art du portrait en peinture ainsi que dans la description du personnage qui est une sorte de portrait romanesque. La représentation du corps est fondamentale dans ces différents genres artistiques et littéraires qui sont autant d’espaces de création où le portrait, qu’il soit physique, psychologique ou moral, se réfléchit, se redécouvre comme lieu de sensations et d’émotions et se reproduit dans les domaines de la fiction et de l’imagination à travers la littérature et les arts visuels.

La deuxième session de ce colloque a eu lieu en Avril 2012 à Agadir au Maroc,  à l’Université Ibn Zohr. La troisième session aura lieu du 25 au 27  Avril 2013 à Kairouan, en Tunisie Elle sera accueillie par l’Institut Supérieur des Arts et Métiers de Kairouan.

Thématique générale.

Evaluer la correspondance qui existe entre la littérature, les arts plastiques (y compris dans le cadre des technologies contemporaines)  et le cinéma, en ce qui concerne la symbolique du portrait féminin et masculin dans des genres narratifs et esthétiques tels que la description romanesque du personnage, la caricature, l’art vidéo, la peinture, la sculpture… Considérer l’impact de la culture visuelle sur l’idéologie littéraire et vice versa. (L’interaction fortement présente entre la littérature et le cinéma).

Corpus

La littérature, les arts visuels et médiatiques,  la peinture, la vidéo et les arts plastiques (y compris dans le cadre des technologies contemporaines), la publicité, la presse écrite, le cinéma, le dessin et la littérature populaire.

Objectifs :

Etablir une démarche de rapprochement entre la notion du genre dans la peinture, les arts visuels (portrait et autoportrait) et les procédés narratifs de l’écriture littéraire (description du personnage, récit autobiographique) pour arriver à lire et à étudier les différentes modalités de la représentation de soi et de l’autre dans l’art et la littérature.

Traiter le portrait numérisé,  pictural et littéraire comme étant un objet/sujet de narration dans le but de comparer  les techniques de l’ « écriture artistique » et celles de l’écriture littéraire.

 Quelques axes de réflexion :

  •  Les grands portraits de la littérature universelle.
  • Portraits de femmes dans le cinéma mondial.
  • La représentation du corps féminin de l’orientalisme à l’époque de la figuration libre au Maghreb.
  • Le portrait masculin dans l’écriture féminine.
  • La femme dans la littérature populaire.
  • Le portrait  de la femme dans la publicité et la presse.
  • Les problématiques de la représentation du portrait dans le langage des nouveaux médias et des arts médiatiques.
  • L’autoportrait

 Les Enseignants-Chercheurs qui sont intéressés par cette manifestation sont priés d’envoyer un abstract de leur communication avant le 15 Mars 2013 à l’adresse suivante: colloqueartduportrait@gmail.com.

NB :

Les frais d’inscription au colloque international sur le portrait dans sa 3ième  session sont de 60€ pour les participants. Ils serviront à financer le coût de la publication des actes du colloque.

L’Institut Supérieur des Arts et Métiers de Kairouan prend en charge l’hébergement et les repas de ses invités. Les frais de transport sont à leurs charges.

Responsable : Fatima Ahnouch. Khaled Abida. Sahbi Alani

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Figures du héros. Littérature, cinéma, bande dessinée

Cristina Alvares, de l’université do Minho (Braga, Portugal) lance un appel à communication intitulé : « Figures du héros. Littérature, cinéma, bande dessinée ». Constituant la première pierre d’un colloque qui se tiendra les 26 et 27 avril prochain, cette proposition invite les chercheurs à s’emparer d’une notion extrêmement diverse puisqu’il y a des « héros et des héroïnes mythiques, tragiques, comiques, épiques, romanesques, picaresques, classiques, traditionnelles, modernes, contemporains, des anti-héros, des super-héros ». Ce sont ainsi toutes sortes de personnages qu’il sera possible d’étudier selon des axes eux aussi variés puisqu’à côté du rapport à la loi et à la littérature (ou plus précisément à l’aventure), l’appel à communication fait clairement une place à des analyses textuelles ou graphiques. Il serait d’ailleurs intéressant d’inscrire dans le temps ces différentes pistes de réflexion : le Batman de Frank Miller ou le Spirou d’Émile Bravo font ainsi montre d’un tout autre rapport à l’autorité (Batman s’interrogeant sur le bien fondé de son action) et à l’histoire (Spirou se trouvant dans ce dernier cas mêlé aux négociations de l’accord de Munich) alors que les deux auteurs font montre de choix graphiques renouvelant aux aussi l’approche de la série. Nous laissons à nos lecteurs le soin de trouver des exemples semblables avant le 30 janvier prochain.

 

Colloque Figures du héros. Littérature, cinéma, bande dessinée

Université du Minho, Braga, Portugal

Depuis la nuit des temps, les groupes humains ont créé des héros pour y projeter leurs idéaux et valeurs, justifier leur existence et interroger leur structure éthique. Depuis le demi-dieu antique jusqu’au héros urbain postmoderne, les configurations historiques et culturelles du héros sont multiples et variées. Il y a des héros et des héroïnes mythiques, tragiques, comiques, épiques, romanesques, picaresques, classiques, traditionnelles, modernes, contemporains, des anti-héros, des super-héros. Le héros a mille visages. Cependant, une telle diversité n’a pas empêché l’identification d’une structure ou morphologie invariante – le monomythe, l’archétype ou le mythologème héroïque -, déterminée surtout par la fonction du héros dans les mythes : fondateur et transgresseur, il ou elle instaure l’ordre humain par la rupture avec l’ordre divin. Situé au-delà de la loi et de l’ordre que lui-même a fondé, le héros mythique constitue la référence et la mesure des typologies ou profils héroïques. Aussi tout héros garde-t-il quelque chose de ce modèle : médiateur entre ordre et contre-ordre, il prend une attitude de dénégation de la loi, tout en agissant à son service mais l’excédant, la subvertissant même. D’où son hybridité et sa liminarité, ses déplacements entre deux mondes : les vivants et les morts, le rêve et la réalité, la civilisation et la sauvagerie. Le héros est fondamentalement celui ou celle qui s’expose à ce qui advient (advenir, a(d)venture), qui est disponible à rencontrer l’altérité radicale, à chercher une dimension perdue, matérielle ou immatérielle, à changer son être et l’être du monde.

Dissident, déserteur, métis, pirate, missionnaire, réporter, voyageur, séducteur, détective, explorateur, archéologue, justicier – ces figures héroïques et bien d’autres se retrouvent, au masculin et au féminin, dans des mythes, des contes, des romans, au théâtre, au cinéma, dans la bande dessinée, dans des jeux-video. Dans ce colloque nous voulons analyser et discuter les figures héroïques qui apparaissent dans des textes et des supports différents, moyennant différents abordages (inter)disciplinaires (narratologie, études sur l’imaginaire, études culturelles, études intermédiales, psychanalyse, néo-comparatisme, etc).

Topiques

Les communications peuvent aborder une de ces topiques ou en combiner plusieurs.

Le héros et la loi

Prométhée, Ève, Roland, D. Juan, Antigone… incarnent différents régimes du rapport du héros à la loi (fondation, transgression, défi, soumission, soustraction, résistance). Comment fonctionnent ces régimes ? Quelle(s) éthique(s) héroïque(s) soutiennent-ils ? Est-elle compatible avec la morale collective ? Quel est le poids des intérêts et des inclinaisons personnels (la vengeance, par exemple) dans l’aventure ? Que signifie du point de vue éthique la fonction de victime sacrificielle que le héros assume fréquemment pour servir au mieux le bien collectif ? Ceux qui brisent les lois fondamentales de l’ordre humain (Oedipe, D. Juan, Fantômas) peuvent être considérés des héros ? Y a-t-il de l’ héroïsme chez l’anti-héros ? Le passage entre héros et anti-héros constitue-il une continuité ou alors une discontinuité ?

L’ anti-héros

Au contraire des récits plus classiques, la postmodernité a assisté à la consolidation de la figure du anti-héros, très présent notamment au cinéma. Son origine plus ou moins lointaine peut être située dans le Romantisme, bien qu’il y ait des anti-héros dans la littérature médiévale. Ce profil (anti)héroïque ne vise pas forcément à sauver un bien commun et cède facilement à des dérives marginales. Sur le plan éthique, il suit une moralité assez douteuse qui n’hésite pas à commettre le crime au nom d’une valeur supérieure ou même au nom d’un intérêt personnel. C’est le cas du protagoniste anonyme des westerns de Sérgio Leone, joué par le charismatique Clint Eastwood, par exemple.

Morphologies de l’aventure

L’aventure peut consister soit en un processus externe de purification du monde, laquelle peut avoir une signification historique et politique : chercher un trésor, libérer quelqu’un, capturer un criminel, combattre des terroristes, des trafiquants, des tyrans ; soit en un processus interne de purification spirituel et d’accès à un savoir ou à une vérité sur soi-même, sur le monde et sur la vie ; soit en des combinaisons variées des deux formes dont il importe d’étudier les régimes. Quel est, par exemple, le rapport de l’aventure avec la vie quotidienne ? S’insère-t-elle dans l’existence comprise entre le ‘il était une fois’ et le ‘et ils ont vécu heureux pour toujours’ ? Ou, au contraire, l’aventure est-elle une discontinuité dans le temps linéaire de l’existence individuelle qui la projette sur un plan transbiologique dans lequel le héros n’a ni passé ni futur ? Quelles sont les stratégies de déconstruction de l’aventure et de son absorption par le everyday life ?

Les morphologies et régimes pourront-ils déterminer ou conditionner des paradigmes de l’aventure ? Y a-t-il des paradigmes ou modèles traditionnels, modernes et postmodernes de l’aventure ?

Héros et Famille

Héraklès, Arthur, Tintin, Wonder Woman, Moise, Perceval, Beatrix K.… Orphelins, bâtards, enfants exposés, sans famille, matricides … Les relations du héros avec sa famille d’origine et/ou la famille qu’il ou elle a constituée sont problématiques. Clivé entre l’aventure et la famille – abandonnée, trahie, oubliée pour un temps ou pour toujours ou au contraire/mais aussi protégée, sauvée, recomposée, réunie – le héros apparaît fréquemment inscrit dans la sphère publique et la sphère privée de l’existence, tout en les gardant en tension ou en essayant de les faire coïncider. Quelles configurations du rapport entre public et privé trouve-t-on et quels profils héroïques leur sont associés ?

Héros et masques

Les profils héroïques résultent d’une rhétorique de l'(auto)présentation et (auto) représentation : portrait et autoportrait, pose, attitude, mise en scène de son ego ou de son opacité subjective. Depuis le Bel Inconnu des romans arthuriens, le chevalier incognito des romans médiévaux, jusqu’à Zorro ou Spirit, et aux super-héros, costumes, armes, masques et marcarilles donnent des contours d’ombre et de mystère à l’identité opaque ou perdue du héros. Il y a pourtant d’autres façons de mettre en scène une opacité subjective ou une personnalité énigmatique (la pose de Corto Maltese, par exemple). Comment fonctionnent ces formes de masque sans masque ?

Héros digitaux

Le développement du cinéma d’animation digital a créé de nouveaux protagonistes qui s’assument explicitement comme des successeurs de figures autrefois célèbres, notamment celles de l’imaginaire de Disney mais pas seulement. Ces figures héroïques tirées aussi bien de personnes réelles que de domaines tout à fait non-humains (par exemple, des voitures qui parlent et gagnent des courses héroïquement ou des jouets qui interagissent avec des humains, tout en s’en détachant par l’aventure dont ils sont les protagonistes), peuvent (d)énoncer une dimension héroïque postmoderne.

Héros et parodie

La postmodernité reformule parodiquement des récits patrimoniaux entre autres. L’imaginaire des contes de fées est réécrit à partir de la figure grotesque d’un ogre sympa qui fait un trajet héroïque tout à fait traditionnel, sauf pour la subversion des composantes canoniques du genre, avec des effets d’humour parodiques. Le célèbre agent secret 007 n’échappe pas non plus à la parodie par le non moins célèbre double parodique Johnny English (Rowan Atkinson). Quels rapports gardent les héros avec leurs doubles parodiques ? Quelles sont les composantes sur lesquelles se fonde la parodie et la déconstruction comique de la figure du héros ?

Date limite de réponse à l’appel à communication : 30 janvier 2011.

Le colloque a lieu les 26 et 27 avril 2012 à l’auditorium de l’Institut des Lettres et Sciences Humaines de l’Université du Minho, à Braga, Portugal

Les communications ne dépasseront pas les 20 minutes.

Langues de travail : Portugais, Espagnol, Français, Anglais.

Les résumés de communication (300 mots maximum) doivent être soumis jusqu’au 30 janvier 2012 aux adresses martagomes100@hotmail.com, spgsousa@ilch.uminho.pt, calvares@ilch.uminho.pt

Inscriptions :

Jusqu’au 5 avril :

avec communication : 85 €

sans communication : 70 €

Après le 5 avril :

avec communication : 95 €

Responsable : Cristina Alvares

Url de référence :
http://www3.ilch.uminho.pt/figurasdoheroi

Adresse : Colloque Figures du héros Instituto de Letras e Ciências Humanas Universida de do Minho 4710-052 Braga Portugal

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Annual Florida Conference of Historians/superheroes

Julian Chambliss, professeur d’histoire au Rollins College (Floride, USA), lance un appel à communication pour la 52e conférence annuelle des historiens de Floride. Prenant place dans la section « Media Art and culture », celui-ci se focalise sur les « superhéros » et constitue donc le pendant du récent appel à communication « Mythologie du superhéros : physiologie, géographie, histoire ». S’il entend permettre d’explorer la plce de ces personnages dans la culture américaine, cet appel à communication met en effet l’accent sur les pratiques d’adaptation de ces Comics au cinéma, à la télévision ou en musique : il ne manque que les jeux vidéos auxquels pourraient s’intéresser quelques propositions qu’il s’agira d’élaborer avant le 16 décembre prochain.

 

From Superman’s 1938 debut through recent tales of identity crisis and political divide, superhero comic books have made an indelible mark on American culture. The current popularity of stories and characters originating in comic books has expanded interest in the medium and in the symbolic power of the superhero. Recent scholarship has attempted to define the superhero’s unique relationship to American culture. The Florida Conference of Historian Special Interest Section (SIS) on Media Arts and Culture welcome submission to the 52nd annual Florida Conference of Historian meeting that address the ways the comic book superhero represents, constructs, and distorts American culture are welcomed. Special consideration will be given to papers that explore comics-inspired movie, television, and music. The Media Arts and Culture SIS welcomes submission from graduate students, undergraduates, and independent scholars who wish to participate. All conference invitees are eligible for review for inclusion in the FCH refereed published proceedings.

1. Paper title and abstract/proposal (300-500 words)
2. Brief vita or biography (one page max)
3. Complete personal information: name, department, academic affiliation, mailing address, and e-mail address.

Worthwhile topics include (but are not limited to):

Ethnicity and the Superhero / Gender and the Superhero / Superheroes and Nationalism / Religion and the Superhero / The Superhero in the Media / Marvel Cinematic Universe: Past and Presence / Superhero and Identity / Class Identity and the Superhero/ Violence and the Superhero / Political Identity and the Superhero

Dr. Julian Chambliss
Rollins College
1000 Holt Avenue-2762
Winter Park, FL 32789
407-646-2214
Email: jchambliss@rollins.edu
Visit the website at http://myweb.rollins.edu/jchambliss/Julian_C._Chambliss/Homepage.html

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Mythologie du superhéros : physiologie, géographie, histoire

François Emmanuël Boucher (Collège militaire royal du Canada), Pascal Brissette (Université McGill), Sylvain David (Université Concordia) et Maxime Prévost (Université d’Ottawa) lancent un appel à communication intitulé « Mythologie du superhéros : physiologie, géographie, histoire ». Débouchant sur un ouvrage qui sera publié aux Presses Universitaires de Liège dans la collection ACME (du nom du groupe de recherche qui a récemment organisé le colloque « figures indépendantes de la bande dessinée mondiale »), cette proposition nous invite à prendre la notion de superhéros au sens large puisqu’il s’agit d’appréhender ces personnages dans leur rapport au temps (en les replaçant dans une histoire de la littérature populaire), à l’espace (que celui-ci soit fictionnel, comme le Gotham City de Batman, ou politique, comme les États-Unis d’Amérique) et à un « imaginaire collectif » (faisant que ces héros, pourtant soumis à toutes les variations, demeurent empreints d’une forme de permanence). Notons que cet appel à communication très complet n’aborde pas frontalement une piste que les directeurs d’ouvrages pourraient voir explorée : celle du mode de production de ces Comics, c’est-à-dire l’analyse des dispositifs économiques, juridiques ou des auteurs leur donnant naissance. La lecture de l’ouvrage de Jean-Paul Gabilliet (Des Comics et des hommes) pourrait ainsi donner quelques idées aux chercheurs qui ne trouveraient pas leur place dans un espace scientifique qu’il s’agira d’investir avant le 1er décembre prochain.

 

Mythologies du superhéros : physiologie, géographie, histoire

Ouvrage collectif dirigé par François Emmanuël Boucher (Collège militaire royal du Canada), Pascal Brissette (Université McGill), Sylvain David (Université Concordia) et Maxime Prévost (Université d’Ottawa)

Date limite : 1er décembre 2011

Les superhéros, demi-dieux d’un monde sans Dieu, constituent collectivement une mythologie laïque qui se diffracte en sous-ensembles de mythologies au sens où l’entendait Roland Barthes. Mais qu’est-ce qui fait le superhéros? Son incapacité à rester tranquille quand les forces du mal se manifestent? Son costume qu’on voudrait parfois plus discret et moins moulant, et qui fait systématiquement converger les regards vers lui (ou vers elle)? En quoi le superhéros se signale-t-il comme tel et qu’est-ce qui le distingue du simple héros? Partant de l’affirmation d’Ernst Cassirer selon laquelle le mythe est «l’objectivation de l’expérience sociale de l’humanité», on pourra s’interroger sur la socialité de ces êtres d’irréalisme pur : comment, à quelles conditions et pourquoi est-il permis au lecteur ou au spectateur de s’identifier à un personnage dont les caractéristiques transcendent celle de l’humanité ordinaire? Cet ouvrage collectif se fixe comme premier objectif de répondre à ces questions à la lumière tant de l’histoire culturelle que de la sociocritique et de l’analyse du discours social.

Le superhéros est né dans une Amérique triomphante à la veille de la Seconde Guerre mondiale et, même s’il est largement associé au corpus bédéesque des maisons DC (Superman, Batman, Wonder Woman, Green Lantern, Flash) et Marvel (Spiderman, Fantastic Four, Hulk, X-Men), il a infiltré massivement les productions télévisuelles et cinématographiques des cinquante dernières années, et a su, en dépit (peut-être en raison) de l’apparente fixité de ses traits sémiotiques et de la minceur des scénarios auxquels il a souvent été intégré, se maintenir dans la faveur publique. Ce livre consacré à la mythologie du superhéros ne cherchera évidemment pas à pourfendre — ni d’ailleurs à défendre —, les productions culturelles de grande diffusion qui ont servi de véhicule au type du superhéros, mais à contribuer à une meilleure compréhension de ces personnages, de leurs conditions d’apparition et modes de diffusion.

3 axes de recherche :

Physiologie du superhéros. On sait que, au cours du premier xixe siècle, les physiologies, ces petits livres illustrés qui s’attachaient à décrire un phénomène du monde extérieur, se voulaient une méthode positive d’analyse des faits sociaux. Par sa survie durable dans l’imaginaire collectif, la mythologie du superhéros s’impose bien comme un phénomène social, quoique non référentiel, dont il sera pertinent de mettre en lumière la topique et les principales caractéristiques. Puisque tout superhéros qui s’implante dans l’imaginaire collectif atteint «une fixité emblématique qui le ren[d] facilement reconnaissable» (Umberto Eco), les contributions à ce collectif pourront aussi s’attacher à un seul personnage afin d’isoler les signes par lesquels il demeure le même au gré de ses divers avatars (littéraires, graphiques, télévisuels, cinématographiques).

Géographie du superhéros. On imagine sans peine le héros à la campagne, un peu ennuyé parfois, certes, et lorgnant souvent le chemin de la ville, mais on peut l’y situer et le forcer à y rester, le temps d’un roman, du moins. Peut-on faire de même avec le superhéros? Que ferait Spiderman sans les gratte-ciels de New York ou Batman en banlieue de Gotham City, loin du bruit, des journalistes et des foules? Le phénomène est-il généralisé? Clark Kent grandit à Smallville, au Kensas, mais c’est à Metropolis qu’il passe sa vie adulte. Un certain Actarus et son robot Goldarak, issus des Mangas japonais, cherchent à se faire oublier à la campagne, mais ils doivent systématiquement en sortir lorsque les forces de Vega envoient depuis l’espace les puissants Golgoth tuer les citadins et faire sauter les puits de pétrole (ou, encore, découvrir des super-métaux). Qu’indique ce rapport à l’espace (sans jeu de mot) du superhéros? En outre, comment les superhéros s’imposent-ils comme des héros «nationaux», qui condensent et amplifient les qualités présumées de leur nation d’appartenance (Wolverine, l’homme sauvage du Nord canadien; Captain America, protégé par un bouclier à l’effigie du drapeau américain)? Existe-t-il au contraire des superhéros internationaux, dont l’essence aurait partie liée à la citoyenneté du monde?

Histoire du superhéroïsme. On connaissait le héros épique, qui se livra sur les champs de bataille de Troie ou de Roncevaux à des carnages mémorables sous le regard approbateur des dieux; on connaissait également le héros romanesque évoluant dans un monde opaque, déserté par la transcendance (Lukács). Qu’est-ce qui laissait présager l’émergence du superhéros? L’un des axes de réflexion sera ce passage historique du personnage humain, quelquefois doué, voire intellectuellement surdoué (Sherlock Holmes, Rouletabille), parfois pourvu d’une force physique extraordinaire (Porthos, Jean Valjean), mais appartenant résolument à l’humanité, à un personnage de surhomme, transformé, transfiguré ou génétiquement modifié par la science et la technologie. Comment et à quel moment s’effectue cette transition? Quels en sont les moments clés? Sur quels facteurs historiques, culturels, discursifs, économiques, politiques ou sociologiques s’est-elle appuyée?

La publication de ce collectif se fera aux Presses Universitaires de Liège – Sciences humaines (PULg), dans la collection ACME. Les contributions soumises feront l’objet d’une évaluation par les pairs (« peer review »). La parution du recueil est prévue pour l’automne 2012.

Les propositions de textes, en français, doivent inclure un résumé de 400 mots, un titre, l’axe de recherche privilégié et les coordonnées de l’université et du département d’attache. Elles doivent parvenir à l’adresse suivante avant le 1er décembre 2011 : boucher-f@rmc.ca

Responsable : François-Emmanuël Boucher

Url de référence :
http://www.rmc.ca/aca/fs-ef/per/bou/index-fra.asp

Adresse : François-Emmanuël Boucher Directeur du Département d’études françaises Professeur agrégé Collège militaire royal du Canada CP 17000, Succ. Forces Kingston, Ontario (Canada) K7K 7B4 Tél. : (613) 541-6000 ext.6436 Courriel: boucher-f@rmc.ca

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Boy’s love manga

Mark McHarry, Kazumi Nagaike (Oita University, Japan) et Dru Pagliassotti (California Lutheran University, USA) lancent un appel à communication pour un numéro spécial du Journal of graphic novels and Comics consacré au « Boy’s love manga ». L’appel à communication, que nous reproduisons ci-dessous, met en évidence la richesse du sujet puisqu’il invite les chercheurs à réfléchir tant sur le potentiel subversif (par rapport à une norme hétérosexuelle dont la bande dessinée est coutumière) que relationnel (à travers l’importance du lectorat dans la production et diffusion de ces manga) de bandes dessinées qu’un magazine en ligne comme boyslove.fr met à l’honneur. Attention : la date limite est fixée au 14 octobre prochain.

 

Journal of Graphic Novels and Comics

Special Issue on Boys’ Love Manga

Proposals due by October 14, 2011

Guest Editors: Mark McHarry, Independent Scholar
Kazumi Nagaike, Oita University, Japan
Dru Pagliassotti, California Lutheran University, USA

Boys’ love emerged in the late 1960s as women in Japan began creating commercial manga (comics) about young males in homoerotic relationships and self-publishing similarly-themed comics called dōjinshi using young male characters taken from popular shōnen (boys) manga. The stories show the characters trying to overcome obstacles in order to connect or bond romantically. The genre has gained popularity in many world regions. Beginning in the second half of the 1990s, boys’ love became popular in the West, where it is generally called yaoi, from the acronym of the tongue-in-cheek description “yamanashi, ochinashi, iminashi,” or “no climax, no point, no meaning.”

Fans use the genre in subversive and oppositional ways, reading or creating boys’ love as a form of resistance and challenge to gender norms, such as the female-objectifying “male gaze,” and as expressions of ambivalence in relation to these norms. The latter, in particular, is shown in the recently recognized fact that a number of heterosexual males also create and consume BL narratives.

We seek to make this special issue inclusive of expressions of boys’ love and yaoi worldwide, multifaceted and interdisciplinary. We hope to reflect fan diversity, explore previously unexplored areas, and suggest ideas for future research.

We are seeking essays of 5,000 to 7,000 words. Topics might include:

The history of shōjo (girls’) comics in Japan as it influenced, framed, and grounded the development of the boys’ love genre;

Current legal and censorship issues related to boys’ love, especially in the context of comic history, such as the recently enacted youth protection amendment in the Tokyo prefecture and the proposed Internet filtering in Australia;

The practices and identities of fans who create and consume this genre, including fujoshi (female BL fans), fudanshi (self-identified heterosexual male fans), and otaku (all fans); The inception, growth, and marketing strategies of the publishing industries that include or are entirely dedicated to boys’ love comics, especially compared to those that publish gay comics or heterosexual adult comics;

Concepts of “race” and ethnicity as they manifest in boys’ love and yaoi;

Discursive analysis of media responses to the boys’ love/yaoi genre and to fans’ activities;

Queer discourses within and about boys’ love and yaoi, such as their potential for a subsumption, by female boys’ love artists and writers, of gay/queer male discourses; Comparison of boys’ love and yaoi expressions in world regions;

Reading strategies of fans;

The distribution of boys’ love comics over new media, such as mobile phone novels, microblogs, and image boards such as 4chan;

Copyright issues related to boys’ love, such as the ethics of making scanlations of untranslated works and the poaching in dōjinshi of commercially published characters;

Artistic and iconographic developments and differences within the genre over time and between national cultures;

Self-reflexivity within the comics as males read boys’ love comics for same-sex romantic or sexual “tips,” are supported by female boys’ love fans, or work within the manga publishing industry.

We are looking for articles from multiple disciplines and theoretical approaches. The primary focus would be manga (printed and electronic), but we would hope to include at least an overview of non-manga genres, too, to provide context and a sense of the genre’s scope.

Please submit abstracts of between 250-300 words no later than October 14, 2011 to editors@yaoiresearch.com

CFP: http://www.tandf.co.uk/journals/cfp/rcomcfp.pdf

Journal of Graphic Novels and Comics:

http://www.tandf.co.uk/journals/journal.asp?issn=2150-4857&linktype=38

Mark McHarry, Independent Scholar
Kazumi Nagaike, Oita University, Japan
Dru Pagliassotti, California Lutheran University, USA

Email: editors@yaoiresearch.com
Visit the website at http://www.tandf.co.uk/journals/cfp/rcomcfp.pdf

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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The Comics get medieval 2012

Michael A. Torregrossa de la « Société virtuelle pour l’étude de la culture populaire et du Moyen âge » lance un appel à communication intitulé pour « The Comics get Medieval », événement annuel se déroulant à Boston. Son objectif est de « renforcer les liens entre médiévistes, chercheurs travaillant sur la bande dessinée et spécialistes de la culture populaire », mais l’édition 2012 sera principalement axée autour d’un anniversaire : les 75 ans du Prince Vaillant d’Hal Foster. Il serait sans doute bienvenu, de la part de chercheurs français, de proposer des travaux portant sur les successeurs, voire les clones, du chevalier de Thule, à commencer par le Chevalier ardent de François Craenhals. Nous reproduisons ci-dessous l’appel à communication dont la date limite est fixée au 1er décembre 2012.

 

The comics get medieval 2012 :

a celebration of medieval-themed comics in commemoration of the 75th anniversary of Prince valiant

 

Celebrating our sixth year in 2012, proposals are now being considered for inclusion at “The Comics Get Medieval 2012,” a series of panels and roundtables sponsored by The Virtual Society for the Study of Popular Culture and the Middle Ages and to be hosted by the Comics & Comic Art Area of the Popular Culture Association (PCA) for the 2012 Joint Conference of the National Popular Culture and American Culture Associations to be held from 4-7 April 2012 in Boston, Massachusetts.

The goal of these sessions is to foster communication between medievalists, comics scholars, and specialists in popular culture studies in general. The organizers define “medieval comics” as any aspect of the comics medium (panel cartoons, comic strips, comics books, comics albums, band dessinée, graphic novels, manga, webcomics, comics to film/film to comics, etc.) that feature medieval themes either in stories set during the Middle Ages or in stories presenting some element of the medieval in the post-medieval era. We are also interested in papers looking at medieval comics from a pedagogical perspective.

Completed papers should be delivered in 15-20 minutes (depending on the number of presenters). All proposals will also be considered for inclusion in an essay collection to be edited by the panel organizers beginning in late 2011/early 2012. (Individuals only interested in submitting for the collection should also send proposals by 1 December 2011 deadline and indicate their preference in the email.)

In addition, a select list of potential topics and a bibliographic guide to medieval comics will appear as part of THE MEDIEVAL COMICS PROJECT web site available at ComicsProject.org> and THE ARTHUR OF THE COMICS website available at Comics.org/>, both organized by the Virtual Society for the Study of Popular Culture and the Middle Ages.

No later that 1 December 2011, interested individuals (who must be members of PCA or ACA or join for 2012) should submit full contact information (name, address, phone/cell, and email), titles, and abstracts of 300-500 words to the sessions’ organizers, who will then forward them to area chair.

Address all inquiries and proposals to the organizers at the following address: <medieval.Comics.Project@gmail.com> and include “Comics Get Medieval 2012” in the subject line. </medieval.

 

Michael A. Torregrossa
The Virtual Society for the Study of Popular Culture and the Middle Ages

Email: medieval.comics.project@gmail.com
Visit the website at http://MedievalComicsProject.org

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Pratiques sérielles dans les littératures médiatiques

Matthieu Letourneux, du laboratoire CSLF-PHISTEM de l’université Paris Ouest-Nanterre-La Défense lance un appel à communication pour un colloque intitulé : « Pratiques sérielles dans les littératures médiatiques ». Cette proposition nous invite à considérer « l’ensemble de ces mécanismes sériels, de la chaîne de production matérielle du livre à son écriture, de la narration à la diégèse, de l’écriture à la lecture, que ce colloque se propose d’aborder en se concentrant sur la période qui correspond à la montée en puissance de la culture médiatique, les années 1840-1940 ». Force est de constater que c’est durant cette période qu’émergent, pour la bande dessinée, certains des problèmes esquissés ci-dessus : Bécassine (dans La Semaine de Suzette) Little Nemo in Slumberland (dans le New York Herald) ou Les Pieds Nickelés (dans L’Epatant) commencent à paraître en 1904, alors que le Petit Vingtième (1929), Le Journal de Spirou ou Action Comics (1938) naissent dans l’entre-deux-guerres. Il y a donc tout lieu de s’intéresser à la mise en place de « modes de lecture et d’écriture sériels, en tentant de décrire les spécificités de communication, les jeux plus ou moins subtils que les auteurs proposent aux lecteurs, les attentes de ces derniers et la façon dont les écrivains peuvent les surprendre ou les tromper. » Et il s’agira donc de formuler une proposition portant sur ce mode de création animé par des « contraintes fortes (genres, valeurs, formats, public, etc.) » avant le 15 novembre prochain.

Pratiques sérielles dans les littératures médiatiques

10-11 mai 2012

 

Université Paris Ouest-Nanterre

CSLF-PHISTEM

LPCM

 

 

Les productions de la culture médiatique et les fictions imprimées de grande consommation reposent sur des principes de communication qui mettent en jeu des logiques sérielles. Ce qui les caractérise est une tendance à saisir la relation à l’œuvre médiatisée par un ensemble plus vaste à partir duquel elle se conçoit. C’est bien un tel mécanisme que l’on peut repérer dans la décision d’écrire ou de lire une œuvre de genre (récit policier, d’aventures, de science fiction, etc.) ou d’investir des ensembles stéréotypiques et des scénarios intertextuels moins formalisés à l’aune desquels le récit demande à être évalué. C’est également dans cette perspective que se situent les auteurs qui choisissent d’écrire pour une collection éditoriale dominée par des contraintes fortes (genres, valeurs, formats, public, etc.). De même, les auteurs qui se lancent dans des séries à personnages récurrents thématisent-ils les mécanismes de la communication sérielle dans leur œuvre. Enfin, les créateurs d’univers de fiction transmédiatiques conçoivent des séries avant d’inventer une œuvre. Le développement de telles pratiques s’explique en partie par l’histoire des supports et de leur usage dans les productions de grande consommation qui, du feuilleton à la collection en passant par les livraisons et les fascicules, ont généralement sérialisé le texte, soit en le traitant comme une série, soit en l’inscrivant dans un ensemble plus vaste.

Ainsi est-ce l’ensemble de la communication qui est affecté par ces mécanismes sériels. Ils se traduisent par des modes d’écriture et de lecture particuliers. Le lecteur compare les œuvres, aussi bien pour les rapporter à ces ensembles plus vastes que pour tenter de saisir ce qui en fait l’originalité au sein de la série. L’auteur quant à lui s’inscrit dans une perspective dialogique dans laquelle le processus de singularisation se pense dans la relation aux principes sériels. Ainsi, loin de se concevoir uniquement en termes de ressassement, les pratiques sérielles s’inscrivent tout autant dans une perspective de variation, voire de distinction, qui explique pourquoi les goûts des amateurs mettent en jeu des postures discriminantes, et combien les auteurs, loin de se contenter d’exploiter des filons du genre, peuvent chercher à le renouveler ou à le sublimer.

C’est l’ensemble de ces mécanismes sériels, de la chaîne de production matérielle du livre à son écriture, de la narration à la diégèse, de l’écriture à la lecture, que ce colloque se propose d’aborder en se concentrant sur la période qui correspond à la montée en puissance de la culture médiatique, les années 1840-1940, mais sans s’interdire les détours vers des périodes plus récentes. On cherchera autant que possible à mettre en évidence les articulations existant entre les différents niveaux entrant en jeu dans la communication sérielle (support, éditeur, conditions de production, relation aux architextes, etc.), et tentera d’en tirer les conséquences en termes de poétique et d’esthétique.

On s’intéressera aux modes de lecture et d’écriture sériels, en tentant de décrire les spécificités de communication, les jeux plus ou moins subtils que les auteurs proposent aux lecteurs, les attentes de ces derniers et la façon dont les écrivains peuvent les surprendre ou les tromper.

On étudiera les stratégies d’appropriation, de singularisation et de resémantisation que peuvent mettre en place les auteurs qui s’inscrivent dans des logiques sérielles, en essayant de décrire le dialogue entre reprise des codes (collection, genre, personnage récurrent) et réarticulations.

On tentera de réfléchir aux transformations que subissent les figures sérielles : mutations de genres, réinvention de personnages sur la longue durée, redéfinition des traits sériels suivant les pays, les époques et les variations des situations sociales, politiques et culturelles. On essaiera de montrer quelles sont les logiques qui permettent de concilier principes de transformation et de répétition.

On s’interrogera sur les relations entre sérialité et circulation, en se demandant comment une même œuvre ou un même personnage peuvent s’inscrire dans des systèmes intertextuels et architextuels différents suivant les pays, les époques et les contextes culturels.

On s’intéressera aux rôles des autres figures intervenant dans la production du sens – éditeurs, illustrateurs, traducteurs – par la mise en résonance du texte avec d’autres textes, et à la façon dont ils peuvent reformuler les œuvres et leur lecture.

 

 

Les propositions sont à renvoyer à Matthieu Letourneux (mletourneux@free.fr), avant le 15 novembre 2011.

Matthieu Letourneux

Université Paris Ouest-Nanterre ; CSLF-PHISTEM

LPCM (association internationale des chercheurs en littérature populaire et culture médiatique)

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Screen superheroes in national, international and transnational contexts

Rayna Denison, Derek Johnston et Rachel Mizsei-Ward, de l’université East Anglia (UK) lancent un appel à communication intitulé : « Not Just The American Way : screen Superheroes in National, International and Transnational Contexts ». Cette proposition nous invite à appréhender les personnages de « superhéros » adaptés au cinéma à travers une question on ne peut plus originale : quel rapport entretiennent-ils avec les différentes cultures ? L’appel à communication, que nous reproduisons ci-dessous, invite en effet des chercheurs à réfléchir à la création de « superhéros nationaux », aux modes de circulation de productions cinématographiques ambitieuses ou encore aux modes de réception de celles-ci, touches choses qu’il faudra formaliser avant le 31 juillet prochain. Il est à noter que le blog ouvert par les organisateurs, dont le lien figure en bas de cette page, donne plusieurs exemples intéressants, à commencer par Crying Freeman (production américaine, française et japonaise).

 

Not Just The American Way :

screen Superheroes in National, International and Transnational Contexts

The figure of the superhero is primarily seen as an American one, dominated by Marvel and DC comics and their adaptations across multiple media. These superhero franchises operate across media networks within many of the world’s global markets, influencing local representations of heroism and being altered to meet local expectations of the superhero in turn. American culture and, indeed, American superheroes play significant roles in these phenomena and historically have often led the way in debates around the representations around superheroes in culture. However, super-powered and costumed heroes are not just American in origin ; they appear in screen media across many cultures, whether as the anti-social teenagers of Britain’s Misfits, India’s alien-empowered Krrish or Japan’s Ultraman. This collection examines super-heroes and heroines as they travel around the world, exploring the figure of the superhero beyond the North American context. As such, we are interested in the local, international and transnational manifestations of superheroes, as well as in their reach beyond their originating contexts. Furthermore, we are seeking papers on the importance of the superhero to global media markets.

Potential subjects include, but are not limited to :

Local and national superheroes outside the United States US superheroes in global markets
Co-produced superheroes
Transmedia franchising and the superhero
Superheroes on TV
Iconography and aesthetics
The reception of the superhero
Gender, sexuality and ideology and the superhero
Marketing the superhero internationally
Geographically dislocated superheroes
Cultural specificity of the superhero
Special effects and the superhero in film and/or television
Superhero adaptations
Industrial and narrative origins
The geography of superheroes
International cultural flows and exchanges in superhero phenomena

Abstracts of no more than 250 words should be sent no later than 31st July 2011 to : superheroesonscreen@gmail.com

Please see the blog for this project at
http://superheroesonscreen.blogspot.com/

The collection will be edited by Rayna Denison, Derek Johnston and Rachel Mizsei-Ward.

 

Derek Johnston

superheroesonscreen@gmail.com

http://superheroesonscreen.blogspot.com/

 

 

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Fantômas a 100 ans

… ou presque ! Si le personnage naît en 1909 sous les plumes de Pierre Souvestre et Marcel Allain, c’est en 1911 que le personnage est publié en livre, par la librairie Arthème Fayard. Rapidement déclinée en films, pièces de théâtres ou feuilletons radiophoniques, la série s’impose comme l’un des feuilletons les plus marquants de la littérature populaire française.

A l’occasion du centenaire du premier roman, la Bibliothèque nationale de France organise le vendredi 29 avril une après-midi d’étude consacrée au personnage, son mythe et ses déclinaisons. Parmi les interventions proposées, on remarquera celle d’Yves Frémion : “Fantômas dans la bande dessinée.”

Ci-dessous le programme complet :

Fantômas a 100 ans

L’année 1911 voit naître Fantômas, « L’empereur du crime ». Ce dandy étrange inventé grâce à la plume complice de Marcel Allain et Pierre Souvestre va rapidement se transformer en légende, en mythe. Poètes, écrivains, peintres, cinéastes font de Fantômas un héros, très certainement le premier du XXe siècle. « Le Maître de l’effroi » régne sur la capitale au rythme des 32 volumes publiés chez Fayard. Dès 1913, Louis Feuillade adapte ses épisodes pour le cinéma. La BnF a décidé, pour le centenaire, de rendre hommage à ce héros inscrit profondément dans l’inconscient collectif.

Présentant des bandes dessinées, films, adaptations théâtrales, l’après-midi sera ponctuée par la projection de Monsieur Fantômas (1937), un très rare film du poète belge Ernst Moerman qui écrivait : « Fantômas qui êtes aux cieux, sauvez la poésie ».

L’intégralité de la première édition des Fantômas sera exposée dans le foyer du petit auditorium.

Présentation de l’après-midi
Par Denis Bruckmann, directeur des Collections, BnF

14h-14h30
L’apparition de Fantômas : 1911-1913
Par Dominique Kalifa, professeur d’histoire contemporaine

14h30-15h
L’ombre de Fantômas, figure surréaliste de la révolte et de la liberté, dans l’œuvre de Robert Desnos
Par Marie-Claire Dumas, professeur honoraire de l’Université Paris 7-Denis Diderot, éditrice des Œuvres de Robert Desnos, Gallimard, collection “Quarto”

15h-15h30
Fantômas et Ernst Moerman
Par Stéphane Mahieu, écrivain
suivi de la projection de Monsieur Fantômas de Ernst Moerman, 1937 (durée 17 min)

16h-16h30
Fantômas dans la bande dessinée
Par Yves Frémion, écrivain, rédacteur en chef de Papiers Nickelés

16h30-17h
Expérience d’un collectionneur
Par Pierre David, journaliste

17h-17h30
Feuillade : une filature de Fantômas
Par Didier Blonde, écrivain

18h
Présentation des films restaurés
Par Jacques Champreux, auteur, acteur et réalisateur

18h30
Projections
À l’ombre de la guillotine, film de Louis Feuillade, 1913 (durée 55 min)
Juve contre Fantômas, film de Louis Feuillade, 1913 (durée 45 min)

Parodies. La bande dessinée au second degré

Paru en 2010, Parodies : la bande dessinée au second degré de Thierry Groensteen s’attache, comme son titre l’indique, aux dispositifs parodiques qui nourrissent la bande dessinée depuis ses débuts, dans l’idée de montrer comment ils sont associés à ce médium depuis l’origine : « Il nous paraît […] certain qu’elle [la bande dessinée] tend […] massivement à la dérision et à la caricature, et que cette vocation à la raillerie n’est pas moins constitutive de son « génie propre » » (p.11). L’ouvrage est riche et intéressant à plusieurs niveaux, fournissant un apport théorique à une évolution créative de plus en plus mise en valeur dans la scène culturelle, comme en témoignent les récentes expositions sur la bande dessinée au Salon d’Angoulême. 100% BD (2010), tout d’abord, consacré à la reprise par cent auteurs de cent planches représentatives du médium, puis, début 2011, Parodies, dont Groensteen est commissaire et dont le présent essai se fait l’écho. C’est en raison de ce contexte que cet ouvrage paraît nécessaire, tant l’évolution de la bande dessinée relève de procédés d’imitation et de transformation de plus en plus approfondis.

Parodie et bande dessinée : l’histoire d’un médium et la constitution d’un genre

Groensteen s’attache à mettre en valeur le panorama des bandes dessinées parodiques dans une perspective relativement diachronique, à travers dix chapitres thématiques. Parallèlement à cette démonstration, c’est de fait une histoire du médium qui est ici exposée de manière sous-jacente. L’auteur revient en effet sur les différentes strates de la bande dessinée et en remonte la généalogie, de ses origines (« Eléments pour une histoire de la parodie en bande dessinée ») à la création contemporaine (« Tendances contemporaines »), en passant par les comics de super-héros (« Quand les super-héros ne sont pas sérieux ») ou le mouvement underground (« L’âge de la transgression »). Le socle méthodologique sur lequel il repose est solide et clairement expliqué en introduction, l’auteur s’appuyant notamment sur La relation parodique de Daniel Sangsue qui lui permet de formuler une définition précise de la notion de parodie : « Selon le spécialiste Daniel Sangsue, une parodie se définit par « la transformation ludique, comique ou satirique d’un texte singulier[1] » » (p.7). C’est ainsi en terme de « relation » d’une œuvre à une autre que va être pensée la démonstration : « La parodie « implique fondamentalement une relation critique à l’objet parodié[2] » (p.7). Groensteen met aussi bien en exergue les différents dispositifs d’imitation et de transformation intrinsèques au mouvement parodique que la fonction d’interprétation critique que chaque parodie a sur l’œuvre-cible. Dès le premier chapitre, il établit une typologie des procédés usités dont il s’agira de vérifier la présence dans les démonstrations suivantes. On peut en retenir pour exemples les procédés « affectant le verbal », tels que « la dérive onomastique », ceux « affectant l’image » comme « l’hybridation » ou « l’exagération », ou encore les dispositifs touchant les contenus narratifs, « l’accumulation » ou « l’incongruité » (pp.26-27). Cette énumération fournit ainsi une base théorique qui a le mérite ne pas être trop appuyée et s’accorde avec la lisibilité des parties suivantes, écrites dans un langage clair et accessible. Celles-ci sont extrêmement riches en exemples, soulignant là le foisonnement des procédés parodiques qui ont progressivement donné lieu à un genre à part entière, notamment sous l’impulsion de Mad et de Harvey Kurtzman : « Il existait des parodies dessinée avant Mad, mais c’est véritablement à partir de Mad que la parodie est fondée en tant que genre existant en propre » (p.61). L’intérêt de la veine parodique en bande dessinée est qu’elle réside dans un double mouvement « transmédiatique » et réflexif. Groensteen le démontre par l’exemple de détournements de figures littéraires et cinématographiques (Cinémastock de Gotlib et Alexis, la bande dessinée pornographique…) et de personnages iconiques de la bande dessinée, comme Tintin auquel il consacre un chapitre entier, « Tintin et les pirates ». Ces différentes argumentations sont d’autant plus riches que, la parodie relevant de l’absurde et de l’incongru, elles amènent parfois à revenir sur certaines théories préexistantes de la bande dessinée, de manière à les développer en fonction de ce regard. Ainsi des cinq catégories de textes[3] présents dans une bande dessinée (péritexte, récitatif, dialogue, effet sonore et onomatopée, et enfin textes inhérents à la diégèse représentée) auxquelles Groensteen en ajoute une nouvelle :

Il semble que Mad ait inventé (ou du moins employé avec un certain esprit de système) une sixième sorte de texte, pour lequel il faudrait parler d’enrichissements. On ne peut, en effet, ni référer expressément ces inscriptions à l’intervention du narrateur, ni soutenir qu’elles « existent dans le monde fictionnel », dès l’instant où elles apparaissent, disparaissent et surtout se modifient de façon arbitraire et imprévisible. (p.55)

La question juridique et culturelle de la parodie

En plus de fournir de nouveaux apports théoriques à la bande dessinée, l’étude de la parodie permet également de revenir sur l’industrie de ce support et sur ses caractéristiques. En témoignent, entre autres, les passages sur les conséquences juridiques qu’ont pu impliquer certains détournements. La parodie se situe parfois dans des zones intermédiaires entre la reprise, l’hommage et le plagiat, relevant alors de l’indécidable, tant sur plan créatif que judiciaire. Groensteen mentionne notamment le sujet avec l’exemple de la société Moulinsart SA qui s’est manifestée contre de nombreuses parodies de Tintin, qu’elles soient légales ou non : « Si Moulinsart SA et ses dirigeants sont dans le collimateur des parodistes, c’est aussi parce que la société détentrice des droits n’a eu de cesse, précisément, de bloquer la diffusion de tous les détournements… » (p.137). Cette perspective souligne un aspect qui témoigne de l’une des principales caractéristiques de la bande dessinée, étant un médium marqué par un rapport étroit entre création et contraintes pragmatiques (éditoriales, économiques, juridiques…). Même en dehors du geste parodique, la question de la reprise d’un personnage fait souvent problème. Dans le genre superhéroïque, par exemple, des figures iconiques telles Superman ou Batman ne peuvent être réemployées en dehors de leur « maison-mère » DC Comics, obligeant les auteurs à une importante pratique de l’imitation et du pastiche pour évoquer leur présence dans d’autres récits et ayant ainsi produit une tendance métafictionnelle dans le genre.

Ces questions juridiques font également transparaître la position hiérarchique de la parodie dans l’échelle culturelle. Groensteen souligne ainsi à travers différents exemples à quel point celle-ci a pu choquer la morale dominante, au point d’être canalisée par des systèmes de censure ou d’autorégulation, comme le Comics Code Authority, établi en 1954 pour limiter de telles dérives. De fait, la bande dessinée parodique semble s’être développée en réaction à ces autorités éditoriales ou juridiques, mettant ainsi en valeur sa dimension intrinsèquement transgressive, à l’image, par exemple, du mouvement underground : « […] L’underground, avant de chercher le divertissement du public, valorisait la libre expression du dessinateur. Bousculant les tabous de la société américaine, il abordait des sujets tels que la drogue, le sexe […] la révolution politique […] » (p.113). Dès son introduction, Groensteen problématise ainsi le mariage d’un art prétendument mineur et d’un genre tout aussi peu valorisé : « S’intéresser à la parodie dans la bande dessinée, c’est donc prendre pour objet d’étude la mise en œuvre d’une pratique peu valorisée au sein d’un média dont la respectabilité est elle-même toute relative » (p.10).

Parodies : une théorie de la fiction

Parodies s’inscrit également dans un paradigme d’essais critiques sur l’hypertextualité en général, quel qu’en soit le support (cinéma, littérature…). Son sous-titre, « la bande dessinée au second degré », fait ainsi écho au célèbre ouvrage de Genette portant sur ce sujet, Palimpsestes : la littérature au second degré. Il y aurait de fait beaucoup à dire sur les rapports entre ces deux livres où sont finalement constatés de nombreux procédés similaires, l’un en littérature et l’autre en bande dessinée. Genette est de plus régulièrement cité dans l’ouvrage.

D’autres ouvertures sont également prometteuses. Par exemple, Groensteen relève à plusieurs reprises la tendance du geste parodique à produire un traitement métanarratif de la bande dessinée. A ce sujet, il cite un de ses articles dans lequel il s’attache à une étude de la réflexivité et de ses fonctionnements dans la bande dessinée[4] (« Les feintes de la réflexivité », p.184). Or, mettre en rapport parodie et métafiction est l’un des fondements de la théorie de Linda Hutcheon, pour laquelle la parodie permet d’actualiser un mode de lecture de comparaison entre hypotexte et hypertexte, permettant la valorisation d’un certain degré réflexif de la fiction : « L’auteur peut choisir de mettre en relief la « littérarité» de l’illusion provoquée par son texte en usant d’un certain type de parodie: à l’arrière-plan de son texte sera posé un autre texte en fonction duquel sera mesurée la nouvelle œuvre[5] ». Bien que Groensteen rejette l’approche de Hutcheon (notamment en ce qui concerne Watchmen), jugeant sa définition de la parodie trop généralisée et floue (p.91), certaines convergences peuvent être soulignées. Ainsi de la façon dont Hutcheon rappelle, comme Groensteen a pu le développer dans certains de ses chapitres, comment la parodie contient, dans son étymologie même, une dimension non pas satirique ou humoristique, mais subversive : « Le terme grec parodia signifie « contre-chant ». Le terme « contre » (« face ») suggère une idée de comparaison, ou mieux de contraste, ce qui est fondamental dans l’acception du terme « parodie ».[6] » Patricia Waugh consacre également un essai à ce sujet et plus généralement sur la métafiction dont la parodie représente selon elle l’une des expressions[7].

La dimension métanarrative de la parodie relève ainsi d’un phénomène plus global, d’une tendance de la fiction à s’interroger sur ses codes, que ce soit par un mode humoristique, sérieux, ou ironique. Suivant certains essayistes, Groensteen la rapproche, dans la conclusion de son ouvrage, de l’esthétique postmoderne : « [L’exercice de la parodie] est en phase avec une culture de masse diffusant et imposant des références partagées par tous, et avec la philosophie de la création qui est celle du postmodernisme, caractérisée par le métissage des formes culturelles, l’intertextualité généralisée et le recyclage » (p.232). La pratique de plus en plus constante d’une écriture intertextuelle, ainsi démontrée, a pour conséquence une évolution dans notre façon de lire, par la revendication d’un passé de la fiction qui ne peut être occulté : « Entre remake, citation, adaptation, pastiche, clin d’œil et hommage, l’intertextualité sous toutes ses formes est désormais une composante de toute nouvelle production, qui ne peut plus prétendre à l’innocence des commencements » (p.171). Or, encore une fois, de tels arguments peuvent évoquer des essais sur la littérature, et notamment, dans ce cas, un extrait d’Apostille d’Umberto Eco au sujet de la non-innocence postmoderne : « La réponse post-moderne au moderne consiste à reconnaître que le passé, étant donné qu’il ne peut être détruit parce que sa destruction conduit au silence, doit être revisité : avec ironie, de façon non innocente. [8]»

Ainsi l’un des fondements de l’ouvrage, en dehors de traiter la bande dessinée de manière originale et de revenir par ce biais sur son histoire esthétique et culturelle, réside dans son appartenance à un corpus touchant non plus seulement le neuvième art, mais bien la fiction dans sa globalité, et plus particulièrement dans l’une de ses spécificités, la réécriture, la représentation au carré. Parodies a donc le double avantage d’être très abordable et très documenté, et également, par son inscription dans ce domaine critique, d’ouvrir sur des perspectives très intéressantes, à travers des comparaisons potentielles de théories sur différents supports (littérature, cinéma, bande dessinée…) qui relèvent de ce sujet commun.

Référence:

Thierry Groensteen, Parodies. La bande dessinée au second degré, Skira Flammarion, 2010, 236 p.

ISBN : 9782081245662


[1] Daniel Sangsue, La relation parodique, Paris, José Corti, p.11

[2] Ibid, p.14

[3] Catégories établies par Ann Miller dans son ouvrage Reading bande dessinée. Critical approaches to French-language Comic Strip, Bristol, Intellect, 2007.

[4] Bandes désignées (De la réflexivité dans les bandes dessinées) : http://www.editionsdelan2.com/groensteen/sequence1/bdesign.html

[5] « Ironie et parodie : stratégie et structure » : https://tspace.library.utoronto.ca/bitstream/1807/10265/1/TSpace0168.pdf

[6] Ibid

[7] Patricia Waugh, Metafiction. The Theory and Practice of Self-Conscious Fiction

[8] Umberto Eco, Apostille au nom de la rose, 1985, Grasset, p.77