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Étiquette : médium

(im)matérialité de la bande dessinée

Les étudiants du Master « Bande Dessinée » de l’Ecole Européenne Supérieure de l’Image d’Angoulême lancent un appel à communication pour la journée d’étude qu’ils organisent annuellement. Intitulée « (im)matérialité de la bande dessinée », celle-ci propose cette année de « réfléchir aux mutations des formes de la bande dessinée et à leur pérennité ». Elle fait ainsi écho à de nombreux travaux, disponibles aussi bien dans des revues comme Communication et langage (« Matière et supports, la bande dessinée dans tous ses états ») que prochainement dans Comicalités à travers notre thématique « Raconter à l’heure du numérique ». La date limite de réception des propositions est fixée au 20 mars prochain et nous invitons nos lecteurs à soutenir cette intéressante initiative.

(im)matérialité de la bande dessinée 
Journée d’étude,  vendredi 31 mai 2013 à la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image (Angoulême)

Afin de réfléchir aux mutations des formes de la bande dessinée et à leur pérennité, les étudiants de deuxième année du Master bande dessinée de l’Ecole Européenne Supérieure de l’Image organisent une journée d’étude sur le thème (Im)matérialité de la bande dessinée. Celle-ci se déroulera le 31 mai 2013 à la Cité, en partenariat avec l’université de Poitiers. Les professionnels et spécialistes de tous horizons – éditeurs, théoriciens, auteurs, blogueurs – sont invités à venir partager leurs positions, leur expérience et leurs savoirs pendant cette journée qui sera suivie d’une soirée festive, musicale et graphique.

À l’heure du numérique, comment la bande dessinée contemporaine se réinvente-t-elle sur le papier et dans des formats hybrides ? 

Du Turbomédia à l’impression à la demande en passant par le livre-objet, les nouvelles technologies et l’évolution des pratiques éditoriales nous imposent de repenser la matérialité de la bande dessinée. L’adaptation du blog en livre est l’exemple le plus visible de l’intrusion du numérique dans nos librairies. Dans ce cas, Internet s’impose comme un outil de prépublication. Au-delà du blog BD, le Web est aussi le lieu d’initiatives créatives et éditoriales plus spécifiques au support numérique, comme celles de Sandawe, feu Manolosanctis ou GrandPapier.
Les supports numériques amènent également une mutation des langages. Ils permettent des interactions avec d’autres médiums comme le cinéma, l’animation ou le jeu vidéo et jouent avec les frontières de la bande dessinée.
En parallèle, l’univers de l’édition papier semble interroger lui aussi sa forme matérielle, en se dirigeant vers des objets travaillés aux multiples formats, des ouvrages micro-édités aux livres-objets en passant par les recherches de l’Oubapo.
D’un côté, ces productions valorisent la matérialité à travers des publications parfois coûteuses et peu diffusées, tandis que de l’autre Internet permet une diffusion maximale, souvent gratuite et internationale des contenus. Quelles nouvelles pratiques éditoriales naissent de ces diverses expériences ?

Toutes les propositions de communication (200 mots environ) sont à faire parvenir à Lise Lamarche avant le 20 mars 2013.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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L’artiste en revue

Plusieurs chercheurs des universités de Bruxelles et Louvain lancent un appel à communication intitulé : « L’artiste en revue ». Se proposant de permettre d’étudier les publications périodiques dans lesquelles s’illustrent « peintres, sculpteurs, musiciens, compositeurs, cinéastes, chorégraphes, danseurs », cette proposition peut néanmoins intéresser des chercheurs travaillant sur la bande dessinée. La revue a en effet toujours retenu l’attention des auteurs comme des éditeurs et peut même être vue comme pleinement structurante (pensons par exemple à Ego comme x, maison d’édition née avec et par la revue du même nom qui est d’ailleurs présentée dans le premier tome du Journal de Fabrice Néaud). Il serait donc intéressant de s’interroger sur leur importance au sein de dispositifs de publication, et pourquoi pas d’émettre une hypothèse : elle permettent l’affirmation de l’artiste de bandes dessinées. Labo (l’éphémère revue née au sein de Futuropolis), Lapin (fondée au sein de L’Association par certains des auteurs précisément publiés par Labo) ou encore Hopital brut publiée par Le Dernier Cri semblent en effet s’être définie comme les instruments d’une création se situant bien loin des standards éditoriaux, et d’autres modes de publication comme les fanzines peuvent plus largement être vus comme des espaces de libre inspiration (ainsi que le suggère directement Alex Baladi dans Encore un effort). Nous laissons à nos lecteurs le soin de creuser plus avant cette intuition avant le 1er mars prochain.

 

 

L’artiste en revues

The artist in journals

Fonctions, contributions et interactions de l’artiste en mode périodique

Functions, contributions and interactions of the artist in the modern period

Lieu

Bruxelles (Ixelles), Belgique

Cet appel à communication s’inscrit à la fois dans la continuité des travaux du groupe de contact FNRS « Écrits d’artistes » et du projet Pictoriana, ainsi que dans celle des recherches récentes qui ont mis en évidence les interactions entre presse et littérature1, mais aussi entre art et revues. À la suite de ces travaux, ce colloque interrogera les différentes modalités de collaborations d’artistes et leurs réalisations concrètes dans une publication périodique.

Sous le terme d’« artiste », on prendra en compte peintres, sculpteurs, musiciens, compositeurs, cinéastes, chorégraphes, danseurs… dont la majeure part de la production ne relève pas du champ littéraire. Ce colloque transdisciplinaire s’intéressera davantage à l’écrit et aux dispositifs qui l’encadrent dans la mesure où les contributions des artistes par l’illustration ont déjà été traitées  (Stead et Védrine, 2008). Toute analyse mettant en jeu l’illustration se devra donc d’être pensée en connexion avec son environnement textuel.

De même, si les écrits critiques d’artistes ont pu faire l’objet d’analyses monographiques, force est de constater qu’une étude systématique des différents types d’interventions d’artistes dans les périodiques fait encore défaut, notamment en ce qui concerne le rôle des artistes dans la gestion ou l’organisation d’un périodique3. Il s’agira d’interroger ces contributions dans la diversité de leurs formes et modalités, afin, notamment, de mettre au jour le rôle des revues et de la presse quotidienne dans la structuration de la vie artistique ainsi que dans les trajectoires individuelles des artistes.

Les travaux se concentreront non seulement sur les contributions écrites des artistes dans l’espace qui leur est traditionnellement imparti, comme celui de la critique d’art, mais aussi, et de façon plus innovante, dans tous les autres lieux d’action possibles (direction de revue, constitution du réseau de la rédaction, critique littéraire, publicité, tribunes politiques, enquêtes et tout type d’écriture journalistique). On envisagera en outre le périodique comme un outil de promotion, mais aussi comme un lieu d’échange et de rencontre avec le public, avec d’autres artistes, d’autres disciplines artistiques, l’actualité et surtout, avec l’écriture.

Le présent appel invite à considérer ces interventions sur la longue durée, de 1830 à nos jours, dans les publications périodiques, entendues au sens large : revues artistiques et littéraires, mais aussi journaux et revues généralistes, « petite presse » et magazines (pour la seconde partie du XXe siècle). L’aspect contemporain n’est pas à négliger, si l’on songe, par exemple, au débat médiatique suscité en 2011 par Jean Birnbaum, quand il a pris la direction du Monde des Livres, et y a accueilli les critiques littéraires du chorégraphe Jean-Claude Galotta et, en 2012, du chanteur Dominique A et des comédiens Denis Podalydes et François Morel. Une attention particulière sera portée aux différences d’enjeux entre publications périodiques selon qu’elles relèvent du pôle de production restreint (petites revues d’art ou de littérature) ou de celui de la grande production (presse). In fine, il s’agira de rendre compte de l’usage des périodiques comme d’une porte ouverte sur le monde, c’est-à-dire comme espace de confrontations et d’influences multiples, en tâchant de placer cette expérience en perspective avec l’oeuvre artistique. L’analyse d’échanges formels et thématiques entre cette dernière et le dispositif périodique en constituera un volet essentiel. Organisé à l’Université libre de Bruxelles du 28 au 30 octobre 2013, ce colloque prend donc pour hypothèse que les publications périodiques constituent le lieu d’un investissement non marginal et que leur étude enrichira la compréhension de leurs oeuvres et duchamp culturel dans sa globalité à partirde l’âge de la « civilisation du journal » (Kalifa, Régnier, Thérenty et Vaillant, 2011).

Axes privilégiés

  • Étude d’un corpus périodique 

Nous sollicitons des communications qui éclaireraient, sur la longue durée, les  collaborations méconnues d’artistes dans une publication périodique généraliste qui relève du pôle de grande diffusion (exemple de liste non exhaustive : Punch, Gil Blas, Le petit Journal, ou pour le XXe siècle : The New Yorker, L’Humanité, Vogue…). Cet aspect, particulièrement méconnu, permettra de renouveler le point de vue critique en retraçant l’évolution des interactions entre artistes et périodiques et en évaluant la place d’un périodique dans le champ artistique.

Dans le cadre d’une typologie des collaborations au support périodique, on n’oubliera pas de situer la fonction et les objectifs d’apports plus marginaux, souvent négligés, telle la confection de culs-de-lampe, de logos ou de mise en page par des plasticiens pour une revue littéraire ou pour la presse quotidienne.

  • Réseau du périodique et champ artistique 

En considérant qu’une publication périodique repose sur un réseau social constitué, on s’intéressera au degré d’intégration de l’artiste à ce réseau : l’échange entre artistes et périodiques est-il direct ? Qui peut servir d’intermédiaire (écrivain, journaliste, galeriste, etc.) ?

On évoquera les opportunités que peuvent ouvrir ces réseaux. Ceux-ci communiquent parfois entre revues littéraires (s’adressant à un public restreint) et périodiques de grande diffusion (songeons à l’exemple de Félix Vallotton qui profite de contacts établis à

La Revue blanche pour intégrer ultérieurement d’autres revues telles que Le Cri de Paris, L’Assiette au Beurre, etc.)

Les artistes peuvent également user indirectement de leur réseau de relations pour influencer un journal ou une revue (Félicien Rops, James Ensor ou Gustave Courbet dictaient à leurs amis critiques, ce qu’ils devaient écrire dans la presse à leur sujet).

On déterminera enfin le rôle éventuel que l’artiste joue dans la mise en place du réseau d’un périodique et l’influence de ce réseau sur la carrière et l’oeuvre de l’artiste. Plusieurs artistes ont dirigé des revues à des fins expérimentales pour leurs développements artistiques (Francis Picabia et 391 ; Émile Bernard et La Rénovation esthétique). On cherchera à comprendre en quoi ces collaborations contribuent à structurer le champ (incidence sur la carrière de l’artiste, instances de légitimation, position d’avant-garde, constitution de réseaux, d’écoles…)

  • Trajectoires et postures d’artistes

Les causes et conséquences d’une implication dans un périodique peuvent aussi varier en fonction du moment, dans la carrière de l’artiste, où elle se produit.

L’investissement est-il permanent ou temporaire ? en début ou en fin de carrière ? On pourra ainsi problématiser le rôle joué par la revue ou le quotidien dans la trajectoire individuelle : s’agit-ild’un rôle de catalyseur dans la stratégie et la reconnaissance éventuelle de l’artiste ? Fournit-il à l’artiste l’occasion de définir son identité artistique ?

Par ailleurs, si l’on prend l’exemple d’un peintre, le lecteur d’une revue littéraire ne coïncide pas forcément avec le spectateur d’une galerie d’art ou d’un salon.

Comment inscrire la réception et la recherche d’un nouveau public dans ces interactions entre oeuvre artistique, production écrite des artistes et collaboration au périodique ?

  • Interactions génériques et stylistiques

Sur le modèle du croisement des matrices littéraire et médiatique dans la mise en place de poétiques journalistiques au XIXe siècle, tel qu’il a été établi par Marie-Ève Thérenty (2007), on interrogera la collaboration d’un artiste à un support périodique dans le cadre d’un système croisé de médiations. Sa pratique et son oeuvre peuvent-elles être influencées par cette implication dans un périodique ? Comment la contribution à un périodique, dite « alimentaire », peut elle déterminer l’oeuvre, dite « noble » ?

Le périodique détermine-t-il une prédilection pour des supports spécifiques dans une pratique artistique ? À l’inverse, quels bénéfices un artiste peut-il retirer du lieu d’expérience que représente le périodique ? On interrogera dans cette perspective l’écrit, ainsi que la relation potentielle de l’image avec celui-ci aux points de vue thématique, générique, technique et/ou stylistique.

  • Détournements artistiques 

Les artistes peuvent récupérer le support périodique dans sa matérialité ou dans ses modèles matriciels (p. ex. périodicité ou actualité) dans la pratique même de leur art. À cet égard, on se référera à l’intégration du support dans l’œuvre d’art (cf. le collagisme dans divers mouvements comme Dada, le Pop art, Fluxus, etc.) ou à la représentation même de la presse dans ses sujets de prédilection ou ses modes de consommation (représentations du lecteur de presse, parodies d’actualités, etc.) On analysera une esthétique visuelle de l’éphémère et de l’actuel, pensée en interaction avec ce lieu d’écriture qu’est le périodique.

Modalités de soumission

Les propositions de communications (d’environ 500 mots), en français ou en anglais, seront envoyées sur une page anonyme, accompagnée d’une page indépendante reprenant les coordonnées personnelles et une brève biobibliographie.

Elles devront parvenir à Clément Dessy (cdessy@ulb.ac.be) et à Clara Sadoun Édouard (clara.edouard@gmail.com)

pour le 1er mars 2013.

Une réponse sera adressée aux auteurs à la fin du mois de mars.

Une publication d’une sélection des travaux issus de cette journée est prévue sous la forme d’un dossier thématique de revue.

Comité organisateur

  • Laurence Brogniez (Université libre de Bruxelles)
  • Clément Dessy (FNRS – Université libre de Bruxelles)
  • Valérie Dufour (FNRS – Université libre de Bruxelles)
  • Véronique Jago-Antoine (Facultés universitaires Saint-Louis – Archives et musée de la littérature,Bruxelles)
  • Clara Sadoun-Édouard (Université libre de Bruxelles)
  • Alexander Streitberger (Université catholique de Louvain)

Comité scientifique

  • Paul Aron (FNRS – Université libre de Bruxelles)
  • Nathalie Aubert (Brookes University)
  • Marie-Hélène Benoît-Otis (Université de Montréal)
  • Laurence Brogniez (Université libre de Bruxelles)
  • Yves Chevrefils Desbiolles (IMEC, Caen)
  • Clément Dessy (FNRS – Université libre de Bruxelles)
  • Michel Duchesneau (Université de Montréal)
  • Valérie Dufour (FNRS – Université libre de Bruxelles)
  • Pascal Durand (Université de Liège)
  • Marianne Jakobi (Université Blaise Pascal, Clermont-Ferrand)
  • Philippe Kaenel (Université de Lausanne)
  • Véronique Jago-Antoine (Facultés Universitaires Saint-Louis – Archives et musée de la littérature, Bruxelles)
  • Denis Laoureux (Université libre de Bruxelles)
  • Françoise Levaillant (CNRS – Centre André Chastel)
  • Françoise Lucbert (Université Laval, Québec)
  • Clara Sadoun-Édouard (Université libre de Bruxelles)
  • Alexander Streitberger (Université catholique de Louvain)
  • Marie-Eve Thérenty (Université Paul Valéry, Montpellier)

Conférenciers confirmés

Michel Duchesneau (Université de Montréal) et Marie-Ève Thérenty (Université Paul Valéry, Montpellier)

Bibliographie sélective

Albert (Pierre), La presse française, Paris, éd. La Documentation française, coll. « Études de la presse française », 2008.

Aurenche (Marie-Laure), Édouard Charton et l’invention du Magasin pittoresque, Paris, Champion, 2002.

Bacot (Jean-Pierre), La Presse illustrée au XIXe siècle, une histoire oubliée, Limoges, Presses universitaires de Limoges, 2005.

Chevrefils Desbiolles (Yves), Les revues d’art à Paris : 1905-1940, préface de Françoise Levaillant, Paris, Ent’revues, 1993.

Froissart Pezone (Rossella), Chevrefils Desbiolles (Yves) (dir.), Les revues d’art: formes, stratégies et réseaux au XXe siècle, avec la collaboration de Romain Mathieu, préface de Pierre Wat, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2011.

Kaenel (Philippe) (éd.), Les périodiques illustrés, 1890-1940 : écrivains, artistes, photographes, Gollion, Infolio, 2011.

Kalifa (Dominique) et Vaillant (Alain), « Pour une histoire culturelle et littéraire de la presse », Le temps des médias, n°2, printemps 2004, p. 197-214.

Kalifa (Dominique), Régnier (Philippe), Thérenty (Marie-Ève), Vaillant (Alain) (dir.), La Civilisation du journal. Histoire culturelle et littéraire de la presse française au XIXe siècle, Paris, Nouveau Monde Éditions, coll. « Opus Magnum », 2011.

Levaillant (Françoise) (dir.), Les écrits d’artistes depuis 1940, actes du colloque international, Paris et Caen, 6-9 mars 2002, Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, IMEC, 2004.

Lucbert (Françoise), Entre le voir et le dire : la critique d’art des écrivains dans la presse symboliste en France de 1882 à 1906, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2005.

Pluet-Despatin (Jacqueline), Leymarie (Michel), Mollier (Jean-Yves) (dir.), La Belle Époque des revues : 1880-1914, Paris, IMEC, 2002.

Stead (Evanghélia), Védrine (Hélène) (dir.), L’Europe des revues (1880-1920) : estampes, photographies, illustrations, Paris, Presses de l’Université Paris-Sorbonne, 2008.

Thérenty (Marie-Ève), La littérature au quotidien. Poétiques journalistiques au XIXe siècle, Paris, Seuil, coll. « Poétique », 2007.

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Au sens figuré : esthésie et bande dessinée

Le Colloque de Recherche en Arts Séquentiels (CRAS : reconnaissons à nos amis canadiens une bonne dose d’humour) tiendra sa première édition le 30 mai prochain dans le cadre du Festival de la bande dessinée de Montréal. Le thème retenu par le comité d’organisation est on ne peut plus intriguant : « les rapports qu’entretient la bande dessinée avec la vue, l’ouïe, le toucher, l’odorat et le goût ». Loin des actuelles réflexions sur le livre numérique ou en devenir, cette proposition entend donc interroger les propositions sensorielles et le traitement des différents sens que sont à même de proposer des bandes dessinées : quelle place font-elles à l’ouïe (celle d’onomatopées comme suggéré ci-dessous) ou encore à l’odorat (peut-il exister des « bandes dessinées olfactives » comme également dit si dessous) ? Nous laissons à nos lecteurs le soin de formuler leurs diverses inspirations avant le 11 février prochain.

 

 

Au sens figuré : esthésie et bande dessinée

Date limite : 11 février 2013

Le 30 mai 2013 sera présentée, dans le cadre de la deuxième édition du Festival de la bande dessinée de Montréal, la première édition du CRAS, ou Colloque sur la recherche en arts séquentiels. Intitulé Au sens figuré : esthésie et bande dessinée, ce colloque portera sur les rapports qu’entretient la bande dessinée avec la vue, l’ouïe, le toucher, l’odorat et le goût. Dans leurs communications, les chercheurs, créateurs et autres passionnés de bande dessinée auxquels s’adresse cet appel à communication s’intéresseront à un ou plusieurs de ces sens dans des corpus pouvant aller d’une case seule aux oeuvres complètes d’un bédéiste, aux oeuvres de plusieurs bédéistes, voire à ces oeuvres et à celles, par exemple, de musiciens, de cinéastes ou d’écrivains. Les participants qui souhaiteraient s’intéresser à un corpus essentiellement québécois sont encouragés à le faire. Voici, pour chacun des cinq sens, quelques pistes de réflexion :

La vue

Certains exercices formels suggèrent de nouveaux points de vue sur la bande dessinée, par exemple, l’éclatement des cases et de l’unité stylistique dans Asterios Polyp de David Mazzuchelli, ou la multiplication des cases et des trajets de lecture dans Jimmy Corrigan, the Smartest Kid on Earth de Chris Ware. Dans TNT en Amérique, Jochen Gerner recouvre partiellement les planches de Tintin en Amérique de Hergé et de manière à ne laisser voir que leur violence. On pourrait ainsi poser la question de l’aveuglement dans la bande dessinée, celle du hors champ, des marges, etc.

L’ouïe

On pourrait s’intéresser aux onomatopées et aux autres représentations graphiques du son; étudier, notamment, par quels moyens la bande dessinée dite « muette » donne pourtant quelque chose à entendre elle aussi. De quelle manière le son participe-t-il à l’ambiance d’une bande dessinée? On pourrait aussi se pencher sur la manière dont la musique en bande dessinée est thématisée (Air Guitar, Le Quellec et Romain Ronzeau), théorisée (Le quart de millimètre, Zviane), voire indiquée explicitement comme trame sonore de la narration (Fugue, Pascal Blanchet).

Le toucher

L’expérience n’est pas la même, selon qu’on lit une bande dessinée papier ou un web comic, un strip dans un journal ou une planche dans un livre luxueux. Devoir ou non tourner les pages y est-il pour quelque chose? Qu’en est-il du poids d’un album? Dans un tout autre ordre d’idées, on pourrait étudier l’érotisme dans les pratiques de George Pichard, Bruce Morgan ou Guido Crépax : un bédéphile un peu coquin pourrait même s’intéresser à la masturbation et à la manière dont elle rythme la lecture. On pourrait également se pencher sur la thématisation de la violence physique, ou sur le dégoût et la répulsion qu’expriment, par exemple, les personnages dans Black Hole de Charles Burns.

L’odorat

À quel escient les odeurs sont-elles convoquées dans la bande dessinée? Permettent-elles d’installer une atmosphère? Quelle est leur fonction narrative? Pour répondre à ces questions, on pourrait étudier le rôle de l’odorat dans les récits de voyage (Chronique de Jérusalem, Guy Delisle), ou dans des bandes dessinées qui ont abondamment fait usage des odeurs, au point d’être qualifiées d’« olfactives » (Charlie Schlingo).

Le goût

Il y aurait lieu de s’interroger sur la prolifération de livres de recettes en bande dessinée, qui mettent en scène, tantôt des personnages originaux, tantôt Garfield ou les superhéros de Marvel. Comment expliquer l’hybridation du neuvième art avec une littérature le plus souvent considérée comme « pratique »? On pourrait également s’intéresser aux rencontres que permet la nourriture dans certains récits « gourmands », comme En cuisine avec Alain Passar de Christophe Blain ou Les années douces de Jiro Taniguchi.

***

Pour participer, vous devez envoyer vos propositions de communications d’ici au 11 février 2013 à l’adresse suivante : colloqueras@gmail.com.

En trois cents mots environ, vous présenterez brièvement l’objet de votre communication et les hypothèses que vous souhaitez vérifier. Vous devez également soumettre un titre provisoire et une courte présentation biobibliographique.

Chaque participant disposera de vingt minutes pour présenter sa communication et de dix minutes pour répondre à des questions. Les contributions pourront être présentées en français, ou en anglais.

Votre proposition sera soumise anonymement à un comité de sélection, qui l’évaluera en fonction des critères suivants : le respect de la thématique du colloque, le respect des modalités de soumission et la qualité de votre proposition relativement à la qualité des autres propositions reçues. Nous vous transmettrons la décision du comité dans les plus brefs délais.

Le colloque aura lieu à Montréal; le lieu exact reste à déterminer.

Avec votre collaboration, les actes du colloque seront ultérieurement publiés sur le site web du CRAS.

Pour obtenir d’autres informations, veuillez nous contacter au colloqueras@gmail.com ou consulter le site du CRAS au colloqueras.wordpress.com.

Responsable : Marilyn Lauzon

Url de référence :
http://colloqueras.wordpress.com/

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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La traduction comme frontière

L’Association Francophone pour le Savoir (ACFAS) lance un appel à communication intitulé : « La traduction comme frontière ». Se tenant à l’université de Laval (Canalda) les 9 et 10 mai prochain, et organisé par Chantal Gagnon de l’université de Montréal, cet événement entend interroger « l’expérience de la frontière inhérente à l’acte de traduction, que ce soit dans sa dimension linguistique, intellectuelle, matérielle ou culturelle ». Il ne s’agit donc pas tant de penser la place de la traduction dans nos différents systèmes éditoriaux, que de tenter de cerner des « stratégies », des « droits de passage », des « agents » qui décident de la « traversée des idées, des connaissances et des valeurs ». Prenant acte d’une certaine complexité de l’acte de traduire, force est de constater que semblable proposition est séduisante et qu’elle pourrait trouver un écho dans le cas de la bande dessinée : le rôle pionnier de certaines traductions (pensons à Gen d’Hiroshima pour le manga), et l’influence de certains traducteurs (pensons à Jean-Patrick Manchete et son Watchmen) pourraient ainsi être évoqué. De même, pourrait être convoqué la spécificité d’une littérature graphique (jusqu’où s’étend l’acte de traduction : jusqu’à la recomposition d’un lettrage propre à l’auteur comme le suggère Laurent Gerbier dans un article publié par Comicalités ? ). Le thème est en tout cas on ne peut plus riche et nous invitons nos lecteurs à s’en emparer avant le 5 février prochain.

 

 

La traduction comme frontière

Date limite : 5 février 2013

81e Congrès de l’ACFAS (Université Laval, 9-10 mai 2013)


Responsables : Alvaro Echeverri (Université de Montréal), Chantal Gagnon (Université de Montréal) et Marie-Alice Belle (Université de Montréal)

Portées par l’étymologie traditionnelle, les métaphores usuelles de la traduction la donnent à lire en termes de passage, de transfert, de transport par-delà les frontières. La pratique du traduire ouvre ainsi une zone d’échanges, où les traducteurs agissent comme passeurs d’idées, d’informations et de valeurs, comme négociants du capital intellectuel et culturel mondial, ou encore comme agents interlinguistiques et interculturels.

Il s’agit ici d’interroger l’expérience de la frontière inhérente à l’acte de traduction, que ce soit dans sa dimension linguistique, intellectuelle, matérielle ou culturelle. En effet, si le schème du transfert a l’avantage de mettre en valeur les apports des traducteurs à la vie intellectuelle et au rayonnement de sociétés données —Louis Kelly notait ainsi que la civilisation occidentale doit tout ce qu’elle est à la traduction—, la linéarité implicite au paradigme s’accorde mal avec la complexité des transactions langagières, mais aussi idéologiques, économiques et politiques qui marquent la pratique du traduire.

Il est par exemple des frontières qui résistent au passage : quelles stratégies le traducteur pourra-t-il déployer pour les franchir ? Devra-t-il à son tour donner à lire cette résistance dans le texte traduit ? Qui dit frontière dit aussi droit de passage, et il y a lieu de s’interroger sur les facteurs de sélection des œuvres et documents qui font l’objet d’une traduction, ainsi que des stratégies de traduction favorisées. Quels agents institutionnels, culturels ou sociaux décident-ils ainsi de la traversée des idées, des connaissances et des valeurs au-delà des frontières établies ? Quels intérêts ces décisions servent-elles ? Enfin, l’un des principaux apports des approches « culturelles » de la traduction au cours des dernières décennies a été de formuler la problématique de la traduction en termes pluriels, en remettant en cause la distinction binaire entre source et cible, et partant, la notion même de transfert.  Dans quelle mesure peut-on alors penser la traduction comme une région frontalière, c’est-à-dire un espace de mixité et de métissage, autant qu’un lieu de pouvoir et, potentiellement, de conflit ?

Afin de créer un espace permanent pour la traductologie au sein de l’ACFAS, nous vous invitons pour la deuxième année consécutive à nous réunir pour partager nos intérêts de recherche et pour rendre la traductologie encore plus visible aux yeux de la communauté scientifique francophone. Le colloque de cette année invite à la réflexion sur les aspects théoriques et pratiques de la traduction comme expérience de la frontière, que cette dernière soit physique, théorique ou métaphorique. Les contributions pourront porter, entre autres, sur les thèmes suivants :

La traduction et les frontières linguistiques et culturelles

  • bilinguisme et multilinguisme
  • interférences linguistiques
  • traduction et variétés linguistiques
  • métissage linguistique et culturel
  • le propre et l’étranger (langue, culture, religion)
  • la traduction et les genres d’écriture (littéraire, scientifique, etc.)
  • la traduction et les médias
  • traduction, adaptation, transposition

La traduction et les frontières politiques et sociales

  • traduction et identité nationale
  • flux migratoires et influences étrangères
  • postcolonialisme et traduction
  • enjeux politiques et diplomatiques de la traduction
  • traducteurs et interprètes dans les zones de conflit
  • traduction et activisme politique et social
  • traduction et censure
  • traduction et politiques linguistiques
  • la traduction et le genre

La traduction et les frontières temporelles

  • histoire de la traduction
  • périodisation et chronologie
  • perspectives transhistoriques
  • traduction, retraduction, adaptation
  • traduction des « classiques »

L’étude des traductions – frontières disciplinaires

  • Frontières et limites de la réflexion traductologique
  • Cartographies (« maps ») de la traductologie
  • Traductologie et interdisciplinarité

Merci de faire parvenir votre proposition de communication (150 mots) à Chantal Gagnon (chantal.gagnon.4@umontreal.ca) avant le 5 février 2013.

Responsable : Chantal Gagnon

Url de référence :
http://www.acfas.ca/evenements/congres/programme_preliminaire/81/300/338/C

 

Adresse : Département de linguistique et de traduction,Université de MontréalC.P. 6128, succursale Centre-ville,Montréal (QC) H3C 3J7

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Les espaces du livre : supports et acteurs de la création texte/image (XXe-XXIe siècle)

Isabelle Chol (Université de Pau) et Jean Khalfa (Trinity College, Cambridge) lancent un appel à communication intitulé : « Les espaces du livre : supports et acteurs de la création texte/image (XXe-XXIe siècle)”. Entendant interroger « le livre comme espace de création où dialoguent texte et image », cette proposition ne fait bizarrement aucune place à la bande dessinée : la chose est d’autant plus étrange que les axes de recherche proposés gagneraient certainement à convoquer le neuvième art. Le champ scientifique que souhaitent apparemment explorer ces deux chercheurs semble en effet balisé par la notion d’acteurs et il est aussi bien question de diffusion et de réception des œuvres, y compris auprès des lecteurs, que de leur mode de création. Il y a donc fort à gagner qu’une réflexion sur les « réseaux de la bande dessinée » (tant commerciaux que médiatiques) rentrerait dans ce cadre et nous laissons à nos lecteurs le soin d’en juger avant le 31 janvier prochain.

 

 

Les espaces du livre : supports et acteurs de la création texte/image (XXe-XXIe siècles)

Colloque.  

Trinity College, Cambridge, 6 et 7 septembre 2013

 

Le colloque interrogera le livre comme espace de création où dialoguent texte et image (livres illustrés, livres d’artistes, artists’ books), du point de vue du support (sa ou ses matières, son format, son pliage, etc.) et des différents producteurs (écrivains, artistes, mais aussi typographes, imprimeurs, graphistes,  éditeurs, galeristes, libraires etc.) qui jouent un rôle essentiel dans l’élaboration et la diffusion du livre.

Les principales questions seront :

— Dans quelle mesure les caractéristiques matérielles du support choisi déterminent-elles  l’innovation littéraire et artistique ?

— Comment les différents acteurs intervenant dans la conception, la composition, la publication et la diffusion du livre participent-ils au processus de création, y compris dans les contextes du numérique, de l’installation et de la performance ?

— Y-a-t-il des lieux privilégiés pour la diffusion et la réception de ces oeuvres ? Le livre de création est-il un objet consultable dans la réserve des livres rares, ou une oeuvre que l’on expose (musées, galeries) ou que l’on active ?

— En quoi les transformations contemporaines de l’objet et du processus modifient-elles son impact social et politique ?

— Le livre virtuel abolit-il la distinction traditionnelle dans un contexte de reproduction industrielle du livre de création et du livre de masse ?

—  Le développement des créations collectives ou même impersonnelles s’accompagne-t-il d’une autre conception du créateur ou de l’auteur ?

Le colloque sera accompagné d’une exposition autour de l’éditeur, libraire, galeriste d’avant-garde Jean Petithory dans la Wren Library de Trinity College, Cambridge.

Les langues du colloque sont l’anglais et le français.

Merci d’envoyer vos propositions de communication (500 mots maximum) avant le 31 janvier 2013 à espacesdulivre@trin.cam.ac.uk

Organisateurs : Isabelle Chol (Université de Pau) et Jean Khalfa (Trinity College, Cambridge), dans le cadre du programme ANR-LEC http://lec.hypotheses.org/presentation

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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The Graphic novel

Le réseau de recherche Inter-disciplinary.net lance un appel à communication intitulé : « The graphic novel ». On ne peut plus large, celui-ci entend laisser une place à toutes les possibles approches de la bande dessinée, comme le montre l’ensemble des thèmes présentés ci-dessous, des études portant sur son histoire, sur son langage ou sur son système éditorial sont en effet les bienvenues et ce à propos d’œuvres aussi bien issues d’Europe que d’Amérique ou d’Asie. On pourra s’étonner de cette extrême ouverture, mais il convient de rappeler que ce projet est porté non par une université mais par une fondation ayant vocation à rapprocher des chercheurs issus de contrées et d’horizons différents du 23 au 25 septembre prochain au Mansfield College d’Oxford.

The Graphic novel

23-25 september 2013

Mansfield College, Oxford (UK)

“Behind this mask there is more than just flesh. Beneath this mask there is an idea… and ideas are bulletproof.”
(Alan Moore, V for Vendetta)

This inter- and multi-disciplinary conference aims to examine, explore and critically engage with issues in and around the production, creation and reading of all forms of comics and graphic novels. Taken as a form of pictographic narrative it has been with us since the first cave paintings and even in the 21st century remains a hugely popular, vibrant and culturally relevant means of communication whether expressed as sequential art, graphic literature, bandes dessinees, tebeos, fumetti, manga, manhwa, komiks, strips, historietas, quadrinhos, beeldverhalen, or just plain old comics (as noted by Paul Gravett).

Whilst the form itself became established in the 19th Century it is perhaps not until the 20th century that comic book heroes like Superman (who has been around since 1938) became, not just beloved characters, but national icons. With the globalisation of publishing brands such as Marvel and DC  it is no accident that there has been an increase in graphic novel adaptations and their associated merchandising. Movies such as  X-men, Iron man, Watchmen and the recent Thor have grossed millions of dollars across the world and many television series have been continued off-screen in the graphic form, Buffy, Firefly and Farscape to name a few.

Of course America and Europe is not the only base of this art form and the Far East and Japan have their own traditions as well as a huge influence on graphic representations across the globe. In particular Japanese manga has influenced comics in Taiwan, South Korea, Hong Kong, China, France and the United States, and have created an amazing array of reflexive appropriations and re-appropriations, in not just in comics but in anime as well.

Of equal importance in this growth and relevance of the graphic novel are the smaller and independent publishers that have produced influential works such as Maus by Art Spiegleman, Persepolis by Marjane Satrapi, Palestine by Joe Sacco,  Epileptic by David B and even Jimmy Corrigan by Chris Ware  that explore, often on a personal level, contemporary concerns such as gender, diaspora, post-colonialism, sexuality, globalisation and approaches to health, terror and identity. Further to this the techniques and styles of the graphic novel have taken further form online creating entirely web-comics and hypertexts, as in John Cei Douglas’ Lost and Found and Shelley Jackson’s Patchwork Girl, as well as forming part of larger trans-media narratives and submersive worlds, as in the True Blood franchise that invites fans to enter and participate in constructing a narrative in many varied formats and locations.

This projects invites papers that consider the place of the comic or graphic novel in both history and location and the ways that it appropriates and is appropriated by other media in the enactment of individual, social and cultural identity.

Papers, reports, work-in-progress, workshops and pre-formed panels are invited on issues related to (but not limited to) the following themes:

Just what makes a Graphic Novel so Graphic and so Novel?:
– Sources, early representations and historical contexts of the form.
– Landmarks in development, format and narratology.
– Cartoons, comics, graphic novels and artists books.
– Words, images, texture and colour and what makes a GN
– Format, layout, speech bubbles and “where the *@#% do we go from here?”

The Inner and Outer Worlds of the Graphic Novel:
– Outer and Inner spaces; Thoughts, cities, and galaxies and other representations of graphic place and space.
– Differing temporalities, Chronotopes and “time flies”: Intertextuality, editing and the nature of Graphic and/or Deleuzian time.
– Graphic Superstars and Words versus Pictures: Alan Moore v Dave Gibbons (Watchmen) Neil Gaiman v Jack Kirby (Sandman).
– Performance and performativity of, in and around graphic representations.
– Transcriptions and translations: literature into pictures, films into novels and high/low graphic arts.

Identity, Meanings and Otherness:
– GN as autobiography, witnessing, diary and narrative
– Representations of disability, illness, coping and normality
– Cultural appropriations, east to west and globalisation
– National identity, cultural icons and stereo-typical villains
– Immigration, postcolonial and stories of exile
– Representing gender, sexualities and non-normative identities.
– Politics, prejudices and polemics: banned, censored and comix that are “just plain wrong”
– Other cultures, other voices, other words

To Infinity and Beyond: The Graphic Novel in the 21st Century:
– Fanzines and Slash-mags: individual identity through appropriation.
– Creator and Created: Interactions and interpolations between authors and audience.
– Hypertext, Multiple formats and inter-active narratives.
– Cross media appropriation, GN into film, gaming and merchandisng and vice versa
– Graphic Myths and visions of the future: Sandman, Hellboy, Ghost in the Shell.
– Restarting the Canon: what are the implication of the restart in universes such as Marcel and DC and do they represent the opportunity to reopen ongoing conversations?

Presentations  will be accepted which deal with related areas and themes.

What to Send:

300 word abstracts should be submitted by Friday 22nd March 2013. If an abstract is accepted for the conference, a full draft paper should be submitted by Friday 21st June 2013. 300 word abstracts should be submitted to the Organising Chairs; abstracts may be in Word, WordPerfect, or RTF formats, following this order:

a) author(s), b) affiliation, c) email address, d) title of abstract, e) body of abstract, f) up to 10 keywords
E-mails should be entitled: GN2 Abstract Submission

Please use plain text (Times Roman 12) and abstain from using any special formatting, characters or emphasis (such as bold, italics or underline). We acknowledge receipt and answer to all paper proposals submitted. If you do not receive a reply from us in a week you should assume we did not receive your proposal; it might be lost in cyberspace! We suggest, then, to look for an alternative electronic route or resend.

Organising Chairs

Nadine Farghaly: ten.xmg@ylahgraF.enidaN
Rob Fisher: ten.yranilpicsid-retni@2ng

The conference is part of the Education Hub series of research projects, which in turn belong to the At the Interface programmes of Inter-Disciplinary.Net. It aims to bring together people from different areas and interests to share ideas and explore discussions which are innovative and challenging. All papers accepted for and presented at this conference are eligible for publication in an ISBN eBook. Selected papers may be invited to go forward for development into a themed ISBN hard copy volume or volumes.

Please note: Inter-Disciplinary.Net is a not-for-profit network and we are not in a position to be able to assist with conference travel or subsistence.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Bande dessinée et adaptation 2. De la page à l’écran

Benoît Mitaine, David Roche et Isabelle Schmitt de l’université de Bourgogne organisent le 15 février 2013 une journée d’étude intitulée : « Bande dessinée et adaptation 2. De la page à l’écran ». Faisant suite à une première journée (« Du texte aux images »), cet événement propose aux chercheurs de questionner un « passage de l’image fixe à l’image animée » posant notamment le problème de « l’ “adaptabilité” de certaines œuvres et genres » et dans des domaines variés, aussi bien graphiquement que culturellement comme le montre le programme. Disponible grâce au lien publié ci-dessous, nous laissons nos lecteurs découvrir celui-ci et les Carnets tiennent plus largement à saluer l’effort de chercheurs qui ont construit un ambitieux projet scientifique autour de la bande dessinée et de la culture graphique.

Bande dessinée et adaptation 2. De la page à l’écran

 

Journée d’étude, 15 février 2013 (de 9h à 17h30)

MSH de l’Université de Bourgogne

2 bd Gabriel – 21000 Dijon

Résumé :

La question de l’adaptation appliquée spécifiquement à la bande dessinée n’a soulevé que de rares réflexions jusqu’à présent. Or, la bande dessinée, de par son hybridité sémiotique naturelle, se trouve à équidistance du roman et de l’écran, ce qui lui donne le double avantage de pouvoir adapter et d’être adaptée. Nous interrogerons lors de cette deuxième journée d’étude les formes de passage de l’image fixe à l’image animée, questionnerons l’ “adaptabilité” de certaines œuvres et genres, reviendrons sur quelques cas méconnus sans non plus négliger la dimension économique de cette pratique culturelle dont certains studios de cinéma américains se sont fait une spécialité.

Remarque : Cette journée d’études fait suite au premier volet (« Du texte aux images ») organisé en février 2012 sur l’adaptation en bande dessinée de textes littéraires.

Responsables : Isabelle Schmitt ; Benoît Mitaine ; David Roche (Université de Bourgogne, EA 4182)

Contacts : isabelle.schmitt@u-bourgogne.fr ; benoit.mitaine@u-bourgogne.fr ; david.roche@u-bourgogne.fr

Lien programme : http://til.u-bourgogne.fr/images/stories/labo/programme/prog.%20je-bd-15-02-2013.pdf

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Média(li)tures, média(scrip)tures

Le Centre de Recherches en Littérature Comparée (CERLICO) de l’ENS de Yaoundé lance un appel à communication intitulé : « Média(li)tures, média(scrip)tures ». Débouchant sur un ouvrage collectif, cette proposition présente une originalité : elle esquisse un cadre conceptuel, ou plutôt une approche de l’écrit, faisant une place à un fonctionnement en réseau de différents médias. Au principe de « littérarité », on propose ici de substituer celui d’ « intermédialité » : en d’autres termes, il s’agit de penser un écrit ne s’imposant plus tant par son texte que par une capacité de relation avec d’autres formes d’expression. Se pose dès lors aussi bien le problème de sa conception (déjà largement appréhendé par ailleurs) que celui de son évaluation : la meilleure œuvre n’est-elle pas celle qui s’adapte, se décline, est à même de s’inscrire dans un ensemble de produits culturels ? À l’heure où des productions relevant du champ de la bande dessinée (pensons à Uropa d’Yslaire diffusé sur l’Applestore par Casterman) empruntent cette voix, cette proposition mérite assurément d’être discutée et nous invitons les chercheurs à s’en emparer avant le 30 novembre prochain.

 

Média (li) tures / Média (scrip) tures

Le domaine des études intermédiales entretient, par nécessité, la veine des néologismes en cette matière. Ce sont la médialité, l’intermédialité, l’hypermédialité, l’hypomédialité, la médialité, l’im-médiateté…, tous attestant de dynamiques des relations entre les médias, au sens large de ce terme. Il ne nous semble pas que la notion de médialiture figure déjà dans cette liste.

Se pose donc la question de savoir si cette notion ne s’impose pas elle aussi en tant que déclinaison spécifique de cet « axe de pertinence » que constitue la théorie intermédiale. D’où la problématique suivante : qu’est-ce que le phénomène intermédial ? Á quoi peuvent correspondre ses manifestations spécifiques ? En quoi la médialiture pourrait-elle figurer de manière pertinente dans la nomenclature de ces dernières ?

On posera que la notion de médialiture s’impose en ce qu’elle est susceptible de rendre compte du phénomène  intermédial, et plus précisément interartial, dans le cadre spécifique de l’art littéraire. Pour étayer cette hypothèse générale, nous suggérons le raisonnement ci-après, dont les articulations se rapportent aux questions de la problématique ci-dessus :

L’intermédialité réfère à l’intrication des médias sur le double plan synchronique et diachronique, de sorte qu’on puisse les hiérarchiser en médias englobants et englobés, transcendants et transcendés, c’est-à-dire en  hypermédias et hypomédias, les uns relativement aux autres. Dans ces conditions, la spécificité d’un média se rapporterait à son caractère englobant, transcendant ou hypermédiatique (ou, à l’inverse, englobé, transcendé, hypomédiatique) par rapport aux autres médias, ce caractère étant donc patent, qui correspond à une mise en abyme de tous les autres médias en présence par ce média dominant, et ce suivant diverses modalités que l’on peut emprunter à l’intertextualité genettienne. Dès lors,  la médialiture correspondrait bien à une pratique littéraire englobant, transcendant ou dominant les autres pratiques artistiques en les intégrant en son sein suivant une logique de mise en abyme systématique, foisonnante et généralisée de celles-ci, comme dans une sorte de Gesamtkunstwerk wagnérienne mais polarisée par la littérature. Dès lors, on peut prendre les concepts de médialiture et de médiascripture, qui sont presque synonymes, au sens d’intermédialité dans la / en  littérature, mais surtout, de manière plus précise, au sens de littérature intermédiale, ce qui nous semble conforter leur pertinence conceptuelle. En effet, ce sur quoi ils insistent et qui sera au centre de la réflexion est qu’ils servent à caractériser une production ou une tendance littéraire (post)moderne dans laquelle le scriptural est réduit à l’essentiel, ce scriptural n’étant plus alors qu’un biais qui pourrait bien être remplacé par un autre (peinture, architecture, musique, danse, etc.) sans que le contenu de l’oeuvre en soit altéré. En d’autres termes, ces concepts insistent sur le fait, non pas de la littérarité de l’oeuvre mais sur celui de son intermédialité à laquelle est subordonnée une littérarité qui ne sert ici que de vecteur ou de plateforme interartial. Un peu comme si le principe de l’oeuvre d’art totale était repris littérairement, comme il pourrait l’être musicalement, architecturalement ou picturalement.

De telles hypothèses requièrent, comme outils d’analyse généraux, les théories intermédiale et intertextuelle, ainsi que celle de l’art total de Richard Wagner. Le premier outil servira à analyser les jeux et les enjeux épistémologiques des notions d’intermédialité et de médialiture ; le deuxième outil servira de tremplin heuristique dans la mise en évidence des possibles médiascripturaux ; et le troisième outil servira éventuellement de repère manifestaire garantissant la nécessité de la notion de médialiture. Il devait alors apparaitre que la création littéraire a évolué de plus en plus vers le médialittéraire depuis l’époque du modernisme.

Des hypothèses ci-dessus découlent aussi trois grands axes de réflexion :

  • L’histoire générale de la médialiture
  • Les possibles médiascripturaires / médialittéraires
  • Les études de cas (la médialiture dans telle ou telle oeuvre ; la poétique de la médialiture chez tel auteur ; etc.)

Comme le suggèrent les parenthèses dans l’intitulé du présent appel à contributions, les analyses peuvent s’ouvrir ou s’étendre aux autres arts en tant qu’hyperarts, autorisant alors, de ce fait, un quatrième axe de réflexion.

Les propositions d’articles sont à envoyer avant le 30 novembre 2012 à l’adresse électronique : gfranguiyoba@yahoo.fr

Après avis du comité scientifique, les auteurs des propositions retenues seront informés avant le 30 décembre 2012.

La parution de l’ouvrage est prévue pour décembre 2013.

Comité scientifique :

 Matthijs Engelberts (Université d’Amsterdam, Pays-Bas)

 François Guiyoba (ENS de Yaoundé, Cameroun)

 Eric Méchoulan (Université de Montréal, Canada)

 Salma Mobarak (Université du Caire, Egypte)

 Jürgen Erich Müller (Université de Bayreuth, Allemagne)

 Isabel Rio Novo (ISMAIA, Porto, Portugal)

 Jean Christophe Valtat (Université de Montpellier, France)

 Célia Vieira (ISMAIA, Porto, Portugal)

Responsable : Centre de Recherches en Littérature Comparée (CERLICO) de l’ENS de Yaoundé, BP 47 Yaoundé (Cameroun).

Selon l’expression de Jürgen E. Müller qui la préfère à celle de discipline pour désigner cette théorie.

Responsable : Centre de recherches en littérature comparée (CERLICO)

Adresse : BP 47 Yaoundé (Cameroun)

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Le corps et le récit

Cette fiche ouvre quelques pistes de réflexion pour une approche plasticienne ou esthéticienne de notre appel à contributions « Raconter à l’ère numérique ».

Confortablement assis dans son fauteuil, allongé sur son lit, telles sont les deux positions que l’on prête au lecteur de bande dessinée. La question du corps du lecteur est traditionnellement réduite à ce lieu commun. Si la bande dessinée est, comme le prétend McCloud, « une nature morte que l’on explore de manière vivante »1, cette vie tient toute entière dans l’orientation du regard sur les pages et le fait de tourner celles-ci. Une exploration certes vivante mais qui convoque des gestes si machinaux et si ancrés culturellement, échappant à la conscience du lecteur, qu’on ne peut parler d’un réel investissement de son corps.

A l’ère numérique, la question du corps est réactivée. Le développement des terminaux portatifs permettant la lecture de littérature et de bande dessinée numérisées ou numériques pose au moins deux questions quant au corps. La première est celle de l’environnement dans lequel le lecteur se trouve, ces terminaux ayant vocation à une lecture en tous lieux, au premier rang desquels nous pensons aux transports en commun. La seconde est celle de l’ergonomie, de la manipulation de l’outil : le design d’interaction y répond par une recherche de la simplicité, de l’évidence, bref de gestes voués, eux aussi, à devenir machinaux et naturels. L’utilisateur d’iPhone ou iPad a déjà l’habitude de faire défiler les cases en faisant glisser son doigt sur l’écran. Pourtant, l’apparente évidence de l’interactivité cache une réelle problématique de la place du corps face à ou dans l’œuvre et de la médiation du corps dans l’immersion du lecteur, laquelle immersion serait dès lors nécessairement physique.

Cette intuition, appelée à devenir une hypothèse, trouve son origine dans une expérience vécue par hasard et que nous invitons notre lecteur à reproduire. Elle consiste à réaliser une capture d’écran vidéo de sa consultation de Hobo Lobo of Hamelin, bande dessinée numérique de Stefan Živadinović2. Chaque page de celle-ci est une bande horizontale bien plus longue que la largeur de la fenêtre du navigateur. La lecture se fait donc en faisant défiler cette bande de droite à gauche en utilisant l’ascenseur horizontal. Ce mouvement dévoile une surprise : les différentes couches qui composent le dessin se déplacent à des vitesses différentes, en décalage les unes par rapport autres. Ainsi les éléments au premier plan défilent sous nos yeux plus vite que les éléments du second plan, et ainsi de suite jusqu’à l’arrière-plan, le plus lent de tous. Il s’agit là d’un effet de parallaxe simulant le mouvement relatif des objets les uns par rapport aux autres en fonction de leur éloignement lorsqu’on les regarde en se déplaçant (par exemple lors d’un trajet en train ou en voiture : les arbres au bord de la route ou de la voie ferrée semblent défiler à toute allure quand nous avons tout le temps d’observer les bovins paissant plus loin dans les champs). Bref, ce dispositif simule l’effet ressenti d’un déplacement du lecteur le long du strip et, partant, dans la cité de Hamelin. Or, le visionnage de la capture d’écran vidéo ne produit pas cet effet, ou en tout cas lui fait perdre de sa force. Certes, on voit toujours le mouvement asynchrone des différents plans, l’effet de parallaxe est toujours là, l’illusion de profondeur également, au même titre que dans un dessin animé. Seulement, si on voit le mouvement, on n’y est plus sensible : on ne perçoit plus ce décalage de vitesse qui existe entre notre geste avec la souris pour actionner l’ascenseur, synchronisé avec le premier plan, et le déplacement désynchronisé des quatre autres plans.

Cette expérience augure des pistes de travail et de réflexion assez inédites sur la place du corps du lecteur par rapport au récit, que celui-ci soit dessiné ou non. Elle nous invite en quelque sorte à nous intéresser au versant resté inexploré dans la Corr&spondance entre Jean-Christophe Menu et Christian Rosset3, consacrée exclusivement au corps de l’auteur. Au-delà d’un simple changement d’état du lecteur, de la passivité à l’activité, c’est la question de l’immersion dans le récit qui est posée. Dans le cas de la bande dessinée numérique, et dans notre exemple, elle passerait par une immersion dans l’image. Cette immersion reposerait sur la médiation du corps via le dispositif interactif. Quand bien même tout l’investissement physique consiste à déplacer la souris, c’est bien la main, le corps donc, qui ressent l’effet concocté par l’auteur. Il semble pertinent d’interroger cette « boucle de l’immersion  », qui part de l’image et de son dispositif interactif, passe par le corps et revient à l’image. Elle entraîne aussi à questionner comment l’immersion du lecteur connaît un basculement pour devenir en partie physique et, au-delà d’une immersion physique dans l’image, quels sont les effets d’une immersion physique dans un récit.

Autant de graines que nous semons dans l’esprit de nos lecteurs, autant de problématiques que nous les laissons maintenant cultiver.

1. McCloud Scott, Réinventer la bande dessinée, traduit par Jean-Paul Jennequin, Paris, Vertige graphic, 2002, p.233.
2. Živadinović Stefan, Hobo Lobo of Hamelin, http://hobolobo.net/, consulté le 19 avril 2012.
3. Rosset Christian et Menu Jean-Christophe, Corr&spondance, Paris, l’Association, 2009.

Anthony Rageul

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International French-Language Comics Conference

Un appel à communication assez ouvert, puisqu’il propose de s’intéresser aux nouvelles perspectives de la recherche concernant la bande dessinée française : dans le cadre du colloque international qui se tiendra à Miami en novembre 2012, les propositions sont attendues… Attention cependant aux confusions : il s’agit de Miami… dans l’Ohio ! A noter, les deux “keynote speakers”, Clément Baloup et Thierry Smolderen.

Plus de détails dans l’appel à communications ci-dessous :

Call for Papers
International French-Language Comics Conference
Miami University (Oxford, Ohio, U.S.A.)
2–3 November 2012

Papers
Critical and theoretical presentations in all areas of French-language comics are invited. The conference will help consolidate recent gains in English-language scholarship on French-language comics and will showcase new avenues of research. Publication of revised versions of a selection of the conference papers is planned in the peer-reviewed journal European Comic Art
(http://journals.berghahnbooks.com/eca/).

Proposals
Please send the following material in a Word document (doc or docx) to Mark McKinney (mckinnm@muohio.edu) by 25 July 2012: a 150-word abstract and a 100-word bio-bibliography. All presentations will be in English.

Keynote speakers
Clément Baloup, a cartoonist of Vietnamese and French heritage, has published several graphic narratives devoted to Vietnamese and other groups in France and elsewhere from the colonial period to the present. These include two historical fictions, both with Mathieu Jiro: Le chemin de Tuan [Tuan’s Way] (Seuil, 2005) and Le choix de Hai [Hai’s Choice] (Seuil, 2007).
He has authored two biographical works, Quitter Saigon: Mémoires de Viet Kieu [Leaving Saigon: Memories of Viet Kieu] (La Boîte à Bulles, 2006, 2010) and Little Saigon: Mémoires de Viet Kieu (La Boîte à Bulles, 2012), which respectively tell the stories of Vietnamese emigrants to France and the United States. Baloup has also published Un automne à Hànôi [An Autumn in Hanoi] (La Boîte à Bulles, 2004), about his time at the fine arts school of Hanoi. He earned degrees in art at the École Européenne Supérieure de l’Image in Angoulême, France, and at the École des Beaux-Arts de Hanoï, in Vietnam.

Thierry Smolderen is professor at the Ecole Européenne Supérieure de l’Image in Angoulême, where he has been teaching since 1994, and where he coordinates a Masters degree program in comics, together with the University of Poitiers. Among his many publications are Hergé, portrait biographique [Hergé, A Biographical Portrait] (with Pierre Sterckx; Casterman, 1988), and the recent Naissances de la bande dessinée, de William Hogarth à Winsor McCay [The Birth of Comics: From William Hogarth to Winsor McCay] (Les Impressions nouvelles, 2009), which explores the beginnings of the art form from the eighteenth through the early twentieth centuries, and is forthcoming in English translation with the University Press of Mississippi.
He was a frequent contributor to Les Cahiers de la bande dessinée and Neuvième art. Professor Smolderen has curated numerous comics exhibitions in France and Belgium. He is also an accomplished script-writer of comics.

Registration
Presenters who do not have an up-to-date subscription to European Comic Art will be asked to subscribe with Berghahn. There will also be a reasonable registration fee to pay for conference meals. Information about these fees and about lodging options will be forthcoming.

Sponsors
Sponsors at Miami University include the L.P. Irvin Fund of the Department of French and Italian, the Miami University Special Events Fund, the Humanities Center, the International Visiting Scholar Exchange Fund (from the Office of International Education), Honors and Scholars Program, the International Studies Program, the Department of GREAL, and the Center for
American and World Cultures.

Sylvain Lesage

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