La bande dessinée : un art sans mémoire ?

Un colloque intitule “La bande dessinée : un art sans mémoire ?” aura lieu les 10 et 11 juin prochains au Pôle des Métiers du livre de l’université Paris Ouest Nanterre La Défense. Les Carnets de la bande dessinée sont partenaires de cet événement puisque celui-ci est organisé par Benoît Berthou, que Sylvain Lesage y interviendra le jeudi 10 juin et Thierry Smolderen le 11 juin avec Benoît Peeters. Le programme et l’affiche sont disponibles en téléchargement ci-dessous.

“La bande dessinée : un art sans mémoire”
Colloque organisé par le LABSIC et Médiadix
Avec le soutien du Ministère de la culture et de la Maison des Sciences de l’Homme Paris Nord

Pôle des Métiers du livre de l’université Paris Ouest Nanterre La Défense
10 et 11 juin 2010
Organisation scientifique : Benoît Berthou (université Paris 13, LABSIC)
Inscription sur le site de Médiadix :
http://mediadix.u-paris10.fr/brochure/list_stages.php?st_niveau=02

Ce colloque international entend interroger la problématique inscription dans le temps d’une bande dessinée volontiers pensée comme une “anti-culture” (Adorno) et souvent perçue sous l’angle du “consommable” ou du “jetable”. Notre objectif est ainsi d’examiner les initiatives et dispositifs permettant à une industrie culturelle de se constituer en patrimoine.
Ce colloque constituera un espace de rencontres interdisciplinaire, interprofessionnel et international (quant à ses intervenants et thèmes d’intervention). Inscrit au programme d’un Centre de Formation Continue aux Carrières des Bibliothèques, il a vocation à permettre à des professionnels du livre et à des chercheurs de s’informer et de s’exprimer.

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Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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« Viñetas Serias ». Premier Congrès International de Bandes Dessinées

À l’occasion de la troisième édition du festival international de bande dessinée de Buenos Aires « Viñetas Sueltas », les chercheurs sont invités à se joindre à cet événement qui donne un nouvel élan au neuvième art en Argentine. La recherche en bande dessinée dans ce pays vit actuellement un renouveau après des décennies de crises politiques et économiques qui l’avaient abattue en plein vol. Avec le retour à une certaine stabilité, de nouvelles entreprises éditoriales ont vu le jour (Editorial Común, Domus Editora, La Productora…) auprès des plus traditionnelles (De la Flor, Sudamericana), notamment grâce aux blogs et autres sites internet. Ce phénomène témoigne de la vigueur de la bande dessinée malgré des années de néant éditorial et il semble naturel que la recherche ait suivi ce mouvement et que les sujets de mémoire et de thèse portant sur l’historieta fleurissent depuis quelque temps, notamment en Histoire, en Sociologie et en Sciences de la Communication.

Le Premier Congrès International de Bandes Dessinées « Viñetas Serias », qui se tiendra du 23 au 25 septembre 2010 à la Biblioteca Nacional de Buenos Aires, se veut un point de départ à l’institutionnalisation de la recherche sur le neuvième art en Argentine. Seront donc abordées, outre les études historiques et esthétiques sur des séries et des personnages nationaux, les problématiques propres aux difficultés des chercheurs argentins, en ce qui concerne, par exemple, le mauvais état de conservation des archives, la difficile constitution de bibliographies critiques et, en somme, le manque de moyens de la recherche dans ce domaine particulier.

L’appel à communication est lancé jusqu’au 7 juin 2010.

Pour plus d’informations, consulter le site de « Viñetas Serias » : http://www.vinetas-sueltas.com.ar/congreso/

La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone

Traiter du personnage féminin dans la bande dessinée francophone : voici la fort intéressante ambition d’un article signé Marie-Christine Lipani Vaissade, intitulé « La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone. Cartographie d’une émancipation de fraîche date » et présenté dans le numéro 12 de la revue Le Temps des médias. Consacrée à « La cause des femmes », cette publication donne le ton d’un travail entendant « repérer, à travers les caractéristiques et les traits de quelques personnages clés, comment la bande dessinée a pu (ou non) accompagner un courant d’émancipation de la femme » (p. 153).

Le personnage féminin

L’étude de Marie-Christine Lipani Vaissade entend ainsi interroger des représentations, en l’occurrence des personnages féminins, pour dégager ce que ceux-ci ont de signifiant vis-à-vis de l’un des plus grands faits de société du siècle dernier. C’est ainsi que l’auteur fait remarquer que la petite Bretonne Becassine devient au fil des événements historiques (et notamment après la première guerre mondiale) et à travers une forme de maternité (lorsqu’elle devient nourrice) « une femme lucide, attentionnée, investie d’une mission et consciente de ses responsabilités, recherchant sans cesse de meilleures méthodes d’éducation » (p. 153-154).

Celle qui était née « sans bouche », comme si sa parole n’était en rien nécessaire, semble ainsi progressivement s’affirmer, à l’instar de Lili, héroïne du journal Fillette découvrant progressivement le monde du travail et entamant même récemment une vie amoureuse. Ces références mettent effectivement clairement en évidence une forme d’émancipation : d’abord, de la tutelle familiale dans l’histoire de ces deux personnages, mais également des normes d’une publication les ayant conçues comme « gentillettes » et ne les ayant en tout cas pas destinées à relever « tous les défis de [leurs] temps » (p. 154).

Suivant, selon l’auteur, l’évolution du public des dispositifs éditoriaux assurant leur diffusion, ces personnages montrent que se fissure au cours du siècle une image de la femme que dynamitèrent carrément Barbarella (imaginée par Jean-Claude Forest), Valentina (Crépax), Adèle Blanc-Sec (Tardi) ou Laureline (Christin-Mézières) qui est ici présentée comme « belle, vive, moderne et bien plus futée que son compagnon » (p.160). À cette galerie de portraits ne manque sans doute ici que des héroïnes comme Comanche (Hermann) ou Yoko Tsuno (Roger Leloup), femmes solitaires intégrant le rang des héros célibataires (Ric Hochet, Michel Vaillant…) du journal Tintin.

Média et mysoginie

À côté de l’évocation de ces personnages, nous aurions aimé voir précisée une piste de réflexion qui  semble ici cantonnée (faute de place à ne pas en douter, car les notes de bas de page sont riches) au rang de simple intuition. Le rapport entre émancipation de la femme et média nous semble en effet poser un problème de taille. L’auteur de cet article semble clairement faire de la presse l’instrument de diffusion d’une bande dessinée « un brin mysogine » (p. 156) : l’attachement de Charles Dupuis ou de Raymond Leblanc, directeurs des hebdomadaires Spirou et Tintin, à la « tenue morale de leurs publications » (p. 157) est ainsi évoqué (et aurait pu être étayé au regard d’autres sources comme les entretiens d’auteurs réalisés par Frédéric Niffle ou Hugues Dayez). De même, l’auteur s’appuie sur les propos de Pierre Christin afin de montrer que le fait de devenir un « produit d’édition » (p. 157), et d’être diffusée sous forme d’albums, permet à la bande dessinée de changer «  de récits, de genres mais aussi de lectorats » (Idem).

Serait alors initié un mouvement d’émancipation de la bande dessinée elle-même, mouvement qui trouve, dans le cadre de cet article, un aboutissement à travers l’autobiographie et une « littérature de l’intime [abordant] les questions liées à la condition féminine » (p. 160). À en croire l’auteur, le livre serait donc un médium porteur d’une certaine vertu puisqu’il constituerait le vecteur de la remise en cause d’idées reçues et l’instrument de propagation de nouvelles représentations. Il existerait ainsi un lien direct entre dispositifs médiatiques et mouvement social d’émancipation, et il serait sans aucun doute intéressant d’examiner cette séduisante hypothèse au regard d’exemples de périodiques comme V-Magazine (dans lequel fut d’abord publié Barbarella et nombre d’héroïnes rompant avec les traditionnelles représentations de la féminité), de l’éphémère magazine Ah ! Nana (publié d’octobre 1976 à septembre 1978) ou encore de la collection « Traits féminins », créée par un Thierry Groensteen qui est ici abondamment cité.

Le rapport entre média et mysoginie nous semble d’autant plus intéressant que le rôle de la presse ne saurait être réduit aux seules productions « franco-belge ». Nous sortons ici clairement du cadre qu’entend explorer cet article (qui se limite volontairement aux productions francophones) pour évoquer le travail de Jacques Sadoul qui, puisant largement dans la production anglo-saxonne, a bien montré que les stéréotypes féminins ne sauraient en aucun cas être réduits à la figure de la « potiche » ou de la « poupée ». L’Enfer des bulles (publié chez Jean-Jacques Pauvert en 1968) met ainsi en valeur des catégories d’héroïnes qui, de « fiancées éternelles » à « aventurières », sont parfois clairement le moteur de l’action et n’hésitent pas à revendiquer une sensualité, voire une sexualité. Laureline aurait alors bien des ancêtres qui, de la princesse Narda dans le Mandrake de Lee Falk (p. 10) à Aleta épousant un Prince Vaillant qu’elle ne cessera de dominer (p. 118), entendent bien devenir l’égal de leur compagnon et ne pas s’en laisser compter par la gente masculine. Le comic-book semble alors se situer loin des sages personnages de la bande dessinée « franco-belge » et une nouvelle recherche serait bien avisée d’examiner les représentations féminines au regard des différents environnements de publication et de diffusion de la bande dessinée.

Référence :

Marie-Christine Lipani Vaissade, « La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone. Cartographie d’une émancipation de fraîche date », article publié dans Le Temps des médias, n°12, 2009/1, Nouveau Monde Édition, p. 152 à 162.

ISSN 1764-2507 / ISBN 978-2-84736-455-2

URL : https://www.cairn.info/publications-de-Lipani%20Vaissade-Marie-Christine–42687.htm

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Eisner Miller

Paru en 2005 chez Rackham, Eisner Miller est long entretien recueilli par Charles Brownstein entre les artistes Will Eisner et Frank Miller. Figures incontournables de la bande dessinée américaine, ces derniers y abordent en de courts chapitres thématiques divers aspects de leur profession, tels que leur méthode de création (« Les étapes de la créativité », « Le cinéma, le théâtre et la famille ») ou leur rapport à l’industrie du comic book ainsi que son histoire et son économie (« Ces bons vieux censeurs », « Les directeurs de collection »…). Leur fonction d’artiste y prend une place évidemment prépondérante, tant sur un plan esthétique que commercial, notamment dans certains chapitres dédiés à leurs rapports parfois conflictuels avec les éditeurs, souvent propriétaires, dans les comics de super-héros, des personnages dont ils publient les titres.

Qu’est-ce qu’un auteur de comic book ?

La question de la définition de l’« auteur » est récurrente dans la recherche portant sur le comic book. Généralement fruit d’une collaboration entre différents acteurs créatifs tels que le scénariste, le dessinateur ou encore l’encreur, une bande dessinée américaine relève d’une instance décisionnelle difficilement identifiable et souvent poreuse. À l’occasion d’un article critique au sujet de deux ouvrages théoriques parus en 2009 sur Jack Kirby et Jim Steranko[1], Jean-Paul Gabilliet revient par exemple sur le sujet[2]. Il y évoque le « cas par cas » d’une telle question à travers les exemples des scénarios très détaillés d’Alan Moore (qui décrit très précisément le contenu de chaque case) ou, à l’inverse, de la conception du travail auctorial de Stan Lee qui consiste à tracer les grands traits d’une intrigue que les dessinateurs auront charge de mettre en image et de découper sous la forme séquentielle du médium. Gabilliet conclut son article sur une réflexion ouverte : qu’est-ce qu’un « auteur de comic book » ? et dans quelle mesure cette notion, dans ce contexte de production morcelée, peut-elle recouvrir en même temps plusieurs acteurs de la création : scénariste, dessinateur, encreur, éditeur… On peut de fait trouver des éléments de réflexion sur ce sujet dans l’entretien entre Eisner et Miller. En effet, la question de la notion auctoriale dans le domaine du comic book, en tant qu’autorité garante de l’œuvre, y est permanente. La complexité du statut est alors manifeste tant il implique de nombreuses dimensions : contraintes factuelles du médium, morcellement de la création, contingences économiques… Peut-être sans réponse, cette question se décline en formes souvent diverses, parfois même contradictoires, soulignant par là différentes attitudes auctoriales, tant d’un point vue narratif et plastique que commercial et économique.

Théorie et industrie de la bande dessinée

La notion d’auteur, ainsi problématisée, est centrale, tant dans le livre que dans la recherche universitaire, car elle touche à plusieurs champs disciplinaires. L’approche esthétique est tout d’abord mise en exergue par les deux artistes, et apporte ainsi des outils d’analyse potentiellement utilisables par un chercheur. Eisner et Miller se font tour à tour lecteurs réciproques de leurs œuvres, mettant ainsi en avant des questions créatives, telles le découpage d’une scène, le format du comic book, ou bien l’importance de la couleur dans sa fonction narrative. Eisner évoque par exemple sa façon travailler page par page tandis que Miller préfère dessiner l’entièreté de sa bande dessinée et y revenir ensuite pour les étapes suivantes, le lettrage et l’encrage (pp.75-81). Deux rapports différents qui révèlent deux lectures possibles de leurs œuvres : théâtrale pour Eisner, dans sa juxtaposition de scénettes vouées à l’intime et à la participation du lecteur et cinématique pour Miller, dans la représentation au sein d’une même page de scènes simultanées et dans l’importance accordée au rythme (il donne l’exemple de la chute d’un homme dans Sin City, percuté par une voiture, qui s’étend sur quatre pages) (pp88-91). Leur témoignage leur permet alors d’aborder la genèse d’un comic book d’un point de vue plastique, dimension encore peu évoquée dans les ouvrages portant sur ce sujet.

Ces deux approches soulignent l’importance du dispositif paginal et vignettal, central dans l’analyse d’une bande dessinée. Les artistes s’accorderont ainsi sur une théorie de la « bande dessinée impressionniste » qui consiste à suggérer l’arrière-plan d’une scène en n’en représentant que quelques détails au fil des cases, laissant l’initiative au lecteur de reconstituer intellectuellement le décor : « C’est l’observateur qui apporte les éléments de lecture. […] Ils n’ont plus besoin d’un excès de décor tant que celui-ci suggère l’action. […] Une petite case qui montre la scène et le lecteur se souvient du reste. » (Eisner, pp.62-63) Cette théorie fait alors écho à celle de Morgan à propos de Jack Kirby chez qui le lieu n’est défini que par « la collaboration des vignettes qui le crée.[3] » De même, la participation active du lecteur dans sa reconstitution du sens est également abordée par Groensteen dans la mesure où « la lecture [d’une bande dessinée] décèle et décrypte [la] complémentarité et [l’]interdépendance [des vignettes].[4] »

Dans une seconde mouvance, l’approche des deux intervenants permet d’interroger la notion d’auteur au sein même de l’industrie du comic book, dans un domaine disciplinaire proche de l’histoire culturelle. En effet, les différentes définitions apportées par Eisner et Miller véhiculent des problématiques qui impliquent de revenir sur l’évolution de cette industrie. Eisner traite ainsi de la progressive valeur marchande accordée à l’artiste par l’éditeur, lui attribuant un statut de vedette et lui concédant alors plus de liberté dans sa création (p.175). A l’inverse, Frank Miller évoque son amertume à l’idée de travailler sur une œuvre dont il ne détient pas les droits et qu’il ne peut utiliser librement. Dès lors, l’éditeur apparaît de manière sous-jacente comme un acteur même du processus créatif, participant également à une définition « transversale » de la fonction auctoriale dans le domaine du comic book. Eisner posera lui-même la question à Miller au sujet des comics de super-héros : « Qui est-ce qui lance ces projets – les directeurs de collection, les éditeurs ou les artistes ? » (Eisner. p150)

Cet entretien est ainsi l’occasion de revenir sur l’histoire de cette industrie fortement marquée par la pression éditoriale, à travers un code d’autocensure ayant limité la liberté d’action des artistes. Les auteurs fournissent alors deux interprétations opposées de l’établissement de ce code, dénotant deux attitudes auctoriales opposées face à un médium et son industrie. Eisner justifie l’érection de ce code en 1954 par le souci des éditeurs d’ « éviter toute action gouvernementale supplémentaire à l’encontre de l’industrie », là où pour Miller, il s’agissait d’éradiquer EC Comics, maison d’édition à succès grâce à ses titres subversifs, et de limiter par là la créativité de l’artiste au profit de publications morales (voir le chapitre « Ces bons vieux censeurs », p113.). Ce débat permet alors d’évaluer le statut de la bande dessinée dans l’aire culturelle américaine comme un médium subversif, « hors-la-loi ». Cette dimension scandaleuse du support est mentionnée comme nécessaire par Miller, à travers l’exemple de comics contemporains, de plus en plus scénarisés par des britanniques reconnus pour leur approche plus ironique (p121).

Eisner vs. Miller ?

Ces deux interprétations opposées du code d’autocensure sont ainsi représentatives de l’antagonisme permanent entre les deux artistes. De fait, c’est cette contradiction même qui révèle toute la valeur testimoniale de cet entretien : dès la préface, signée Frank Miller, l’artiste y aborde son désaccord avec Eisner. Cet antagonisme est manifeste dans la suite de l’ouvrage et sert à nourrir une réflexion sur la question auctoriale face à une industrie marquée par le rôle démiurgique de l’éditeur. Ainsi, Miller décrit la fonction éditoriale comme facteur d’une régression du statut d’artiste : « Pourquoi avoir honte de nous-mêmes ? C’est une erreur de l’industrie, entretenue […] par les éditeurs. » (p.172)  A l’inverse, Eisner met en exergue l’importance d’un tel rôle dans l’industrie : « Que les éditeurs soient intéressés par l’art ou pas, peu importe, nous devons les respecter. Ce sont eux qui comprennent le marketing. Ils savent où trouver un public, comment le trouver et comment exploiter quelqu’un comme toi ou comme moi. » (p.173) Il ressort alors de ce débat les divergences des deux artistes qui façonnent là toute la problématique de leur nature par rapport à leur création et au sein de cette industrie.

Eisner Miller n’est pas un ouvrage théorique à proprement parler : il ne repose pas sur la progression d’un argumentaire devant mener à une conclusion. De fait, on pourra lui reprocher l’absence de hiérarchisation des informations. Cependant, il questionne sans cesse les différentes conceptions des auteurs en fonction de leurs choix esthétiques, du commerce dans lequel ils s’installent et finalement en fonction d’eux-mêmes et de leur propre appréciation, la notion d’auteur de comic book ne pouvant aboutir que grâce à une prise de conscience de celui qui en assume la fonction : ainsi de Miller qui, parlant d’Un pacte avec Dieu d’Eisner, lui confesse : « Tu nous as touchés. Nous avons commencé à nous considérer comme des romanciers. C’est comme si tu nous avais dit : « ces œuvres vont marquer l’histoire ». » (p.44) Fournissant des éléments d’analyse tant dans une perspective narratologique qu’historique ou culturelle, cet entretien a valeur documentaire de témoignage, et peut de fait être légitimement utilisé par la recherche, trouvant écho dans des théories de Gabilliet, Groensteen ou Morgan. De plus, il s’inscrit dans un domaine bibliographique de plus en plus représenté en France concernant l’étude d’un auteur de comics en particulier. On l’a vu plus haut avec Kirby et Steranko et, de même, on peut citer l’essai sur Chris Ware de Benoit Peeters et Jacques Samson, Chris Ware : la bande dessinée réinventée, paru aux impressions nouvelles en 2010.

Référence bibliographique :

Charles Brownstein, Eisner Miller, Rackham, 2007

ISBN : 2878271017


[1] Les apocalypses de Jack Kirby de Manuel Hirtz et Harry Morgan ainsi que Jim Steranko : tout n’est qu’illusion de Guillaume Laborie. Tous deux sont parus chez les moutons électriques éditeurs, dans la collection « Bibliothèque Miroir ».

[2] Jean-Paul Gabilliet , “Lire la bande dessinée : variations autour de l’homme et l’oeuvre”, Acta Fabula, Notes de lecture. URL : http://www.fabula.org/revue/document5575.php

[3] Morgan Harry et Hirtz Manuel, Les apocalypses de Jack Kirby, Lyon, les moutons électriques éditeurs, 2009, p.103

[4] Groensteen Thierry, Système de la bande dessinée, Paris, PUF, coll. « Formes poétiques », 1999, p.175

Les représentations du XVIIe siècle dans la littérature de jeunesse contemporaine : patrimoine, symbolique, imaginaire

Le Groupe Renaissance et Age Classique de l’université Lumière Lyon 2 organise les 12 et 13 mai un colloque intitulé “Les représentations du XVIIe siècle dans la littérature de jeunesse contemporaine : patrimoine, symbolique, imaginaire”. Il est à noter que les pistes de réflexion proposées sont fort diverses puisqu’elles vont des enjeux pédagogiques, aux modes de représentation en passant par les dispositifs éditoriaux abordant le XVIIe siècle. Les organisateurs jugent que la bande dessinée a toute sa place au sein de semblable questionnement et nous invitent à diffuser cet appel à communication dont l’échéance est fixée au 30 avril 2010.

Les représentations du XVIIe siècle dans la littérature de jeunesse contemporaine :
patrimoine, symbolique, imaginaire


A l’heure où le XVIIe siècle connaît une désaffection dans l’enseignement du français au collège en raison de sa complexité linguistique et culturelle, il suscite au contraire un intérêt des plus vifs dans la littérature de jeunesse. Ce paradoxe mérite réflexion en regard de la portée éducative communément attribuée à la littérature de jeunesse. Les Colombes du Roi‑Soleil (2005-08), A la poursuite d’Olympe (1995), Les Orangers de Versailles (2000), Louison et Monsieur Molière (2001), Guerre secrète à Versailles (2003), Mesdemoiselles de la vengeance (2009)… : autant de séries et de titres qui pourraient, en effet, contribuer idéalement « à l’acquisition d’une culture personnelle », permettre « d’instaurer un dialogue avec les œuvres patrimoniales » et faciliter parfois « l’accès à la lecture des œuvres classiques »[1]. Au vrai, pourquoi le XVIIe siècle jouit-il d’une telle faveur éditoriale, que sont loin de lui disputer les XVIe et XVIIIe siècles ? Est-ce un hasard si le XVIIe siècle, Versailles et Louis XIV, sans compter La Princesse de Clèves, best-seller de l’année 2009, sont autant à l’honneur dans les caricatures, les analyses politiques et les discours universitaires ?

Il y a donc tout lieu de s’interroger sur la vogue du XVIIe siècle dans la littérature de jeunesse pour savoir si elle relève d’un pur effet de mode – Versailles n’est‑il pas le décor choyé des documentaires télévisés, du cinéma et des arts du spectacle ? –, d’une vocation pédagogique – quelle meilleure propédeutique pour les collégiens français aux grands textes et auteurs classiques ? –, ou encore d’enjeux restant à définir – nostalgie, en période de crise, pour un siècle qu’emblématisent les ors et les fastes de Versailles ? glorification d’un pouvoir fort ? goût pour le commerce galant dû à la pipolisation des politiques ?… A moins qu’une génération d’auteurs nourrie à la lecture des Trois mousquetaires ne se souvienne, tout simplement, que le XVIIe siècle s’impose comme une période historique des plus fertiles en aventures romanesques…

En dégageant la spécificité des stratégies d’écriture, des enjeux esthétiques et socio‑politiques à l’œuvre dans les récits de jeunesse consacrés à cette époque, le but du colloque sera d’éclairer les représentations du XVIIe siècle que les auteurs cherchent à promouvoir auprès de leur public.

Ces questionnements engagent à l’évidence une réflexion pluridisciplinaire, à la croisée de la littérature, de l’histoire, de la didactique et du monde de l’édition. Le corpus envisagé se limitera aux récits fictionnels (romans, biographies romancées…). Les classiques abrégés pourront également faire l’objet d’une étude.

NB : on trouvera un corpus indicatif sur le site du GRAC

(http://recherche.univ-lyon2.fr/grac. Actualités > Colloques et journées d’étude).

Les communications s’inscriront au moins dans un des axes suivants :

1/ les enjeux pédagogiques, socio-politiques et historiques de la représentation du XVIIe siècle ;

2/ l’imaginaire du XVIIe siècle français et ses topoi : Molière, Louis XIV et Versailles ;

3/ le XVIIe siècle européen : ses thèmes et ses figures propres – Cromwell en Angleterre, Rembrandt aux Pays-Bas, Velázquez en Espagne, etc. – et les bouleversements historiques qui le caractérisent (la découverte du Nouveau Monde, par exemple) ;

4/ les politiques éditoriales : choix iconographiques et typographiques, appareil critique, séries, cœur de cible (sexe, âge)…


[1] Bulletin officiel spécial n°6 du 28 août 2008, Programmes du collège, Programmes de l’enseignement de français.

URL de référence ici.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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La guerre dessinée. Guerres et totalitarisme dans la bande dessinée

Ci-dessous une annonce publiée sur Calenda par Benoît Mitaine (benoit [point] mitaine (at) unicaen [point] fr)

La guerre dessinée. Guerres et totalitarismes dans la bande dessinée

Annonce

La bande dessinée, à l’instar des autres arts, s’imprègne en permanence des secousses qui bouleversent la marche du temps. En tant qu’événements majeurs de l’histoire des nations et des peuples, les guerres et les totalitarismes, deux phénomènes souvent liés par des relations de cause à effet, se trouvent naturellement présents dans l’univers bédéistique. Mais la bande dessinée ne fait pas que consigner les événements marquants telle une simple caisse d’enregistrement. Son histoire autant que son actualité toujours effervescente ne cessent de nous montrer combien ce médium est aussi souvent un art de l’engagement.

Outre la volonté de faire ressortir l’existence d’un patrimoine iconographique souvent méconnu, ce colloque international se propose de réfléchir sur toutes les formes de récits graphiques traitant de la guerre ou du totalitarisme et des conséquences qui s’ensuivent pour les sociétés. Sans jamais négliger la force graphique et esthétique de ce médium, les axes suivants seront mis à l’étude : témoignage, histoire et mémoire, idéologie et engagement, historicisation de la fiction et fictionnalisation de l’histoire, éthique et esthétique… Cette rencontre qui mêlera les imaginaires nationaux passés et présents à travers le regard croisé de plusieurs disciplines tentera de dégager les lignes de force théoriques de cette production plurielle et complexe.

Colloque International organisé par l’Equipe de Recherche sur les littératures, les Imaginaires et les Sociétés (ERLIS) de l’Université de Caen Basse-Normandie en association avec le Centre de Recherche sur les Littératures et la Sociopoétique (CELIS) de l’Université Blaise Pascal de Clermont-Ferrand.

Programme

Mardi 08 juin

Matin : La guerre et la bande dessinée : toute une h/Histoire

  • Michel Porret : « L’imaginaire totalitaire dans la bande dessinée francophone après la seconde guerre mondiale »
  • Pierre Fresnault-Deruelle : « Milton Caniff, Male Call : “Miss Lace” ou La guerre en dentelles »
  • Philippe Marion : « Le vol du corbeau de Gibrat : l’Occupation et la guerre comme incitants graphiques et narratifs »

Après-midi : Mémoires de guerre : biographies et autobiographies

  • Yan Schubert : « Inimaginable, indicible, irreprésentable ? La bande dessinée face au génocide juif »
  • Jacques Samson : Discussion avec Emmanuel Guibert autour du Photographe (1ere partie)
  • Antonio Altarriba : « La guerre de mon père »
  • Paul Gravett : « Joe Sacco en Palestine : entre autobiographie et histoire »

Soirée :

Projection d’un documentaire de 28’ sur La Guerre d’Alan. Discussion avec Emmanuel Guibert autour de La Guerre d’Alan (2ème partie)

Mercredi 09 juin

Matin : La guerre dessinée : fabrique et miroir des imaginaires nationaux

  • Vincent Marie : « La fabrique d’un imaginaire de la Grande Guerre en bande dessinée : le cas de Jacques Tardi »
  • Michael Hein : « La tradition allemande des “Kriegsbilderbögen” (1871-1945) »
  • Danielle Corrado : « Le passeur de mémoire: Carlos Giménez et la guerre civile espagnole »
  • Renée Dickason : « La Seconde Guerre Mondiale dans la bande dessinée de langue anglaise »

Après-midi : La guerre idéologique : entre patrie et parti

  • Philippe Videlier : « Zone libre : la bande dessinée à Lyon »
  • Lucia Miranda Morla : « Les romans graphiques de Miguel Rocha : Lisbonne en deuil »
  • Mariella Colin : « La guerre d’Espagne vue par la bande dessinée italienne pendant le fascisme »
  • Antonio Martín : « Les dessinateurs de Franco. Humour graphique et bande dessinée pour une après-guerre »

Soirée :

Conférence de Benoît Peeters : « Naguère Tintin »

Jeudi 10 juin

Matin : regards croisés par et dans la bande

  • Guy Abel : « Los guerrilleros, ou la guerre des irréductibles espagnols contre Napoléon l’envahisseur. Un avatar d’Astérix ? »
  • Manuel Meune : « Guerre froide et guerre des langues : Tintin au pays de la traduction »
  • Benoît Mitaine : « El Cubri s’en va en guerre. Au sujet de El que parte y reparte se queda con la mejor parte »
  • Viviane Alary : « Soy mi sueño, l’aventure d’un récit graphique sur la guerre »

Contact

  • Benoît Mitaine
    courriel : benoit [point] mitaine (at) unicaen [point] fr
  • Viviane Alary
    courriel : Viviane [point] ALARY (at) univ-bpclermont [point] fr

Imaginaire des anges et des superhéros dans la bande dessinée

Vient de paraître une livraison de la revue Robinson constituant le catalogue de l’exposition qui se tient à la Cité Internationale de La Bande Dessinée et de l’image jusqu’au 30 mai 2010 : “Anges et superhéros dans la bande dessinée”. Cette publication semble adopter un axe fort intéressant (s’inscrire dans une histoire de l’art en se plaçant sous l’égide de l’archange Saint Michel).

Quels liens entre anges et superhéros dans les mangas, les comics, la fantasy ? Figures du désir, ils fascinent par leur dualité au point que leur essor dans la bande dessinée d’auteurs en Europe, en Asie comme aux États-Unis enrichit leurs natures, fonctions et représentations.
Comment incarner l’ange ? De l’angélisme à l’ange déchu, de l’ange-robot à l’ange érotique, cet ouvrage interroge les complexités de ces personnages en analysant aussi bien le combat entre Superman, « l’ange de Métropolis », et Batman, les Anges de l’histoire ou du rêve, le superhéros français Fantax et bien d’autres dans le registre de la poésie ou de la parodie critique.
À travers une centaine de bandes dessinées étudiées, de façon pédagogique, dans ce catalogue, le lecteur prendra connaissance de l’origine des anges et des superhéros, avant d’explorer les multiples avatars, transfigurations, métamorphoses d’anges masculins ou féminins, de superhéros puissants mais aussi vulnérables et troublés.
Sous l’orbe de l’archange saint Michel, la monstruosité semble tout à fait autre, extérieure, sous la forme du dragon. Et pourtant désigné dans les codes spécifiques de la bande dessinée contemporaine, cet autre nous est-il si étranger ?

Le sommaire est disponible sur le site de l’université d’Artois.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Les magazines illustrés (XIXe-XXIe siècles) : une approche transnationale

Jean-Pierre Bacot (Université de Bourgogne, CIMEOS), Joëlle Beurier (Université Paris 13, CRESC), Karine Taveaux-Grandpierre (Université Paris 13, LabSic) et Michèle Martin (Carleton University, Ottawa) organisent les 9 et 10 décembre 2010 à l’université Paris 13 un colloque intitulé : “Les magazines illustrés (XIXe-XXIe siècles) : une approche transnationale”. Des propositions portant sur la bande dessinée (notamment dans son acception “franco-belge” et sa publication à travers des magazines comme Tintin ou Spirou) pourraient donc répondre à l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous.

 

A l’occasion du soixantième anniversaire de Paris Match, nous avons organisé en avril 2009, un colloque portant sur les magazines illustrés et les pratiques photo-journalistiques aux XIXe et XXIe siècles. Les contributions ont permis d’élargir la connaissance que l’on pouvait avoir de certains magazines illustrés ayant largement participé à la diffusion d’informations souvent liées à l’actualité. Il a été démontré également l’aspect structurant de cette presse sur les métiers contribuant à son élaboration, des graveurs sur bois aux photo-reporters. Les travaux ont déterminé les rôles de vecteurs puissants que ces magazines illustrés ont constitués dans la construction d’imaginaires collectifs. Les actes de ce colloque sont en préparation.

La recherche historique sur les magazines illustrés a beaucoup progressé ces dernières années. Mais lors de cette rencontre entre chercheurs spécialistes, il nous est apparu qu’une analyse scientifique susceptible de rendre compte de leur évolution sur deux siècles (des modèles, des contenus, des circulations de précurseurs nés au XIXe siècle et toujours puissants malgré la concurrence d’autres médias) ne pouvait faire l’économie d’une dimension internationale. Malgré quelques publications, la recherche à caractère international reste minoritaire et les études sur le photojournalisme peinent à sortir des cas d’études thématiques.

Notre groupe de travail vise à pallier cette carence en proposant un nouveau colloque regroupant des communications concernant des magazines illustrés entre le XIXe siècle et le début du XXIe siècle et portant sur au moins deux territoires géographiques distincts. Les études devront soit effectuer une analyse comparée afin de déterminer des modèles nationaux, soit utiliser une dynamique transnationale pour mettre en évidence la circulation de modèles photo-journalistiques ou de presse.

A titre indicatif, les travaux pourront porter sur des sujets aussi variés que :

  • les contenus thématiques
  • les logiques économiques
  • les relations entre producteurs, éditeurs, travailleurs
  • les aspects techniques. 

Les propositions de communication (2 000 signes, précisant les corpus, méthode et contexte) sont à adresser pour le 15 mars 2010

Par courriel :

joelle.beurier@eui.eu

karine.grandpierre@univ-paris13.fr

Par courrier : Université Paris 13, IUT de Bobigny, Département SRC, Karine Grandpierre, 1 rue de Chablis, 93017 Bobigny

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Pour une histoire culturelle de la bande dessinée

Le Centre d’Histoire Culturelle des Sociétés Contemporaines de l’université Versailles-Saint-Quentin annonce la création d’un groupe de travail souhaitant offrir un lieu de discussion et d’échange à tous les chercheurs intéressés par l’histoire culturelle de la bande dessinée. Celle-ci, comme l’ont déjà souligné Jean-Paul Gabilliet et Thierry Crépin, est encore largement à construire. Si sociologues, littéraires et sémiologues se sont appropriés le champ, les historiens sont encore relativement rares ; surtout, ils sont isolés, et cette initiative cherche donc à faire se rencontrer ces différents chercheurs, confirmés et débutants, pour que soient dégagés axes de recherches et perspectives communes.

Un premier atelier de travail sera organisé le mardi 18 mai 2010 à l’Université Versailles Saint-Quentin. L’angle choisi pour cette première rencontre sera la question des « Circulations, transferts et adaptations dans la bande dessinée ».

Dès l’“invention” de la bande dessinée par le Suisse Rodolphe Töpffer, et jusqu’à aujourd’hui, ces phénomènes de circulations et d’adaptations sont incessants et influent fortement sur la bande dessinée, de sa production à sa réception en passant par sa réalisation. Ils sont cependant encore mal connus, malgré notamment les travaux pionniers portant sur l’américanisation de la bande dessinée française. Lors de cet atelier, ces phénomènes pourront être appréhendés à différentes échelles :

  • d’un pays à l’autre,
  • d’un format à l’autre,
  • d’un média à l’autre…

Il s’agira de présenter des études portant sur des corpus clairement définis, à partir d’archives, et s’interrogeant sur les points suivants :

  • les acteurs et médiateurs au sein de ces processus de circulations et d’adaptations
  • les multiples formes de ces circulations et adaptations, selon les échelles étudiées
  • leurs évolutions dans le temps

Conformément aux orientations du Centre d’histoire culturelle des sociétés contemporaines, cet atelier est ouvert à une approche interdisciplinaire de la bande dessinée, même si l’accent sera mis sur une perspective diachronique.

Enfin, au cours de cet atelier de travail seront recensées les recherches en cours et les initiatives prioritaires à mener pour approfondir et valoriser l’histoire de la bande dessinée.

Propositions :

Les propositions de communication, d’une page environ, indiquant le titre, la problématique, le corpus et la méthodologie, sont à envoyer accompagnées d’un court CV avant le 30 janvier 2009 à l’adresse suivante : 

sylvain.lesage@gmail.com

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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