Les formes de la fiction dans la culture pour la jeunesse

La revue en ligne Strenae, consacrée à la recherche universitaire portant sur la littérature de jeunesse, lance un appel à communication intitulé : “Les formes de la fiction dans la culture pour la jeunesse”. Coordonné par Matthieu Letourneux, ce numéro entend donc interroger les porosités entre différents dispositifs médiatiques (le jeu vidéo, le jeu de rôle ou la bande dessinée qui est directement mentionnée) et nous invite à prolonger la réflexion qui fut entamée cet été par la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image à travers son université d’été (“Trans-media, cross-media, media global : de l’album singulier aux écrans multiples”, compte rendu sur ActuaBD ici). Une étude des processus d’adaptation de jeux vidéo en bande dessinée (comme dans le cas de la série des Warhammer ou des Warcraft, publiés chez Soleil) ou encore de la création d’oeuvres se développant d’emblée sur plusieurs supports (papier, console de jeu, télévision comme dans le cas de Dragon Ball ou Naruto) serait par exemple des plus intéressantes. Il s’agira dans ce cas de la proposer avant le 15 octobre prochain.

Les formes de la fiction dans la culture pour la jeunesse

Appel à contributions de la revue en ligne Strenae, pour un numéro dirigé par Matthieu Letourneux.


Les études académiques tendent, quand il s’agit d’étudier les œuvres de fiction, à privilégier les récits obéissant à des formes artistiques. Littérature, théâtre, cinéma et, par extension, bande-dessinée ou télévision sont valorisés et, en leur sein, on privilégie les récits de fiction construits, s’inscrivant dans un mode de communication distinguant clairement entre le producteur et le récepteur.

Or, la culture de jeunesse est marquée par des pratiques de fiction beaucoup plus diversifiées : activités ludiques, jeux, jouets et autres pratiques de « mimicry » mettant en branle des mécanismes de « feintise ludique » déterminent un territoire de la fiction beaucoup plus large dans lequel les productions artistiques traditionnelles ne tiennent qu’une place limitée. Loin d’être hétérogènes, ces différents espaces de la fiction communiquent en permanence, parce que les jeunes lecteurs et consommateurs tissent naturellement des liens, prolongeant dans leurs jeux les récits qu’ils ont lus, vus ou entendus, et recherchant dans leur consommation de fictions un écho de leurs jeux. Mais ces espaces de la fiction communiquent aussi parce que les créateurs et l’industrie culturelle proposent de plus en plus des objets hybrides, misant sur la plasticité des pratiques (entre fiction et jeu, entre récit structuré et activité ludique ouverte) et sur la circulation des imaginaires d’un support à l’autre, d’un code à l’autre. On voit ainsi se multiplier les univers de fiction servant d’arrière-plan à des intrigues développées à travers un grand nombre d’œuvres proposées sur des supports différents ; on peut découvrir les mêmes récits proposés à la fois, mais avec de sensibles variations, en films, romans, albums, bandes-dessinées et jeux vidéos ; se développent encore des œuvres dont l’intrigue se fragmente sur des supports différents. On rencontre également des récits déclinés en jeux et jouets ou à l’inverse des jeux et jouets servant de point de départ à des films , des jeux dont les règles reposent sur un substrat narratif complexe leur donnant un caractère hybride ; on trouve des livres qui sont destinés à être joués autant que lus et des jeux de cartes qui demandent à être lus et utilisés dans des parties qui sont aussi récits. De tels produits et activités couvrent un vaste champ, qui déclinerait une grande partie de la culture médiatique contemporaine pour la jeunesse, des Pokémon à Warhammer, du Cathy’s Book aux Barbie, du Prince of Persia à Magic, sans même évoquer les novellisations, les livres documentaires dévolus aux univers de fiction, les adaptations filmées de jeux vidéo, les pratiques de jeux de rôle et de wargame, la fanfiction et le fanart, l’usage des avatars et le cosplay. Ce sont ces nouvelles pratiques de la fiction et leurs conséquences en termes d’écriture (au sens large), mais aussi de lecture, d’appropriations et d’hybridations que nous voudrions voir abordées dans ce numéro.

Les axes privilégiés seront les suivants :

  1. Echanges entre jeux et récits de fiction. Effets d’hybridité, formes mixtes dans les productions culturelles pour la jeunesse. Jeux et jouets impliquant une dimension fictive forte, effets de narrativité qui en découlent. Mécanismes fictifs et modes de relation qu’ils supposent.

  2. Univers de fiction ouverts et déclinés dans un grand nombre d’œuvres. Leur incidence sur l’écriture et la lecture. Effets de sérialité, écriture et lecture sérielles caractéristiques des productions pour la jeunesse.

  3. Créations transmédiatiques. Les modes de communication qu’elles supposent. Déclinaisons médiatiques : novellisations, produits dérivés, livres documentaires, leurs écritures spécifiques et les relations aux fictions premières qu’ils impliquent.

  4. Modes de réception et de consommation contemporains des productions populaires pour la jeunesse. Question des usages de ces fictions de grande consommation pour la jeunesse : appropriations, recyclages, réarticulations par le consommateur de ces fiction dans ses activités ludiques, narratives ou créatives plus ou moins formalisées.

Les propositions (d’une page environ) sont à envoyer avant le 15 octobre 2010 à strenae@revues.org. Les articles définitifs devront être rendus le 15 mars 2011.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Le dessin animé ou les métamorphoses du réel

La faculté des Lettres et des Sciences humaines de l’Institut Catholique de Toulouse lance un appel à communication intitulé « Le dessin animé ou les métamorphoses du réel ». Celui-ci est l’occasion de s’interroger sur les modalités et finalités d’un processus d’adaptation en bande dessinée posant au moins deux problèmes :

–       Esthétique. Il serait intéressant d’examiner les procédés permettant de  transformer une œuvre séquentielle en flux narratif et ainsi de s’intéresser tant aux ajouts (bande-son) qu’aux modifications (supression de « l’espace inter-incoique ») que suppose semblable entreprise.

–       Economique. Il serait intéressant d’examiner l’importance qu’acquiert le dessin animé dans le cadre d’une entreprise d’édition qui a très tôt intégré le processus d’adaptation dans son modèle économique (à travers la création de studios, tels Belvision, ou le développement de produits « cross-media »).

Il est à noter que ces deux problèmes sont placés au fondement d’un excellent ouvrage de Philippe Capart et Erwin Dejasse, Morris, Franquin, Peyo et le dessin animé, qui est désormais disponible en commande auprès des auteurs (dont nous pouvons transmettre les coordonnées).

Nous reproduisons ci-dessous l’appel à communication dont la date limite est fixée au 30 octobre 2010.

Le Dessin animé ou les métamorphoses du réel

Donner vie à l’image par le mouvement appartient à l’histoire de l’humanité si l’on en juge par l’observation des traditions orientales des théâtres d’ombre. Le cinéma qui consiste à capturer le mouvement pour le restituer dans sa continuité s’applique, paradoxalement, dès les origines à projeter des images fixes, à un rythme très rapide, créant ainsi un mouvement artificiel capable de donner l’illusion de la mobilité dans l’illusion du film.

Nous voilà, plus encore que dans le film, projetés dans la fiction, dans un univers où l’imaginaire rayonne, sans avoir recours aux trucages.

Depuis l’expérience du musée Grévin où les pantomimes lumineuses d’Émile Reynaud furent projetées le 28 octobre 1892, aux premières expériences d’animation de John Stuart Blackton (Croquis au grand galop,1906), aux caricatures d’Emile Cohl (Fantasmagorie, 1908) jusqu’aux cartoons délirants, aux films des studios Disney, aux contes de Paul Grimault, de Hayao Miyazaki, jusqu’aux bandes dessinées mises à l’écran, le dessin animé constitue un genre spécifique dans le cinéma.

Trop souvent et trop vite attaché à l’enfance et à une certaine mièvrerie, le dessin animé, né de la caricature, comporte une multitude de volets dont il conviendra de décrypter les lectures. Car le Dessin animé repose sur le déguisement du réel dans sa conception la plus large : la caricature où le grotesque côtoie la satire, le merveilleux des contes revisités ou créés, la fausse innocence occultant une thèse (propagande, engagement politique) .

Le présent colloque se donne pour objet l’étude des différents courants qui parcourent le dessin animé pour en saisir l’originalité spécifique dans les diverses techniques narratives, les applications et implications socio culturelles, les évolutions techniques et la dimension poétique, comique ou, plus prosaïquement, politique ou économique. Autant de pistes de recherche à explorer autour d’une représentation artistique du réel et de l’imaginaire.

Il ne saurait être question de négliger la bande son, à la fois dans l’utilisation des bruitages, des dialogues et de l’usage de la voix humaine ainsi que de la musique redondante, décalée ou originale, qui participe à la construction du film et lui confère un caractère si particulier.

Le colloque, organisé par l’équipe de recherche ERELHA, en lien avec le parcours-mention « Production, édition, enfance et jeunesse », se tiendra les 8 & 9 avril 2011 à la Faculté des Lettres et des Sciences humaines de l’Institut catholique de Toulouse.

Les résumés des communications d’une quinzaine de lignes devront parvenir avant le 30 octobre 2010 aux organisateurs, accompagnés d’une courte biographie. Ils seront adressés par courrier électronique à :

Bernadette Mimoso-Ruiz : b.mimoso-ruiz@ict-toulouse.fr / bernadette.reymr@wanadoo.fr

Gérard Dastugue : dastugue@wanadoo.fr

Faculté des Lettres et des Sciences humaines

Institut catholique de Toulouse

31, rue de la Fonderie

BP 7012

31068 Toulouse cedex 7

Adresse : 31 rue de la Fonderie BP 7012 31068 Toulouse cedex 7
Url de référence :
http://www.ict-toulouse.fr

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Bande-dessinée, animation et spectacle vivant : “remediation”

L’université de Lyon 2 lance un appel à communication intitulé “Bande dessinée, animation et spectacle vivant : “remédiation””. Emprunté à Richard Grusin, et devant beaucoup à la pensée de Marshall McLuhan, ce terme invite à penser les relations que peuvent entretenir différents médias, problème qui sera notamment à l’honneur lors de la 4e université d’été de la bande dessinée en juillet prochain. Si cet appel à communication présente une originalité,c’est certainement parce qu’il invite à des propositions relevant du spectacle vivant. Or, les études sur les relations que celui-ci entretient avec la bande dessinée ne sont pas légions,alors que certaines oeuvres  que celles-ci peuvent prendre de multiples formes : adaptation scénique (Le femme assises de Copi, Le Démon de midi de Florence Cestac), reprise de pièces sous forme de bande dessinée (comme dans le cadre de la collection Commoedia des éditions Vent d’Ouest), performance (comme dans le cadre des concerts dessinés très en vogue, voire des pièces de théâtre illustrés “en direct” par des auteurs). Un éclairant article, publié sur le portail de la Bibliothèque Municipale de Lyon, fournit nombre de pistes au sein desquels il s’agira de trancher avant le 15 septembre 2010.

Bande-dessinée, animation et spectacle vivant : “remediation”

Propositions attendues dans les champs suivants : théâtre d’acteurs, de marionnettes, d’ombres, d’objets ; théâtres d’images ou du mouvement ; danse ; cirque ; cinéma d’animation ; arts graphiques.

Date limite d’envoi des propositions : 15 septembre 2010

Alors que les rapports entre la scène et le cinéma ont déjà donné lieu à d’importantes publications, les expériences de transposition, les phénomènes de croisements et d’interactions entre les arts scéniques et le dessin, fixe ou animé, demeurent à ce jour guère explorées. Prenant acte de cette carence, et au vu du nombre croissant de créations faisant converger ces deux champs artistiques, nous placerons au coeur de notre réflexion les influences, manifestes ou latentes, qu’ils peuvent mutuellement exercer l’un sur l’autre.
C’est en effet sous l’angle de la remediation, dynamique de pensée impulsée, il y a une dizaine d’années, par Jay David Bolter et Richard Grusin (Remediation. Understanding new media, The MIT Press, Cambridge (Massachussetts), London (England), 2000), que nous souhaitons aborder ce questionnement. Par ce concept, les auteurs invitent à réfléchir aux rapports entre les techniques et les arts sur le mode, non pas de la progression historique, mais de l’interaction et de la rétroaction. Selon eux, il n’y a pas de généalogie à sens unique, mais des phénomènes de va-et-vient médiatiques, qui font que tout nouveau médium se développe et se définit en relation avec des techniques et des formes de représentation plus anciennes, qu’il se réapproprie, qu’il réinvestit – mais autant que ces dernières s’approprient, à leur tour, les nouveaux langages et formes développés par lui.

Les propositions de communication devront s’inscrire dans l’un des trois axes suivants :

1) Adaptations
Les propositions consisteront alors en des analyses de cas : oeuvres théâtrales ou chorégraphiques tirées de bande-dessinées (par exemple : La femme assise, de Copi ; cycle BDanse de la compagnie Eco, qui collabore avec Blanquet, Loisel…), mais tout aussi bien, BD ou films d’animation réalisés à partir d’oeuvres scéniques (par exemple : Faust, de Jan Svankmajer ; Ubu, de Manuel Gomez ; 8, animation de Mathias Delfau d’après 8, de Noëlle Renaude…).
Il s’agira alors de se rendre tout particulièrement attentif aux phénomènes de porosités entre l’oeuvre originale et son adaptation, mais aussi, à la manière dont la forme née de l’adaptation remodèle ou renouvelle la lecture de l’oeuvre adaptée.

2) Collaborations / Confrontations
Ce deuxième axe portera sur l’analyse d’oeuvres dont la spécificité est de faire coexister ou se confronter deux registres de présence : le vivant et le dessiné (fixe ou animé).
Du côté du théâtre (collaboration de Piscator avec le caricaturiste George Grosz pour sa mise en scène des Aventures du brave soldat Schweyk (1928) ; dessins venant animer la scénographie des Paravents de Genet (1966) ; animations de William Kentridge collaborant avec la Handspring Puppet Company dans les années 1980 ; Comment ai-je pu tenir là-dedans ?, spectacle conçu par Jean-Lambert Wild et Stéphane Blanquet pour le festival d’Avignon 2010…), comme du côté de la danse (collaboration du chorégraphe Preljokaj et du dessinateur Enki Bilal, qui signe les costumes et les décors de Roméo et Juliette (1990) ; Is you me (2008), interprété par Benoît Lachambre et Louise Lecavalier sur fond de projection de dessins réalisés par Laurent Goldring ; illustrations graphiques réalisées en direct par Maxime Rebière dans la dernière création de Robyn Orlin, Call it… Kissed by the sun… Better still the revenge of geography, 2010…) – l’intérêt que la scène manifeste pour le dessin ne se dément pas.
Pour le théâtre, il s’agira de questionner les enjeux et les effets de ces confrontations, en les mettant notamment en regard des codes de représentation dont la scène moderne a précisément cherché à s’émanciper (tradition picturale, linéarité de l’espace-temps, vraisemblance, corps naturaliste…). Pour la danse, d’interroger les dialogues sensoriels que le dessin, ou l’acte de dessiner, peut engendrer.

3) Intermédialité
Ce troisième axe visera à repérer des formes d’influences moins immédiates ou explicites : la façon dont les codes de narration et les modèles de représentation propres aux mondes de la BD (comics, manga…) et de l’animé (cartoons, cinéma d’animation) contribuent à renouveler les écritures textuelles et scéniques.
Les propositions pourront en autres porter :
– sur les processus de création : quel rôle jouent l’esquisse, le croquis, le story-board en amont de la représentation ? en quoi ces gestes dessinés nourrissent-ils les mouvements et les images scéniques ?
– sur la plasticité des énoncés : jeux typographiques permettant aux auteurs de faire l’économie de certaines didascalies (par exemple : on écrit en majuscules, au lieu de préciser : « en criant ») ; projection de graphies en scène, à la manière des bulles ; …
– sur l’apparition de nouveaux types de personnages (par exemple : super-héros) ;
– sur l’exploration de figures scéniques qui débordent la vraisemblance réaliste : accélération des rythmes gestuels, procès de décomposition / recomposition des corps, « trucages » sonores, gags visuels (voir, par exemple, L’affaire de la rue de Lourcine, de Labiche, mis en scène par Daniel Jeanneteau et Christine Soma).

Les résumés des communications (une page environ), accompagnés d’une courte biographie, devront parvenir aux organisateurs avant le 15 septembre 2010. Ils seront adressés par courrier électronique à :
julie.sermon@univ-lyon2.fr

Comité scientifique

  • MARTIN BARNIER, Professeur en Etudes Cinématographiques (Université Lyon 2)
  • FRANCK BAUCHARD, Directeur Adjoint du Centre National des Ecritures du Spectacle. Chercheur associé au laboratoire Culture et communication de l’Université d’Avignon
  • LUC BOUCRIS, Professeur en Etudes Théâtrales (Université Grenoble 3)
  • BERNADETTE BOST, Professeure émérite en Etudes Théâtrales (Université Lyon 2)
  • MICHEL CORVIN, Professeur honoraire à l’Institut d’Etudes Théâtrales de Paris 3-Sorbonne Nouvelle.
  • MARIE-CHRISTINE LESAGE, Professeure en Etudes Théâtrales à l’UQÀM (Université du Québec à Montréal)
  • CLAUDIA PALAZZOLO, Maître de conférences en Etudes Chorégraphiques (Université Lyon 2)
  • DIDIER PLASSARD, Professeur en Etudes Théâtrales (Université Montpellier 3)
  • JULIE SERMON, Maître de conférences en Etudes Théâtrales (Université Lyon 2)

Responsable : Julie Sermon
Adresse : Université Lyon 2 – Campus Porte des Alpes Département ASIE (Arts de la Scène, de l’Image et de l’Ecran) 5, avenue Pierre Mendès France 69 500 Bron

Université de l’Institut Charles Perault – 2 : “La littérature de jeunesse à la scène et à l’écran”

L’Université d’été de l’Institut Charles Perault, dirigé par Rose-May Pham Dinh (université Paris 13) a rendu public son programme que nous présentons ici en pièce jointe. Il est à noter que cet événement semble faire pendant à la 4e université d’été de la bande dessinée dont le thème est consacré au “trans-média, cross-média, média-global”. Les deux manifestations devraient ainsi donner un intéressant panorama de ce nouveau dispositif médiatique et il est à noter qu’une intervention portera sur le personnage de Moumine le troll, crée par Tove Jansson et présenté en bandes dessinées aux éditions du Lézard Noir.

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Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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