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Mois : mai 2012

La littérature face à l’image : insertions, bricolage, répertoires

Magalie Costella-Saneba, Jeanne Chiron et Jean-Yves Samacher de l’équipe Lettres, Idées, Savoirs (LIS) de l’Université Paris Est-Créteil lancent un intéressant appel à communication intitulé : « La littérature face à l’image : insertions, bricolage, répertoires ». Actant la caducité d’une « tradition littéraire où l’image (dessin, gravure, photographie…) est conçue comme une illustration dont le sens serait tributaire du texte », cette proposition nous invite à « interroger nos structures préconçues d’approche du texte littéraire » en pensant les « relations multiples qui s’instaurent entre le fait littéraire et l’image polymorphe ». La chose ne serait que louable si les organisateurs ne proposaient pas une intrigante typologie en distinguant trois catégories de rapport à l’image : l’insertion, le bricolage, les répertoires… Cette espèce de feuille de route nous semble ouvrir des voies prometteuses et nous ne saurions que conseiller à nos lecteurs de l’explorer en s’appuyant par exemple sur la bibliographie que propose l’un des ateliers de théorie littéraire intitulé « Texte et image » du site Fabula.

 

La littérature face à l’image : insertions, bricolage, répertoires.

Journées d’étude organisées les 11 et 12 octobre 2012 par l’équipe d’accueil Lettres, Idées, Savoirs (LIS) de l’Université Paris Est – Créteil

Date limite: 11 juin

      Comment l’image influence-t-elle la compréhension du texte littéraire ? De quelle manière et dans quelle mesure la présence de l’image modifie-t-elle ou renouvelle-t-elle le sens d’une oeuvre ? Est-ce nécessairement le texte qui donne sens à l’image qui l’accompagne ?

      La conceptualisation des rapports entre ces deux pôles est fortement marquée par une tradition littéraire où l’image (dessin, gravure, photographie…) est conçue comme une illustration dont le sens serait tributaire du texte. Cette conception ancillaire de l’image se révèle insuffisante pour penser la complexité de la relation texte-image : c’est en effet souvent le texte qui « illustre », et la littérature semble de plus en plus mise à l’épreuve par sa confrontation à l’image. L’intégration de l’image dans le texte littéraire l’informe, le transforme ou l’excède : il est travaillé de l’intérieur par ces images qui ne sauraient être appréhendées simplement comme un élément hétérogène. Les travaux opérés en anthropologie, en linguistique, en philosophie, en psychanalyse, comme en sémiologie permettent d’étendre notre compréhension de ces processus, qui engagent bien plus qu’une dynamique d’intégration textuelle.

      La démultiplication des formes de l’image engendre un bouleversement de la littérature conçue comme un système de représentation dont la force intégrative n’a d’égal que la capacité à s’adapter à différents lieux d’« exposition », comme l’a montré Philippe Hamon dans Imageries : littérature et image au XIXe siècle (Paris, José Corti, 2001). Il nous semble donc intéressant de nous pencher sur cette complexité de manifestations et de détournements potentiels pour approfondir nos questionnements et dégager des critères d’analyse. L’examen des relations multiples qui s’instaurent entre le fait littéraire et l’image polymorphe nous permettra ainsi d’interroger nos structures préconçues d’approche du texte littéraire.

      C’est donc dans une perspective large et ouverte, invitant à la transdisciplinarité, que les doctorants littéraires de l’équipe Lettres, Idées, Savoirs, de l’Université Paris-Est Créteil (UPEC), proposent deux journées d’étude (les 11 et 12 octobre 2012) sur la question des places prises par l’image au sein du champ littéraire.

      L’exploration de cette problématique se fondera essentiellement sur trois grands axes :

      – celui tout d’abord de l’insertion de l’image dans le texte littéraire : comment l’image s’insère-t-elle dans l’oeuvre, et quelles fonctions lui attribuer ? Utilisée pour orienter ou dévier la compréhension, elle entre quelquefois en concurrence avec les dimensions narrative et argumentative du texte littéraire. Alors, sous quelles conditions épouse-t-elle le texte, le complexifie-t-elle, ou rompt-elle avec lui ? De plus, la place de l’image au sein du texte littéraire varie largement en fonction des rôles qu’on a pu lui attribuer à travers les siècles : une succession d’analyses ancrées dans des corpus précis pourra nous faire entrevoir l’évolution des rapports entre ces pratiques artistiques conçues comme complémentaires ou concurrentes en fonction de la « valeur » culturelle qui leur est attribuée dans une société et une époque données.

      – La réflexion exploitera aussi la notion de bricolage, empruntée aux analyses de Lévi-Strauss, utilisée ici pour mettre l’accent sur l’analyse de la situation concrète et empirique de la création. Comment se manifestent les rapports entre deux types d’énonciation, l’un discursif (narratif ou argumentatif), l’autre imagé (sensible ou métaphorique), ancrés tous deux dans différentes temporalités et utilisant différents media ? En élaborant une analyse détaillée des liens qui se créent entre ces deux pôles, on s’interrogera sur les spécificités graphiques et sémantiques des créations littéraires qui naissent d’une telle relation d’intimité. En effet, la frontière entre le textuel et le visuel est-elle aussi nette qu’elle le paraît au premier regard ? En considérant, d’une part, la mise en page, le jeu des caractères, et, d’autre part, le rôle du commentaire et de la rhétorique dans l’exploitation des différents types d’images, nous pourrons dégager une série de phénomènes intermédiaires difficiles à synthétiser en un système général de fonctionnement.

      – Se posera également la question des répertoires. Au coeur de l’interrogation sur le statut de l’image entre imagerie et imaginaire, l’idée que la littérature se constitue à partir de représentations communes, voire modélisées, nous permettra d’élaborer une réflexion sur les schémas exemplaires qui influencent tant la création que la réception. Nous nous interrogerons sur la fonction de ces images reçues (conçues comme une équivalence aux « idées reçues » répertoriées par Flaubert). Quels types d’expérience représente-t-on surtout sous des formes schématiques et facilement reconnaissables ? À quels niveaux et de quelles manières peut intervenir la subversion ou l’enrichissement de ces images-types ? On tentera de penser le partage et la déformation de ces répertoires d’images comme un enjeu important de la création littéraire. Du point de vue de la réception, on se demandera dans quelle mesure ces répertoires d’images communes s’érigent en garanties de compréhension d’une littérature où la dimension esthétique est informée par des exigences communicationnelles. La question de l’appartenance culturelle de l’auteur et du lecteur et leur capacité au déchiffrement, à l’utilisation et au dépassement des stéréotypes pourront alors constituer un aboutissement à cette ligne de réflexions.

      Les communications, qui ne devront pas excéder vingt minutes, seront regroupées en sessions thématiques nous permettant d’offrir un espace propice à la discussion. Les propositions de communications (titre, résumé de la proposition de communication d’environ 500 mots, nom, courriel et appartenance institutionnelle) sont à envoyer avant le 11 juin 2012 à l’adresse suivante : lalitteraturefacealimage@gmx.fr

Responsable : Magalie Costella-Saneba, Jeanne Chiron, Jean-Yves Samacher

Url de référence :
http://lis.u-pec.fr/lettres-idees-savoirs-lis–362195.kjsp?RH=1242051327397

Adresse : Université Paris Est-CréteilFaculté des lettres, langues et sciences humaines61, avenue du Général de Gaulle94010 Créteil

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Les nouvelles tendances de la création calligrammatique

Nicole Biagoli du Centre de Recherche Transdisciplinaire de l’université de Nice lance un appel à communication intitulé : « Les nouvelles tendances de la création calligrammatique ». Partant du principe que « le secret de la longévité et de l’adaptabilité du genre réside dans l’interrogation sans cesse renouvelée qu’il porte sur le trait », cette proposition ne peut qu’intéresser les chercheurs en bande dessinée qui serait ainsi susceptible d’investir le champ d’une pratique que l’on cantonne encore trop souvent aux travaux d’Apollinaire. Si le neuvième art n’est pas cité ici, il y a en effet fort à parier que des propositions le mettant à l’honneur pourraient être acceptées : faisant toute la place au « trait », la bande dessinée ne constitue-t-elle pas par définition une forme entendant « lutter avec l’emprise du sens textuel », pour reprendre les propos de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous. Force est de constater que, de la forme parfois étrange des « bulles » chères à la bande dessinée aux étonnantes réflexions que certains artistes peuvent parfois mener sur le lettrage de leurs planches, le neuvième art peut être considéré comme la terre d’élection d’un calligramme. Pour s’en persuader, il n’est qu’à regarder une œuvre comme celle de Ruppert et Mullot (dans laquelle le texte ne saurait prendre place que de façon fragmentée) ou de Gipi (produisant une vie mal dessinée car elle est entièrement écrite au stylo-bille avec des formes tenant tout autant de l’écriture que d’autres types de représentation). Et nous invitons donc nos lecteurs à explorer ce problème passionnant avant le 10 juin prochain.

 

Les nouvelles tendances de la création calligrammatique

Date limite : 10 juin 2012

Cadre théorique :

Depuis qu’il a été inventé par Apollinaire en 1918, le mot « calligramme », tout en permettant de mettre un nom sur l’antique pratique des « vers figurés » a ravivé les tensions internes à la création poétique, entre l’expressivité graphique et l’expressivité sonore, la mimesis et le lyrisme.

Le secret de la longévité et de l’adaptabilité du genre réside dans l’interrogation sans cesse renouvelée qu’il porte sur le trait, support commun à la peinture et à l’écriture, et sur la langue, grâce à la forme prégnante, interprétant universel seul en mesure de lutter avec l’emprise du sens textuel (Nicole Biagioli, Daniel Bilous, Lire le calligramme, Protée, vol.14, n°1-2, 1986).

Le renouveau du calligramme au début du XXe siècle a été relié à la « crise des arts plastiques et la nécessité d’un renouvellement poétique » et au souci d’intégrer dans une oeuvre d’art « la multiplicité de points de vue » (Nicole Marie Mosher, Le texte visualisé. Le calligramme de l’époque alexandrine à l’époque cubiste, New York, Peter Lang, [u. a], 1990). Mais le développement de l’art typographique n’y a pas été étranger (Anne-Marie Christin, L’Image écrite ou la déraison graphique, Paris, Flammarion, 1995).

Le XXIe siècle est l’ère du télescopage des cultures, de la littérature-monde et des technologies modernes qui minent la distinction entre texte imprimé et texte tracé. Le calligramme hérite de la « pensée de l’écran » propre à l’image et se positionne au coeur des pratiques intermédiales (Philippe Marion, synthèse du 5ème colloque du CRI, Montréal, Nouvelle sphère intermédiatique V, 2003). Alors que pour certains il sert « non pas [à] exprimer une culture, mais [à] s’en arracher » (Michel Le Bris, Jean Rouaud (dir.) Pour une littérature-monde, Gallimard, Paris, 2007), pour d’autres, il est l’embrayage par excellence de la langue et la culture.

Quatre artistes ont accepté de collaborer avec nous et de nous faire partager leur expérience :

Juri Gik : artiste russe né à Kaliningrad à 1971 qui vit à Pushkino près de Moscou depuis 1996, pratique le mail art et l’art visuel. Il associe le calligramme à son travail sur le timbre (stamp-art), la correspondance postale et  la correspondance électronique. Il a publié la première anthologie du stamp-art sur CD ROM sous le titre “Encyclopedy of Collector” (Cyrill & Methodius, 1999) ;

Yazid Kheloufi : né en 1963 à Hammam Boughrara, dans l’Ouest algérien, plasticien calligraphe qui s’inspire du grand philosophe arabo-persan du Xe siècle, Abu Hayyan al-Tawhidi. Il tend à se rapprocher de l’écriture mystique, considérant l’unité entre ce que l’on voit, ce que l’on comprend et ce que l’on “ressent”comme condition nécessaire à l’expression de la beauté.

Bruno Niver : artiste français qui vit à Moscou depuis les années 90. Il déploie les potentialités du genre vers l’intersémioticité (par le passage à la couleur, à la troisième dimension et au mouvement), l’interculturalité (français/russe), et le plurimédia (tension entre le projet poétique et ses déclinaisons plastiques et musicales).

William Wolkowski : artiste et scientifique qui vit à Paris. Il combine calligrammatisation et traduction pour redéployer le sens et la forme de textes et de citations célèbres de Poe, St François d’Assise, Ronsard, Schiller, Mickiewicz, et pour célébrer l’année mondiale de la chimie en 2011. Son oeuvre contribue à l’amorce d’un « Espace Géopoétique Européen ».

L’oeuvre de ces artistes servira de tremplin à une réflexion sur les tendances actuelles de la production calligrammatique qui s’organisera autour de trois axes :

1- L’entrée dans la modernité

En revenant sur les révolutions esthétiques qui ont marqué le XXe siècle, on retracera l’histoire moderne du genre, qui a préludé à son actuelle mondialisation :

  • Quelles grandes scansions : auteurs-phares, écoles et mouvements esthétiques, extension à la sphère publicitaire et politique rythment l’évolution du genre ?
  • Avec quels autres genres s’est-il mêlé, affronté ? Pour quels métissages, quelles expérimentations ?
  • Quelles conséquences les controverses idéologiques, les bouleversements formels l’expansion et la démocratisation du genre ont-ils eu eux sur sa réception ?

2- Calligramme et interculturalité interlinguistique

En considérant les productions les plus récentes des artistes multilingues, on s’interrogera sur la manière dont le calligramme permet aux artistes de visualiser le bruissement des langues:

  • Quelle importance revêt la traduction dans le processus de production du calligramme depuis la conception jusqu’à la diffusion ?
  • Quel rôle jouent en particulier les écritures non romaines : arabe, chinois, cyrillique et avec quels effets de défamiliarisation?
  • Qu’est-ce qui demeure des « expériences singulières, c’est-à-dire socialement marquées » (Bourdieu) qui motivent la création ? Le calligramme est-il conçu comme une expression des identités ou comme une invite au dialogue interculturel ?

3- Calligramme et nouveaux médias :

On réfléchira aux enjeux des nouvelles technologies (traitement de texte, mise en ligne, projection, création interactive sur site, etc.) pour la création calligrammatique :

  • Comment le calligramme s’est adapté à la multiplication des écrans dans notre quotidien ? La tactilité du doigt vient-elle se substituer à la tactilité de l’oeil ?
  • Comment le tracé pictural ou manuscrit, prolongement du geste corporel et de la personne de l’artiste, résiste à ou se repositionne dans un tel contexte ?
  • Comment la création calligrammatique est-elle entrée dans l’ère de la création plurielle et interactive ? Existe-t-il des calligrammes collectifs ?

Responsable : Nicole Biagioli

Adresse : CTEL (Centre de Recherche Transdisciplinaire en Epistémologie de la Littérature EA 6308) Université de Nice-Sophia Antipolis, UFR LASH, 98 Bd. Edouard Herriot, 06200 Nice

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Raconter à l’ère numérique : un contexte de convergence

Aspirant à répondre à notre appel à contributions « Raconter à l’ère numérique » ou impatient d’en lire le résultat, voici le deuxième d’une série de billets destinés à accompagner vos réflexions sur le sujet…

Le récit est confronté aujourd’hui à une vaste pluralité médiatique. Parallèlement, nous avons progressivement développé une large variété de formes de discours non narratives pour transmettre les valeurs et les savoirs dans nos sociétés contemporaines. Mais l’ère numérique place le récit dans une situation plus problématique encore. Avec Internet, la grande variété de média que le porteur d’une histoire pouvait solliciter pour formuler son récit, tout comme les différentes formes de discours qui concurrençaient déjà le récit, convergent sur les mêmes écrans de l’hypermédia numérique. Dans ce contexte nouveau, non seulement le récit ne va pas de soi, mais il est en plus appelé à se réinventer à travers la rencontre sur les écrans de médias dont les langages évoluaient jusque là dans des espaces bien distincts.

Jean Clément juge que le récit sur support numérique est appelé à trouver son propre mode d’écriture. Mais il reconnaît que l’inspiration des formes d’écritures antérieures est nécessaire pour y parvenir (Clément, 2000) :

Au cours des siècles passés, chaque changement matériel des supports narratifs a entraîné d’importantes modifications dans l’art de raconter des histoires. Ces modifications se sont faites progressivement, les créateurs cherchant au début de chaque nouvelle étape à reproduire les modèles de l’époque précédente avant d’explorer les possibilités narratives du support émergent. Les chansons de gestes du moyen âge transposent la littérature orale antérieure, le roman moderne, né de l’invention du livre, met près d’un siècle à s’imposer aux côtés de l’épopée ou des fabliaux, le cinéma dans ses débuts reproduit la scène théâtrale, etc.. Nous ne sommes entrés dans l’ère du numérique que très récemment. Il n’est donc pas surprenant que les oeuvres multimédias qui apparaissent aujourd’hui cherchent encore un mode d’écriture qui leur soit propre. Du point de vue de la narration, en particulier, tout reste encore à inventer.

Devant cette situation exceptionnelle et face à la tentation d’adopter une démarche prospective et de se poser en visionnaire, Lev Manovitch préfère « construire une généalogie […] du langage des médias informatiques au moment même de leur apparition ; c’est à dire lorsque les éléments de formes culturelles antérieures qui les avaient façonnés étaient encore nettement visibles et reconnaissables en eux, ne s’étant pas encore fondus en un langage cohérent. » (Manovitch, 2001). C’est le programme qu’il suit, s’appuyant sur son expertise du langage cinématographique. Se défendant de se livrer à la « spéculation sur l’avenir », Lev Manovitch ne s’inscrit pas moins dans l’une des quatre hypothèses prospectives formulées par Paul Soriano pour envisager la résultante des rencontres entre les différents médias diffusés sur les supports numériques (Soriano, 2007) : l’hybridation, plutôt que la substitution, la simulation ou la cohabitation.

Décrivant ce qu’il identifie comme une culture de convergence (convergence culture) Henri Jenkins privilégie plutôt l’hypothèse de la cohabitation en défendant le récit transmédia (transmedia storytelling) : une nouvelle forme narrative qui repose sur la mise en réseaux de divers média, traversés par un récit-monde dont chaque média ne délivre qu’un fragment, dans son propre langage (Jenkins, 2006).

Quelle que soit la forme du récit néo-médiatique, il doit aussi composer avec la concurrence des autres formes de discours. Valérie Baudouin identifie deux pôles traditionnellement distincts et qui convergent aujourd’hui sur les supports numériques : la publication et la conversation (Beaudouin, 2002). L’indistinction grandissante entre la publication et la conversation plaide pour le retour à une forme de communication plus proche de l’oralité que de ce à quoi la culture de l’imprimé nous avait habitué. C’est ce retour à une forme d’oralité qui m’a conduit à proposer le concept de conte multimédia pour désigner les récits ludiques étudiés à l’occasion de mon mémoire de maitrise – par opposition aux jeux vidéos proprement dit (Falgas, 2004).

A suivre : la question des usages et le cas de la bande dessinée…

Lorsque je parle de « raconter à l’ère numérique », tout comme les auteurs de Communiquer à l’ère numérique (Granjeon et Denouël, 2011) je pose la question des usages. Face au contexte proposé par l’ère numérique, j’oriente mon approche du récit en m’interrogeant sur ce que l’ère numérique implique pour les usages de production et de réception des récits, c’est à dire pour l’action de raconter.

Le troisième billet de cette série reviendra aux origines de la bande dessinée pour montrer les similitudes frappantes qui les rapprochent de l’ère numérique qui nous occupe ici.

Références citées

  • Beaudouin V., 2002, « De la publication a la conversation », Réseaux, 116(6), pp. 201–225.
  • Clément J., 2000, « Hypertextes et mondes fictionnels ou l’avenir de la narration dans le cyberespace », Adresse : http://archivesic.ccsd.cnrs.fr/sic_00000294/fr/.
  • Falgas J., 2004, Toile Ludique, vers un Conte Multimédia | v1.0, Mémoire de maîtrise d’Arts Plastiques, Metz, Université de Metz. Adresse : http://julien.falgas.fr/post/2004/09/22/1300-toile-ludique-vers-un-conte-multimedia-v10.
  • Granjon F., Denouël J., 2011, Communiquer à l’ère numérique : regards croisés  sur la sociologie des usages, Paris, Presses de l’école des mines.
  • Jenkins H., 2006, Convergence culture: where old and new media collide, New York, New York University Press.
  • Manovitch L., 2010, Le langage des nouveaux médias, trad. de l’anglais par R. Crevier, Dijon, les Presses du réel.

Julien Falgas

Formé aux arts plastiques et aux contenus web, je suis un observateur et un acteur assidu de l'évolution de la bande dessinée numérique. Webmestre pour l'Université de Lorraine, j'assure des enseignements devant des étudiants en Sciences de l'information et de la communication. Depuis 2011, je prépare une thèse consacrée aux usages des dispositifs de publication numérique par les auteurs et les publics de bande dessinée.

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Photolittérature, littératie visuelle et nouvelles textualités

 

Paul Edwards, Vincent Lavoie et Jean-Pierre Montier lancent un appel à communication intitulé : « Photolittérature, littératie visuelle et nouvelles textualités ». Cette proposition invite les chercheurs à s’intéresser « à des productions imprimées dans lesquelles ont été insérées des photographies, le plus souvent à titre d’illustrations, au sein d’œuvres ayant un statut littéraire ou vocation à être perçues ou reconnues comme telles ». On ne peut plus original, ce champ de recherche concerne bien évidemment tous ceux qui s’intéressent aux relations entre textes et images : ils pourront traiter des nombreuses œuvres mentionnées dans le texte que nous reproduisons ci-dessous, mais également se tourner vers des productions qui ne sont pas ici mentionnées. Nous pensons notamment au remarquable « récits photographiques » réalisés par Benoît Peeters et Marie-Françoise Plissart (Fugues, Droits de regard, Le Mauvais œil…) publiés aux éditions de Minuit, et plus largement à des romans-photos dont Jan Baetens montre dans un brillant essai (Pour le roman-photo, Les Impressions Nouvelles) toute la modernité et la proximité avec d’autres modes d’expression. Il ne s’agit là que d’une intuition que nous invitons nos lecteurs à formuler avant le 30 juin prochain.

 

 

 

« Photolittérature, littératie visuelle et nouvelles textualités »

Organisé par les équipes Cellam (Université Rennes 2), Figura (Université du Québec à Montréal) en collaboration avec NYU Paris

NYU, Paris, 26 & 27 octobre 2012

Colloque international et interdisciplinaire, sous la direction de Paul Edwards (NYU, Paris 7) Vincent Lavoie (Uqàm) et Jean-Pierre Montier (Rennes 2)

La photolittérature réfère à des productions imprimées dans lesquelles ont été insérées des photographies, le plus souvent à titre d’illustrations, au sein d’oeuvres ayant un statut littéraire ou vocation à être perçues ou reconnues comme telles. Par extension, le mot désigne aussi l’ensemble des productions éditoriales dans lesquelles l’image photographique joue un rôle structurant. Au regard des classements génériques traditionnels, la photolittérature relève de la para-littérature, des marges du littéraire ou des médias illustrés. En réalité, on y trouve : des oeuvres d’écrivains absolument majeurs ; des textes très novateurs mais plus ou moins ignorés, méritant d’être reconsidérés et de servir de support à une réévaluation globale de cette production, voire plus largement de l’histoire littéraire; des ouvrages à tirage limité, parus chez des éditeurs qui sont aussi parfois imprimeurs ou libraires, dans la tradition du livre d’artiste; des contributions parues dans des magazines et auxquels des écrivains collaborent ponctuellement; des formes de communications visuelles (l’essai photographique) renouvelant les modes d’intrication du texte et de l’image ; des livres où la photographie s’impose comme vecteur principal sinon exclusif de la narration ; des créations contemporaines opérant la transition d’une culture du livre et de l’imprimé à une culture de l’écran.

La photolittérature constitue donc également un opérateur théorique permettant de repenser les rapports d’autorité entre le texte et l’image, les régimes de l’illustration et les fondements épistémologiques du livre.

La célèbre phrase de László Moholy-Nagy – « L’analphabète de demain ne sera pas celui qui ignore l’écriture, mais celui qui ignore la photographie » (1928) – est emblématique d’une conception de la modernité où l’image paraît déclasser le texte comme vecteur absolu de distribution du savoir. Sous l’impulsion des médias de masse dans l’entre-deux-guerres, et plus particulièrement de la presse illustrée, émerge une nouvelle littératie de l’image susceptible de renverser les rapports d’autorité que la littérature entretient avec la photographie. Celle-ci prend la forme de l’essai photographique, un type de narration visuelle reposant sur la succession de plusieurs images étroitement liées par un contexte graphique et textuel. Tout en continuant de privilégier la forme livresque, certaines propositions éditoriales ont redéfini la nature de la relation que la photographie entretient avec le texte. Ces propositions, avec ou sans texte, sont celles de photographes (Albert Renger-Patzsch, Die Welt ist schön (Le monde est beau), 1928, Lewis W. Hine, Men at Work, 1932; Bill Brandt,  Night in London, 1938; Weegee, Naked City, 1945), de photographes et d’écrivains (Walker Evans et James Agee, Let Us Now Praise Famous Men, 1941; ), de photographes et de poètes (Paul Éluard et Hans Bellmer, Les Jeux de la poupée, 1949 ; Lise Deharme et Claude Cahun, Le Coeur de Pic, 1937) ou encore de photographes et de sociologues (Dorothea Lange et Paul S. Taylor, An American Exodus, 1939). Tous ces ouvrages constituent des créations spécifiques reposant sur une esthétique de la mise en page et de la typographie. Certains d’entre-deux présentent un intérêt marqué pour les formes et propriétés graphiques des mots, parfois plus que pour leurs significations. La « visualité » des mots, dont on sait combien elle fut déterminante pour le futurisme (Parole in libertà de Marinetti) et le dadaïsme, fait alors l’objet d’une attention toute particulière. Autant la reproductibilité de la photographie aura stimulé la production éditoriale, autant cette dernière aura désigné la reproduction photographique comme l’un des principaux emblèmes du XXe siècle. C’est cette contribution croisée à la modernité que ce colloque entend étudier dans ses diverses facettes.

Nous sommes aujourd’hui confrontés, et nous pouvons en faire aisément le constat, à des formes de plus en plus variées de textes, produits à l’aide de l’ordinateur. Ce sont des textes à la croisée du papier et de l’écran, ou alors n’existant que dans le cyberespace, des productions où le texte et l’image se côtoient selon une logique intermédiatique de plus en plus élaborée, des hypertextes qui nous entraînent dans des labyrinthes narratifs venant, par leur structure même, renouveler les bases de la textualité. Qu’ils soient fonctionnels ou de fiction, ces hypertextes sont distribués sur des sites consacrés à la littérature ou aux explorations multimédiatiques. En fait, l’hypertextualité est une caractéristique fondamentale du cyberespace, et la littérature qu’on y trouve en exploite les possibilités à l’aide de programmes sophistiqués. Aux côtés de ces textes entièrement numérisés s’épanouissent des oeuvres hybrides, des livres accompagnés de cédéroms qui offrent une mise en spectacle multimédiatique du texte (La Suite mongole de D. Kimm [2001]), des romans où la typographie et la mise en page sont soumises à d’importantes torsions et variations rendues possibles par l’informatisation du processus d’édition des textes (La Maison des feuilles de Mark Z. Danielewski [2002]), des romans qui jouent sur une forte présence de l’image (La sensualiste de Barbara Hodgson [1999]). Or, ces formats divers attestent d’une diversité toujours croissante, de nos jours, des situations de lecture et des expériences de la textualité. Le texte n’existe plus seul ; il côtoie des images et il est intégré à des dispositifs qui l’animent, l’effacent ou l’opacifient à souhait. Ce sont des dispositifs qui en modifient substantiellement la forme ainsi que la texture, et qui exigent en fait de créer un nouveau vocabulaire, voire une nouvelle grammaire.

Ce colloque a pour ambition de contribuer à une réflexion sur l’histoire passée et la mutation contemporaine des littératures, du livre, de la photographie et plus largement des formes de textualités. Ces cadres d’ensemble étant posés, les propositions pourront se rapporter plus spécifiquement aux axes suivants :

  • épistémologie du livre illustré et historicité de la photolittérature
  • paralittérature, identité et intermédialité
  • théories de l’illustration et littératie de l’image
  • hypertextualité, culture de l’imprimé/culture de l’écran, imaginaires de la fin du livre
  • relations texte/image, visualité du mot, narrativité de l’image et modernité artistique
  • présence du corps, érotisme de l’image/du livre

Prière d’envoyer vos propositions de communication, d’environ 750 mots, avec un titre, même provisoire, et en incluant vos coordonnées, votre affiliation institutionnelle, une adresse postale et une adresse électronique avant le 30 juin 2010 à phlit.org@gmail.com

Responsable : Paul Edwards, Vincent Lavoie, Jean-Pierre Montier

Url de référence :
http://www.phlit.org/

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Ecrire l’histoire de la bande dessinée numérique

Après deux ans d’observation attentive des évolutions de la bande dessinée numérique sur mon blog Phylacterium, le moment était venu d’en rédiger une synthèse qui serve de première pierre à l’édifice encore à bâtir de l’histoire de la bande dessinée numérique. Le récent appel à contribution pour Comicalités lancé par Julien Falgas et Anthony Rageul ici-même en est un excellent moyen. A partir du dimanche 29 avril, et à raison d’un épisode toutes les deux semaines, la revue en ligne neuvième art 2.0 hébergée sur le site de la Cité de la bande dessinée va diffuser une « histoire de la bande dessinée numérique » en cinq épisodes. Un panorama qui commence aux premières tentatives de bande dessinée sur CD-Rom au milieu des années 1990, jusqu’à la période de constitution d’un marché éditorial que nous vivons actuellement, en passant par le phénomène des blogs bd en 2005. L’axe problématique principal que j’ai choisi pour analyser les oeuvres et les évolutions en cours est celui des relations entre la bande dessinée numérique et son aînée papier, axe pertinent dans le contexte d’une période de transition et de cohabitation.

L’objectif de ce panorama historique est double. D’une part, il s’agit de mettre à la disposition d’un public varié (auteurs, chercheurs, journalistes, bibliothécaires, éditeurs, amateurs…) des données exhaustives sur la chronologie de la bande dessinée numérique (utilement mise en image par Julien Falgas dans une exposition virtuelle sur Facebook) et les directions les plus évidentes de son évolution ; des repères pour toute personne s’intéressant, personnellement ou professionnellement, à la bande dessinée numérique et voulant vérifier tel ou tel fait, telle ou telle donnée, telle ou telle date. Je fais la synthèse de nombreuses études menées depuis le début des années 2000, rassemblant en un seul endroit des données éparpillées sur Internet et dans les bibliothèques. L’utilité d’un texte de référence me semble d’autant plus évidente que les confusions sont grandes, en particulier à l’heure où le devant de la scène est parfois occupé par des faiseurs de bande dessinée numérisée, et non par une bande dessinée numérique de création qui existe pourtant depuis plus de dix ans. Je souhaite également rétablir quelques exactitudes et éviter les imprécisions qui confondent bande dessinée en ligne et bande dessinée numérique, qui ne voient que la bande dessinée numérisée, qui pensent que la bande dessinée numérique est née avec les blogs bd, ou qui limitent la bande dessinée numérique à un espace de création amateur, gratuit et expérimental. De nombreuses structures sont apparues, certaines ont disparues, mais le paysage qui se dessine entre 1996 et 2012 est bien plus varié qu’on ne pourrait le croire. La méthode historique me permet de livrer un travail qui ne se limite pas à un émerveillement béat face à l’avenir de la bande dessinée, mais qui analyse concrètement les oeuvres, les auteurs et les structures de production, et met au jour le véritable degré d’autonomie de la bande dessinée numérique par rapport à la bande dessinée papier.

D’autre part, le second objectif, à mes yeux plus important que le premier, est d’encourager les réflexions historiques sur la bande dessinée numérique, d’où qu’elles viennent ; journalistes, critiques, étudiants, chercheurs sont invités à prendre mon relai (certains ont déjà commencé), par exemple en répondant à l’appel à communication cité plus haut. Ces réflexions sont indispensables, ne serait-ce que parce que beaucoup des oeuvres sont en train de disparaître dans les limbes d’Internet (Foolstrip, Noomz, les premiers blogs bd sur 20six), et que Internet Archive a été pour moi un allié de poids. Tant que cela est possible, il faut garder un témoignage de ce qu’était la bande dessinée numérique à ses débuts faute de pouvoir le faire dans dix ans. Mon Histoire de la bande dessinée numérique se veut certes un texte de référence, mais il ne suffit pas : il faut poursuivre la réflexion sur de nombreux points encore en suspens que mes limites méthodologiques m’ont empêcher de creuser. Il y aurait encore beaucoup à dire du phénomène des blogs bd pour évaluer son impact global sur la bande dessinée. Les oeuvres des premiers temps mériteraient un examen plus approfondi que je ne le fais, car leur degré d’innovation est souvent exceptionnel et pourrait servir d’exemple aux créateurs à venir. L’analyse économique des structures de diffusion est un travail de longue haleine qui ne peut se résumer à un balancement entre le gratuit et le payant. Parce que ce n’est qu’un manuel introductif, mon texte se limite à l’exposition de grands axes de réflexion et appelle à d’autres analyses plus détaillées, potentiellement contradictoires. Il est destiné à être complété, discuté, critiqué, amendé, et toutes remarques et critiques constructives sont les bienvenues, qu’elles prennent la forme d’un mail à l’auteur (mrpetch@orange.fr), de la publication d’un autre texte, ou de commentaires sur le blog Phylacterium, sur lequel je tiendrais dans les semaines à venir un making-of à épisodes pour expliquer certains choix et ouvrir encore d’autres pistes. Je ne prétends ni à l’exactitude absolue, ni à l’objectivité idéale. Enfin, il m’est impensable de ne pas remercier les quelques personnes qui m’ont aidé, à des degrés divers, dans la réalisation de ce travail : Gilles Ciment, Julien Falgas, Phiip, Jean-Paul Jennequin, Anthony Rageul, Fred Boot, Benoît Berthou, Antoine Torrens et Jacques Sauteron.

Mon principal espoir en proposant ce texte en pâture aux internautes est que, dans quelques années, la connaissance sur l’histoire de la bande dessinée numérique ait si bien avancée qu’il paraisse terriblement obsolète !

Julien Baudry

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