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Les frères Hernandez

La revue ImageTexT, publiée par le département d’anglais de l’Université de Floride, a choisi de consacrer l’une de ses livraisons aux travaux des frères Hernandez, notamment connus pour la réalisation de Love and rockets. Publiée aux États-Unis par Fantagraphics, ces bandes dessinées sont traduites en France sous les titres de Modern sex (Albin Michel), Love and Rockets X (Rackham), Locas et Palomar City (Le Seuil) ou encore L’Enfer est pavé de bonnes intentions (Delcourt) et mettent en scène deux univers différents (l’Amérique centrale et une banlieue latina de Los Angeles) animés par chacun de deux frères (Gilbert et Jaime). En découle une œuvre fort riche (comme le suggèrent les pistes de travail présentées ci-dessous) qu’ImageTexT propose d’explorer avant le 31 décembre prochain.

ImageTexT Special Issue: The Hernandez Brothers

Guest Editors, Christopher Gonzalez and Derek Parker Royal

For nearly thirty years the Hernandez brothers (Gilbert, Jaime, and Mario) have created comics that have expanded beyond superhero and sci-fi, bringing so-called “alternative” comics to the fore. Their fictive worlds are as sprawling and complex as Faulkner’s Yoknapatawpha County, and more scholars are beginning to take a closer look at their comics, specifically Love and Rockets. In keeping with this interest, ImageTexT will devote a special issue to the works of the Hernandez Brothers. This volume will seek to explore a multitude of theoretical perspectives that may further illuminate the brothers’ oeuvre. Possible topics may include, but are not limited to:

* Their influence on other graphic novelists, alternative comics, or mainstream comics
* Representations of the Latino/a subject
* Depictions of violence and trauma in their work
* Issues of gender, the body, and the sexual subject
* The act of consuming (eating, addiction, pornography, etc.)
* The significance of the telenovela as a metaphor for reading their comics and as a possible stylistic influence
* Any aspect of the non-Love and Rockets stories, e.g., their work with larger publishers such as DC and Dark Horse
* Their uses, or deconstruction, of Magical Realism
* The growth or evolution of prominent characters (Luba, Fritzi, Hopey, Maggie, etc.)
* Their possible influences on text-only authors such as Junot Díaz
* Comics and the political subject
* Narrative theory, narration, and narrative techniques of the Hernandez Brothers
* The Hernandez Brothers’ place and/or legacy (either as individuals or collectively) in the comics medium

All essay submissions should not exceed 10,000 words, including notes. Contributors should format submissions based on the MLA Style Manual, 3rd edition, and use endnotes. Authors will be responsible for securing copyright permission for all images used.

Address all inquiries, and submit all completed manuscripts, to the guest editors at gonzalez.283@osu.edu. Please include the words “Hernandez Special Issue” in the subject heading.

Deadline for final manuscript submission is December 31, 2010.
Abstracts and queries submitted by November 19 are highly recommended.

URL: http://www.derekroyal.com/CFP-Hernandez.pdf

La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone

Traiter du personnage féminin dans la bande dessinée francophone : voici la fort intéressante ambition d’un article signé Marie-Christine Lipani Vaissade, intitulé « La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone. Cartographie d’une émancipation de fraîche date » et présenté dans le numéro 12 de la revue Le Temps des médias. Consacrée à « La cause des femmes », cette publication donne le ton d’un travail entendant « repérer, à travers les caractéristiques et les traits de quelques personnages clés, comment la bande dessinée a pu (ou non) accompagner un courant d’émancipation de la femme » (p. 153).

Le personnage féminin

L’étude de Marie-Christine Lipani Vaissade entend ainsi interroger des représentations, en l’occurrence des personnages féminins, pour dégager ce que ceux-ci ont de signifiant vis-à-vis de l’un des plus grands faits de société du siècle dernier. C’est ainsi que l’auteur fait remarquer que la petite Bretonne Becassine devient au fil des événements historiques (et notamment après la première guerre mondiale) et à travers une forme de maternité (lorsqu’elle devient nourrice) « une femme lucide, attentionnée, investie d’une mission et consciente de ses responsabilités, recherchant sans cesse de meilleures méthodes d’éducation » (p. 153-154).

Celle qui était née « sans bouche », comme si sa parole n’était en rien nécessaire, semble ainsi progressivement s’affirmer, à l’instar de Lili, héroïne du journal Fillette découvrant progressivement le monde du travail et entamant même récemment une vie amoureuse. Ces références mettent effectivement clairement en évidence une forme d’émancipation : d’abord, de la tutelle familiale dans l’histoire de ces deux personnages, mais également des normes d’une publication les ayant conçues comme « gentillettes » et ne les ayant en tout cas pas destinées à relever « tous les défis de [leurs] temps » (p. 154).

Suivant, selon l’auteur, l’évolution du public des dispositifs éditoriaux assurant leur diffusion, ces personnages montrent que se fissure au cours du siècle une image de la femme que dynamitèrent carrément Barbarella (imaginée par Jean-Claude Forest), Valentina (Crépax), Adèle Blanc-Sec (Tardi) ou Laureline (Christin-Mézières) qui est ici présentée comme « belle, vive, moderne et bien plus futée que son compagnon » (p.160). À cette galerie de portraits ne manque sans doute ici que des héroïnes comme Comanche (Hermann) ou Yoko Tsuno (Roger Leloup), femmes solitaires intégrant le rang des héros célibataires (Ric Hochet, Michel Vaillant…) du journal Tintin.

Média et mysoginie

À côté de l’évocation de ces personnages, nous aurions aimé voir précisée une piste de réflexion qui  semble ici cantonnée (faute de place à ne pas en douter, car les notes de bas de page sont riches) au rang de simple intuition. Le rapport entre émancipation de la femme et média nous semble en effet poser un problème de taille. L’auteur de cet article semble clairement faire de la presse l’instrument de diffusion d’une bande dessinée « un brin mysogine » (p. 156) : l’attachement de Charles Dupuis ou de Raymond Leblanc, directeurs des hebdomadaires Spirou et Tintin, à la « tenue morale de leurs publications » (p. 157) est ainsi évoqué (et aurait pu être étayé au regard d’autres sources comme les entretiens d’auteurs réalisés par Frédéric Niffle ou Hugues Dayez). De même, l’auteur s’appuie sur les propos de Pierre Christin afin de montrer que le fait de devenir un « produit d’édition » (p. 157), et d’être diffusée sous forme d’albums, permet à la bande dessinée de changer «  de récits, de genres mais aussi de lectorats » (Idem).

Serait alors initié un mouvement d’émancipation de la bande dessinée elle-même, mouvement qui trouve, dans le cadre de cet article, un aboutissement à travers l’autobiographie et une « littérature de l’intime [abordant] les questions liées à la condition féminine » (p. 160). À en croire l’auteur, le livre serait donc un médium porteur d’une certaine vertu puisqu’il constituerait le vecteur de la remise en cause d’idées reçues et l’instrument de propagation de nouvelles représentations. Il existerait ainsi un lien direct entre dispositifs médiatiques et mouvement social d’émancipation, et il serait sans aucun doute intéressant d’examiner cette séduisante hypothèse au regard d’exemples de périodiques comme V-Magazine (dans lequel fut d’abord publié Barbarella et nombre d’héroïnes rompant avec les traditionnelles représentations de la féminité), de l’éphémère magazine Ah ! Nana (publié d’octobre 1976 à septembre 1978) ou encore de la collection « Traits féminins », créée par un Thierry Groensteen qui est ici abondamment cité.

Le rapport entre média et mysoginie nous semble d’autant plus intéressant que le rôle de la presse ne saurait être réduit aux seules productions « franco-belge ». Nous sortons ici clairement du cadre qu’entend explorer cet article (qui se limite volontairement aux productions francophones) pour évoquer le travail de Jacques Sadoul qui, puisant largement dans la production anglo-saxonne, a bien montré que les stéréotypes féminins ne sauraient en aucun cas être réduits à la figure de la « potiche » ou de la « poupée ». L’Enfer des bulles (publié chez Jean-Jacques Pauvert en 1968) met ainsi en valeur des catégories d’héroïnes qui, de « fiancées éternelles » à « aventurières », sont parfois clairement le moteur de l’action et n’hésitent pas à revendiquer une sensualité, voire une sexualité. Laureline aurait alors bien des ancêtres qui, de la princesse Narda dans le Mandrake de Lee Falk (p. 10) à Aleta épousant un Prince Vaillant qu’elle ne cessera de dominer (p. 118), entendent bien devenir l’égal de leur compagnon et ne pas s’en laisser compter par la gente masculine. Le comic-book semble alors se situer loin des sages personnages de la bande dessinée « franco-belge » et une nouvelle recherche serait bien avisée d’examiner les représentations féminines au regard des différents environnements de publication et de diffusion de la bande dessinée.

Référence :

Marie-Christine Lipani Vaissade, « La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone. Cartographie d’une émancipation de fraîche date », article publié dans Le Temps des médias, n°12, 2009/1, Nouveau Monde Édition, p. 152 à 162.

ISSN 1764-2507 / ISBN 978-2-84736-455-2

URL : https://www.cairn.info/publications-de-Lipani%20Vaissade-Marie-Christine–42687.htm

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Et si on arrêtait de travailler sur Tintin ?

L’affaire Moulinsart”, mettant au prise la société gérée par les ayant-droits d’Hergé et plusieurs personnes physiques et morales s’intéressant à l’oeuvre du dessinateur belge, nous semble fournir des pistes de réflexion qu’il serait intéressant d’explorer dans le cadre de travaux de recherche.

Attendre 2053 pour travailler sur Tintin ? C’est la proposition provocante d’André Gunthert, en réaction à l’attitude de Moulinsart SA, telle qu’elle s’est manifestée encore récemment dans l’affaire Bob Garcia. En 2053 en effet, Tintin tombera dans le domaine public, ce qui devrait faciliter la citation des travaux d’Hergé, pour l’instant farouchement contrôlée par Moulinsart SA.
André Gunthert soulève dans ce post deux problèmes intéressants : d’une part, la difficulté de la citation scientifique d’images dans le contexte du droit français – une situation qu’André Gunthert connaît bien, pour l’avoir affrontée dans le cadre de la revue “Etudes photographiques”. D’autre part, l’impact de la recherche universitaire dans la diffusion culturelle d’une oeuvre d’art – une question qui suscite, pour l’instant, peu de commentaires.

La suite à lire sur l’excellent blog d’André Gunthert : L’Atelier des icônes.

Trans-média, cross-média, média global : de l’album singulier aux écrans multiples

Après avoir posé, lors de ses précédentes éditions, la question de la place de la bande dessinée dans notre paysage culturel (« La bande dessinée : bien ou mal culturel ? » en 2006), interrogé les conditions de son renouvellement (« Quoi de neuf dans la bande dessinée ? » en 2007) puis examiné sa spécificité au sein du monde du livre (« Vive la crise ? » en 2008), la quatrième université d’été de la bande dessinée, qui se tiendra les 5, 6 et 7 juillet prochain à Angoulême, aura pour thème : “Trans-média, cross-média, média global : de l’album singulier aux écrans multiples”.  Organisé en association avec le Pôle Image Magelis, cet événement explorera les liens existant en neuvième art, cinéma, jeu vidéo et livres numériques. Proposant de penser le rôle du neuvième art au sein de ce que les chercheurs ont coutume d’appeler « industries culturelles », il s’inscrit ainsi dans des problématiques occupant actuellement nombre de chercheurs comme en témoigne les « rencontres Cross médias » organisées cette année entre le Conservatoire Nationale des Arts et Métiers et les universités Paris VIII et XIII.

4ème université d’été de la bande dessinée

trans-média, cross-média, média global :
de l’album singulier aux écrans multiples

Angoulême, les 5, 6 et 7 juillet 2010

Pour la 4ème édition de son Université d’été de la bande dessinée, la Cité a choisi de s’associer avec le Pôle Image Magelis pour s’interroger sur le rôle et la place des auteurs dans le contexte de la convergence des médias vers des œuvres globales. Comment se conçoit aujourd’hui une œuvre appelée à être déclinée sur différents supports ? Qu’annoncent ces mutations pour le livre ? Pour la lecture ? De nouveaux métiers sont-ils en train de naître du trans-média ? Voici quelques-unes des interrogations qui seront au cœur des rencontres, présentations, conférences et ateliers de cette Université d’été. Après la journée d’études du 24 novembre organisée à Paris par la Cité, ces trois journées angoumoisines explorent un univers à l’aube de profonds changements. Extension du champ de la création ou « simples » transformations économiques ? À partir d’études de cas, avec des auteurs et des professionnels de l’image, l’Université d’été interroge sur les évolutions en cours et les champs ouverts par une forme d’écriture nouvelle.

La mise en réseau des médias autorise désormais des interactions et la mise en commun de différentes disciplines au service d’un même propos ou d’une même démarche : il en va ainsi de l’adaptation de bandes dessinées au format numérique, pour le cinéma, pour le jeu vidéo, etc., ou de la conception multidimensionnelle dès l’origine de l’œuvre.

En quoi le transmédia, c’est-à-dire les nouveaux et multiples formats influent-ils sur les contenus culturels ? Comment les nouvelles formes de médiations (web streaming, e-pub, blogs, etc.) transforment-ils les rapports tout au long de la chaîne « conception, production, diffusion, réception » ?

Parallèlement, un grand nombre d’auteurs migrent désormais du livre à l’animation, du cinéma à la programmation informatique ce qui annonce, depuis quelques années une nouvelle génération d’auteurs pluridisciplinaires… à l’image de ces trois journées d’échanges.

Les débats porteront donc sur les potentialités créatives autant que sur les remises en cause du modèle économique traditionnel.

Programme

lundi 5 juillet

12h30 déjeuner

13h45 présentation du programme de la 4ème Université d’été

14h00 introduction : adaptations et déclinaisons multi supports, vers le modèle « à 360° » ?
avec
Benoit Berthou, spécialiste de l’édition, chercheur au LABSIC, Université Paris 13) « mise en contexte du phénomène, mise en perspective et exposé des questionnements »
Thierry Smolderen, auteur, enseignant à l’EESI, théoricien : « la bande dessinée un art trans-média »
Eric Leguay consultant expert en médias et organisation de production : « de l’Opération Teddy Bear à Bludzee »

16h00 pause

16h30 étude de cas No. 1 : « Allez raconte »
On se penchera ici sur l’œuvre qui ne s’enferme pas dans un seul format et connaît plusieurs déclinaisons. Ce faisant, elle adapte sa narration et son esthétique au media qui la porte. Adaptation, mais aussi simultanéité des « sorties » (jeux vidéo, livre, animation, etc.) influencent les processus de création. Nous traiterons notamment les sujets suivants :
Jeu vidéo du dessin à la programmation, du scénario à l’animation
Entre 7ème et 9ème Art : bande dessinée, cinéma et animation.
Les stratégies de développement multi-supports.
Le point de vue des auteurs qui ont vu décliner leurs œuvres sur plusieurs supports.
avec
José Parrondo, dessinateur de la bande dessinée (sous réserve)
Jean-Christophe Roger, réalisateur du long métrage
Didier Brunner, Les Armateurs, producteur du long métrage
Frédérique et Sébastien Doumic, Ouat entertainment, producteur du jeu vidéo
Jean-Michel Spinner, 2 minutes, coproducteur de la série animée

18h30 pause

18h45 événement artistique : « Prise de tête »
Anthony Rageul : « pour une véritable bande dessinée interactive »

20h00 dîner d’ouverture

mardi 6 juillet

9h30 trans-média et mutations éditoriales
Il s’agit ici de prolonger une réflexion largement engagée depuis l’affirmation de l’écriture électronique. Médiation directe entre l’auteur et le public, prépublications en ligne, éditions numériques et hyperlivre sont autant de symptômes d’une transformation profonde de l’économie du livre à laquelle la bande dessinée est organiquement liée.
avec
Poipoi (alias Jérôme d’Aviau), auteur de bande dessinée venu du jeu vidéo et collaborateur de la collection Tchô (Glénat)
Laurent Tolleron, producteur de la série Vampyres
Louis Antoine Dujardin, responsable éditorial Dupuis qui y a supervisé l’édition de Vampyres
Claudia Zimmer, présidente d’Aquafadas et responsable d’Avé comics, éditeur de bande dessinée sur mobile
Benjamin Samuel Ewenczyk, fondateur de DIGIBIDI

11h00 pause

11h15 étude de cas No. 2 : les éditions Ankama
Quel modèle d’entreprise pour les projets artistiques intégrés ?
avec
Nicolas Devos, webdesigner, auteur de l’adaptation en bande dessinée de Dofus
David Calvo, chef de projet chez Ankama

12h30 déjeuner

14h00 l’audiovisuel à l’heure du trans-média
avec
Julien Borde, directeur de monLudo.fr
Michel Albuy, Canal +
Pierre Belaïche, Orange

15h45 formations au trans-média et évolutions des métiers
Présentation des formations et des cursus, enseignements et débouchés professionnels. Intégration du transmédia dans les projets audiovisuel et stratégies d’entreprises du secteur de TIC.
avec
Stéphane Natkin, directeur de l’Ecole nationale du jeu et des médias interactifs numériques (ENJMIN)
Marie-France Zumofen, directrice adjointe des Gobelins l’école de l’image
Inès de la Ville, directrice du Centre européen des produits de l’enfant (CEPE)
Un représentant de l’Ecole des métiers du cinéma d’animation (EMCA)
Un représentant de l’Ecole européenne supérieure de l’image (EESI)

16h30 pause et visite du musée de la bande dessinée

20h00 dîner

mercredi 7 juillet

9h30 transformations du livre : les nouveaux regards de la lecture
A travers l’écriture et la lecture numérique, c’est l’objet même du livre qui connaît une mutation presque physique. La transmutation de la lecture multisupport interroge les stratégies éditoriales. Adaptation, mais aussi conception des œuvres compatibles à des formats de lecture désormais multimédia (ex : Numérique, Hyperlivre)…Quel nouveau rapport à la lecture, dès lors que celle-ci s’appuiera sur des objets multimédia, intégrant animations et sons.
avec
Christian Lérolle et Emmanuel de Rengervé, SNAC – Groupement des auteurs de bande dessinée (GABD)
Emmanuelle Lavoix, Centre du Livre et de la Lecture en Poitou-Charentes
Olivier Piffault, conservateur à la Bibliothèque nationale de France (BNF)
Yannick Lejeune, fondateur du Festiblog et responsable du département numérique chez Delcourt

11h30 les potentialités du format .ePub,
Format de lecture web intégrée : étude de cas avec Cent pour cent, catalogue d’exposition de bande dessinée, par IGS

12h00 conclusions

Modalités et conditions d’incription ici : http://www.citebd.org/spip.php?article1409

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Eisner Miller

Paru en 2005 chez Rackham, Eisner Miller est long entretien recueilli par Charles Brownstein entre les artistes Will Eisner et Frank Miller. Figures incontournables de la bande dessinée américaine, ces derniers y abordent en de courts chapitres thématiques divers aspects de leur profession, tels que leur méthode de création (« Les étapes de la créativité », « Le cinéma, le théâtre et la famille ») ou leur rapport à l’industrie du comic book ainsi que son histoire et son économie (« Ces bons vieux censeurs », « Les directeurs de collection »…). Leur fonction d’artiste y prend une place évidemment prépondérante, tant sur un plan esthétique que commercial, notamment dans certains chapitres dédiés à leurs rapports parfois conflictuels avec les éditeurs, souvent propriétaires, dans les comics de super-héros, des personnages dont ils publient les titres.

Qu’est-ce qu’un auteur de comic book ?

La question de la définition de l’« auteur » est récurrente dans la recherche portant sur le comic book. Généralement fruit d’une collaboration entre différents acteurs créatifs tels que le scénariste, le dessinateur ou encore l’encreur, une bande dessinée américaine relève d’une instance décisionnelle difficilement identifiable et souvent poreuse. À l’occasion d’un article critique au sujet de deux ouvrages théoriques parus en 2009 sur Jack Kirby et Jim Steranko[1], Jean-Paul Gabilliet revient par exemple sur le sujet[2]. Il y évoque le « cas par cas » d’une telle question à travers les exemples des scénarios très détaillés d’Alan Moore (qui décrit très précisément le contenu de chaque case) ou, à l’inverse, de la conception du travail auctorial de Stan Lee qui consiste à tracer les grands traits d’une intrigue que les dessinateurs auront charge de mettre en image et de découper sous la forme séquentielle du médium. Gabilliet conclut son article sur une réflexion ouverte : qu’est-ce qu’un « auteur de comic book » ? et dans quelle mesure cette notion, dans ce contexte de production morcelée, peut-elle recouvrir en même temps plusieurs acteurs de la création : scénariste, dessinateur, encreur, éditeur… On peut de fait trouver des éléments de réflexion sur ce sujet dans l’entretien entre Eisner et Miller. En effet, la question de la notion auctoriale dans le domaine du comic book, en tant qu’autorité garante de l’œuvre, y est permanente. La complexité du statut est alors manifeste tant il implique de nombreuses dimensions : contraintes factuelles du médium, morcellement de la création, contingences économiques… Peut-être sans réponse, cette question se décline en formes souvent diverses, parfois même contradictoires, soulignant par là différentes attitudes auctoriales, tant d’un point vue narratif et plastique que commercial et économique.

Théorie et industrie de la bande dessinée

La notion d’auteur, ainsi problématisée, est centrale, tant dans le livre que dans la recherche universitaire, car elle touche à plusieurs champs disciplinaires. L’approche esthétique est tout d’abord mise en exergue par les deux artistes, et apporte ainsi des outils d’analyse potentiellement utilisables par un chercheur. Eisner et Miller se font tour à tour lecteurs réciproques de leurs œuvres, mettant ainsi en avant des questions créatives, telles le découpage d’une scène, le format du comic book, ou bien l’importance de la couleur dans sa fonction narrative. Eisner évoque par exemple sa façon travailler page par page tandis que Miller préfère dessiner l’entièreté de sa bande dessinée et y revenir ensuite pour les étapes suivantes, le lettrage et l’encrage (pp.75-81). Deux rapports différents qui révèlent deux lectures possibles de leurs œuvres : théâtrale pour Eisner, dans sa juxtaposition de scénettes vouées à l’intime et à la participation du lecteur et cinématique pour Miller, dans la représentation au sein d’une même page de scènes simultanées et dans l’importance accordée au rythme (il donne l’exemple de la chute d’un homme dans Sin City, percuté par une voiture, qui s’étend sur quatre pages) (pp88-91). Leur témoignage leur permet alors d’aborder la genèse d’un comic book d’un point de vue plastique, dimension encore peu évoquée dans les ouvrages portant sur ce sujet.

Ces deux approches soulignent l’importance du dispositif paginal et vignettal, central dans l’analyse d’une bande dessinée. Les artistes s’accorderont ainsi sur une théorie de la « bande dessinée impressionniste » qui consiste à suggérer l’arrière-plan d’une scène en n’en représentant que quelques détails au fil des cases, laissant l’initiative au lecteur de reconstituer intellectuellement le décor : « C’est l’observateur qui apporte les éléments de lecture. […] Ils n’ont plus besoin d’un excès de décor tant que celui-ci suggère l’action. […] Une petite case qui montre la scène et le lecteur se souvient du reste. » (Eisner, pp.62-63) Cette théorie fait alors écho à celle de Morgan à propos de Jack Kirby chez qui le lieu n’est défini que par « la collaboration des vignettes qui le crée.[3] » De même, la participation active du lecteur dans sa reconstitution du sens est également abordée par Groensteen dans la mesure où « la lecture [d’une bande dessinée] décèle et décrypte [la] complémentarité et [l’]interdépendance [des vignettes].[4] »

Dans une seconde mouvance, l’approche des deux intervenants permet d’interroger la notion d’auteur au sein même de l’industrie du comic book, dans un domaine disciplinaire proche de l’histoire culturelle. En effet, les différentes définitions apportées par Eisner et Miller véhiculent des problématiques qui impliquent de revenir sur l’évolution de cette industrie. Eisner traite ainsi de la progressive valeur marchande accordée à l’artiste par l’éditeur, lui attribuant un statut de vedette et lui concédant alors plus de liberté dans sa création (p.175). A l’inverse, Frank Miller évoque son amertume à l’idée de travailler sur une œuvre dont il ne détient pas les droits et qu’il ne peut utiliser librement. Dès lors, l’éditeur apparaît de manière sous-jacente comme un acteur même du processus créatif, participant également à une définition « transversale » de la fonction auctoriale dans le domaine du comic book. Eisner posera lui-même la question à Miller au sujet des comics de super-héros : « Qui est-ce qui lance ces projets – les directeurs de collection, les éditeurs ou les artistes ? » (Eisner. p150)

Cet entretien est ainsi l’occasion de revenir sur l’histoire de cette industrie fortement marquée par la pression éditoriale, à travers un code d’autocensure ayant limité la liberté d’action des artistes. Les auteurs fournissent alors deux interprétations opposées de l’établissement de ce code, dénotant deux attitudes auctoriales opposées face à un médium et son industrie. Eisner justifie l’érection de ce code en 1954 par le souci des éditeurs d’ « éviter toute action gouvernementale supplémentaire à l’encontre de l’industrie », là où pour Miller, il s’agissait d’éradiquer EC Comics, maison d’édition à succès grâce à ses titres subversifs, et de limiter par là la créativité de l’artiste au profit de publications morales (voir le chapitre « Ces bons vieux censeurs », p113.). Ce débat permet alors d’évaluer le statut de la bande dessinée dans l’aire culturelle américaine comme un médium subversif, « hors-la-loi ». Cette dimension scandaleuse du support est mentionnée comme nécessaire par Miller, à travers l’exemple de comics contemporains, de plus en plus scénarisés par des britanniques reconnus pour leur approche plus ironique (p121).

Eisner vs. Miller ?

Ces deux interprétations opposées du code d’autocensure sont ainsi représentatives de l’antagonisme permanent entre les deux artistes. De fait, c’est cette contradiction même qui révèle toute la valeur testimoniale de cet entretien : dès la préface, signée Frank Miller, l’artiste y aborde son désaccord avec Eisner. Cet antagonisme est manifeste dans la suite de l’ouvrage et sert à nourrir une réflexion sur la question auctoriale face à une industrie marquée par le rôle démiurgique de l’éditeur. Ainsi, Miller décrit la fonction éditoriale comme facteur d’une régression du statut d’artiste : « Pourquoi avoir honte de nous-mêmes ? C’est une erreur de l’industrie, entretenue […] par les éditeurs. » (p.172)  A l’inverse, Eisner met en exergue l’importance d’un tel rôle dans l’industrie : « Que les éditeurs soient intéressés par l’art ou pas, peu importe, nous devons les respecter. Ce sont eux qui comprennent le marketing. Ils savent où trouver un public, comment le trouver et comment exploiter quelqu’un comme toi ou comme moi. » (p.173) Il ressort alors de ce débat les divergences des deux artistes qui façonnent là toute la problématique de leur nature par rapport à leur création et au sein de cette industrie.

Eisner Miller n’est pas un ouvrage théorique à proprement parler : il ne repose pas sur la progression d’un argumentaire devant mener à une conclusion. De fait, on pourra lui reprocher l’absence de hiérarchisation des informations. Cependant, il questionne sans cesse les différentes conceptions des auteurs en fonction de leurs choix esthétiques, du commerce dans lequel ils s’installent et finalement en fonction d’eux-mêmes et de leur propre appréciation, la notion d’auteur de comic book ne pouvant aboutir que grâce à une prise de conscience de celui qui en assume la fonction : ainsi de Miller qui, parlant d’Un pacte avec Dieu d’Eisner, lui confesse : « Tu nous as touchés. Nous avons commencé à nous considérer comme des romanciers. C’est comme si tu nous avais dit : « ces œuvres vont marquer l’histoire ». » (p.44) Fournissant des éléments d’analyse tant dans une perspective narratologique qu’historique ou culturelle, cet entretien a valeur documentaire de témoignage, et peut de fait être légitimement utilisé par la recherche, trouvant écho dans des théories de Gabilliet, Groensteen ou Morgan. De plus, il s’inscrit dans un domaine bibliographique de plus en plus représenté en France concernant l’étude d’un auteur de comics en particulier. On l’a vu plus haut avec Kirby et Steranko et, de même, on peut citer l’essai sur Chris Ware de Benoit Peeters et Jacques Samson, Chris Ware : la bande dessinée réinventée, paru aux impressions nouvelles en 2010.

Référence bibliographique :

Charles Brownstein, Eisner Miller, Rackham, 2007

ISBN : 2878271017


[1] Les apocalypses de Jack Kirby de Manuel Hirtz et Harry Morgan ainsi que Jim Steranko : tout n’est qu’illusion de Guillaume Laborie. Tous deux sont parus chez les moutons électriques éditeurs, dans la collection « Bibliothèque Miroir ».

[2] Jean-Paul Gabilliet , “Lire la bande dessinée : variations autour de l’homme et l’oeuvre”, Acta Fabula, Notes de lecture. URL : http://www.fabula.org/revue/document5575.php

[3] Morgan Harry et Hirtz Manuel, Les apocalypses de Jack Kirby, Lyon, les moutons électriques éditeurs, 2009, p.103

[4] Groensteen Thierry, Système de la bande dessinée, Paris, PUF, coll. « Formes poétiques », 1999, p.175

Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone

L’Université de Lettres de Galati (Roumanie) organise un colloque international consacré aux “Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone”. Ce thème intéresse au premier chef la bande dessinée qui fourmille de personnages féminins relevant de registres fort différents, qui vont du comique (la Schtroumphette, Mafalda…) à l’érotique (pensons à la Valentina de Crépax) en passant par l’héroïque (Barbarella de Jean-Claude Foret, Yoko Tsuno de Roger Leloup ou encore Lady snowblood de Kazuo Koike et Kazuo Kamimura). Nous reproduisons ci-dessous l’appel à communication dont la date limite est fixée au 20 juin 2010.

Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone

Date limite : 20 juin 2010
Colloque International (15 – 16 octobre 2010)


En prolongeant le thème de l’édition précédente – Représentations de la féminité dans la culture européenne du XXème siècle –, le colloque s’inscrit dans le même domaine des débats visant les projections de l’imaginaire du féminin dans la sphère des représentations culturelles, se fixant, cette fois-ci, dans le contexte francophone. Les deux axes thématiques majeures – les études culturelles / littéraires francophones et les études sur le féminisme / sur les représentations de la féminité dans l’art et dans la littérature – se subordonnent à des domaines de grand intérêt dans la recherche socio-humaine actuelle, tout en continuant et en complétant une série de démarches similaires des universitaires du monde entier. Par le truchement des deux directions proposées, le colloque se veut également un hommage rendu aux valeurs de la francophonie et une occasion pour la dissémination des résultats des recherches consacrées aux présences féminines dans la culture contemporaine.

Des chercheurs et des spécialistes de divers domaines – communication interculturelle en francophonie, études de genre, anthropologie culturelle, l’histoire de la culture et de la civilisation, l’histoire des mentalités, l’histoire de l’art et de la presse, critique, théorie et histoire littéraire, linguistique, études politiques etc. – sont invités à une série de débats concernant l’histoire et la mémoire féministe, le discours féministe, l’écriture féminine, les représentations littéraires et artistiques de la féminité, les projections mythiques / idéologiques de celle-ci au niveau de l’imaginaire politique ou religieux, des thèmes toujours rapportables à l’espace culturel francophone et aux valeurs de la francophonie.

Les débats privilégieront, également, la problématique du dialogue interculturel et de la multiculturalité dans les pays francophones occidentales et dans l’espace postcolonial mais aussi, en particulier, dans l’espace de l’Europe Centrale et Orientale, très peu représenté ou même passé sous silence dans les études contemporaines concernant l’évolution des perspectives sur la féminité. Une section à part sera réservée donc, aux discussions visant l’histoire du féminisme, les hypostases de la féminité et le discours féminin francophone dans la topique socioculturelle de l’Europe Centrale et Orientale, l’accent mis sur l’imaginaire du XXème siècle. Le colloque sur les Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone se veut, de ce point de vue, un exercice de récupération de l’identité féminine francophone dans ces aires géographiques, qui compense la “fragmentation” actuelle de l’histoire et de la mémoire féministe.

Tout en prolongeant l’objectif fondamental de l’édition précédente, le colloque incite à une approche pluridisciplinaire des thèmes proposés, s’intéressant, en particulier, à la manière par laquelle la littérature et l’art construisent / déconstruisent les modèles féminins de l’espace culturel francophone, tout aussi qu’à l’intériorisation de ces modèles, ayant des effets au niveau des comportements sociaux. La configuration des fictions identitaires féminines / féministes dans les aires francophones, en tant que répliques de certains scénarios mentalitaires et constructions idéologiques, dont l’effet est, entre autres, l’engendrement de modèles comportementaux dans l’espace privé ou sociopolitique et culturel, modèles ayant souvent comme point de départ une série de typologies littéraires-artistiques, s’inscrit également dans la thématique du colloque.

Les démarches pourraient être focalisées aussi sur le problème des clichés idéologiques et linguistiques repérables dans les discours sur la féminité, visant les rôles de la femme – en tant qu’”agent” et “projection symbolique”– dans la topique socioculturelle de l’imaginaire francophone, en rapport avec les narrations légitimatrices générées par le “surmoi” sociopolitique et religieux.

Une sélection des articles sera publiée dans la revue Communication interculturelle et littérature, indexée dans MLA International Bibliography & Directory of Periodicals, dans Index Copernicus et dans Fabula. La recherche en littérature, le reste étant intégré dans les Actes du Colloque (un volume avec ISBN, publié à une maison d’édition accréditée par le CNCSIS).

Contacts :

Alina Crihana : crihanoali@yahoo.com

Simona Antofi : simoantofi@yahoo.com

Responsable : Université “Dunărea de Jos” de Galaţi, Faculté des Lettres

Url de référence : http://www.lit.ugal.ro/

Composition du comité scientifique et protocole de rédaction ici.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Têtes de Turcs, boucs émissaires et souffre-douleur

Plusieurs membres de l’Equipe Interdisciplinaire de Recherche sur l’Image Satirique (EIRIS) et du Groupe d’Etudes et de Recherches Historiques du Centre-Ouest Atlantique (GERHICO) lancent un appel à contribution pour un ouvrage consacré aux “Têtes de Turcs, boucs émissaires et souffre-douleur”. La bande dessinée est nommément citée dans le quatrième point du texte qui suit, et elle semble être appréhendée dans son rapport à la caricature. La date limite d’envoi des propositions est fixée au 5 mai prochain.


Têtes de Turcs, boucs émissaires et souffre-douleur


Résumé

Face à ce phénomène social que représentent boucs émissaires, têtes de Turc et souffre-douleur, il est bon de s’interroger sur les figures des mal-aimés et leur fonction dans la vie de nos sociétés. C’est à ce questionnement qu’invitent les signataires de cet appel à contributions, l’objectif étant de constituer un ouvrage qui rende compte des multiples facettes de ce sujet, évoquées dans l’argumentaire qui suit. Ce volume paraîtra en 2011.

Argumentaire

I. Figures

Le bouc émissaire, le souffre-douleur et la tête de Turc sont des victimes uniques. L’unicité de la cible s’incarne dans un individu particulier ou dans une entité collective, un type (un ethnotype ou une catégorie socio-professionnelle, par exemple, “Le Boche”, “Le Français”, “L’Auvergnat”, “Le percepteur”…) et, à l’extrême rigueur, une institution comme le mariage, criblé séculairement de railleries.

Cible du percutant et du persécutant, chaque victime souffre, en revanche, d’une pluralité soit synchronique (le tir groupé), soit diachronique (une salve répétée de mots et de maux). Si la source des malveillances est le plus souvent plurielle, il arrive qu’un individu soit le souffre-douleur ou la tête de Turc d’une seule personne.

Dans les trois cas, mais de différents points de vue, la victimisation pose le problème du juste et de l’injuste. La “peccadille” de l’âne devient scandaleusement un “cas pendable” (cf. “Les Animaux malades de la peste”) et, dans un registre plus détendu, tel écrivain, essuyant une pluie de lazzis, ne mérite pas vraiment l’excès d’indignité dont on l’accable. La situation du bouc émissaire (un seul paye pour tous) ajoute à l’iniquité tandis que la singularité négative et intrinsèque du souffre-douleur (un infirme, un simple d’esprit…) est aggravée par une malignité extrinsèque et durable. L’injustice réside dans une disproportion quantitative ou qualitative (tous contre un, fort contre faible…).

Le langage courant actuel confond souvent, dans une synonymie approximative, les trois appellations “tête de Turc”, “bouc émissaire” et “souffre-douleur”. Par rapport à d’autres langues (notamment européennes), le français se singularise. Issue du vocabulaire des attractions foraines, l’expression “tête de turc” contient deux notions spécifiques et leurs harmoniques : le ludique (l’épreuve de force, gratuite, dont l’enjeu prioritaire — sinon unique — est l’autosatisfaction, la gratification immédiate à usage interne…) et un rapport conflictuel relativement équilibré. Majoritairement, le bouc émissaire et le souffre-douleur sont des cibles faibles ou affaiblies, la tête de Turc est plutôt à affaiblir (parce qu’elle a un quelconque pouvoir), même si les esprits frappeurs ne se font guère d’illusions sur l’efficacité de la percussion.

Quand la victimisation touche des “figures” — dans le monde réel ou dans la fiction — plusieurs questions viennent à l’esprit : Comment réagit chaque victime ? Quel est l’enjeu (personnel/collectif, affectif/sociétal) de la victimisation ? Quand et comment passe-t-on d’une simple addition de coups au constat d’une homogénéité voire d’une orchestration ? Dans quelle mesure la raison initiale de la victimisation est parfois modifiée et même oubliée en cours de “rouste” (on ne sait plus pourquoi on frappe mais on continue l’arrossage) ? Existe-t-il des changements de statut (par exemple, une personne, d’abord tête de Turc, devient bouc émissaire) ?

II. Victimes consentantes – victimes malgré elles

Le souffre-douleur qui attire les mauvais traitements est d’emblée dans une situation de victime. Il subit de manière douloureuse, ainsi que l’expression même l’indique, l’état de fait de sa différence et de sa propre faiblesse, vécues comme des anomalies par un entourage peu tolérant. Tel est le cas de l’enfant fragile, soumis aux tracasseries de ses camarades d’école, de la personne de couleur en proie aux malveillances du « petit blanc », de l’handicapé, physique ou mental, si souvent raillé autrefois, de l’animal familier confronté à des sévices physiques, à la mesure des insatisfactions de son maître. Le souffre-douleur constitue en effet un « terrain » de défoulement pour les médiocres qui, faute de pouvoir surmonter leurs frustrations, s’en prennent à plus faibles qu’eux, voyant en celui-ci le miroir déformé d’eux mêmes.

Le souffre-douleur, qui subit les attaques d’autrui en dépit de sa volonté est une victime « malgré elle ». Il ne se rebelle pas. Néanmoins, et en ce sens on peut le considérer comme une victime consentante, son attitude introvertie, allant jusqu’à l’enferment farouche et sauvage, semble autoriser la récidive du persécuteur. Dans une situation de doute entre le sentiment d’avoir fait mouche et celui de n’avoir pas de prise sur son « adversaire », celui-ci agacé, énervé, est enclin à se complaire dans sa méchanceté et même à accentuer son acharnement.

Le souffre-douleur est une victime consentante, quand il entretient la non communicabilité et peut transformer son agresseur en tortionnaire, dans un processus de masochisme et de martyrologie. Le mutisme de Poil de Carotte, en revanche, est sur ce point ambigu, car il est conçu par Jules Renard comme une arme de subversion.

Nous ne trouvons pas à première vue la même connotation de faiblesse dans la formule « Tête de Turc » qui sous-entend résistance et autorité. Ne dit-on pas, par ailleurs, « Fort comme un Turc » ? Les personnages en butte aux quolibets sont le plus souvent des adultes, personnifiant une institution (critique, professeur) ou une catégorie sociale en vue. Ils ont même, à l’occasion, une personnalité hors du commun qui, parce qu’elle force l’attention de la collectivité, prête le flan à la critique (Sarcey, Victor Hugo, Zola).

À cet égard, la « Tête de Turc » qui évoque les effigies des baraques foraines sur lesquelles sont lancés des projectiles, et le contrepoint du portrait-charge, réservé aux « Gloires ». N’est pas « Tête de Turc » qui veut….

Or, le personnage visé est bien souvent complice dans l’exploitation satirique des différences et de la création de la « Cible » : ingénuité voulue ou feinte, sens du théâtre (cf. les peintres Bouguereau, le Douanier Rousseau, le critique Sarcey).

La « Tête de Turc » est dans une large mesure de clown qui entend rester maître du jeu, en faisant croire qu’il est dupe. Il est une victime, car il subit une dévalorisation qu’il n’a sans doute pas souhaitée à l’origine, dont il souffre peut être dans son for intérieur. Mais il entend contrôler cette dépréciation par la stratégie de la surenchère et du détournement, dirigeant les attaques sur le double de lui-même.

Loin de craindre l’extraversion, il en devient le maître. C’est là une forme de protection. Victime consentante, il alimente malgré tout un jeu qui, à la longue peut se révéler systématique et cruel. Tout comme le souffre-douleur, dont la carapace cache aux yeux du monde la véritable personnalité, la « Tête de Turc » est confrontée aux dangers de la dissimulation et du mystère. Dans le faux semblant du dédoublement, elle se retrouve face à la perte de repères d’un public ébranlé dans son assurance de bien-pensant.

III. Techniques – Stratégies – Procédés

Faire d’une personne ou d’un groupe un souffre-douleur, un bouc émissaire ou une tête de Turc présuppose de la part des acteurs une stratégie particulière et le recours à différentes techniques visant à mettre le doigt sur les défauts ou déficiences jugés patents ou présentés comme tels. Il convient donc de tenter de repérer toutes les techniques mises en œuvre lorsque se réalisent de tels rapports humains inégalitaires.

On peut penser par exemple, lorsqu’il s’agit de déterminer ou définir la « victime », aux procédés d’accentuation, de stéréotypisation, de simplification manichéenne ou d’itération. On peut songer d’autre part, lorsque l’acteur ou le chroniqueur tente d’emporter l’adhésion du spectateur ou du lecteur, au recours à des situations ou des discours empreints d’affectivité, dans lesquels comique (humour, ironie, satire) ou tragique vont jouer un rôle primordial en fonction des situations, des cas de figure et de l’intention de la personne qui agit ou qui relate les actes. Quelles techniques sont ainsi utilisées avec le personnage de Guignol ? Comment Jules Renard parvient-il à évoquer la situation de Poil de Carotte ? Comment Cendrillon est-elle présentée ? Que penser du parapluie dont fut affublé Laurent Fabius durant un temps ? Dans ce dernier cas, comme dans bien d’autres, il est également nécessaire de se pencher sur les (éventuelles) stratégies de défense adoptées par la « victime ».

C’est à ce genre de questions, qui prennent naissance dans des domaines forts divers,  que nous vous invitons à réfléchir, l’objectif étant de déterminer si les stratégies divergent beaucoup en fonction du contexte.

IV. Effets sociaux

La caricature, le dessin de presse, la bande dessinée font rire en croquant des « sales gueules » et des « abominables bobines », mais suscitent aussi d’autres émotions et réactions. Sans doutes les dessinateurs, à travers leurs productions artistiques, jouent un autre rôle. Il leur est dévolu de dénoncer des travers de la société, des injustices criantes, des scandales trop vite étouffés. Pour cela, boucs émissaires, têtes de turcs et souffre-douleur sont tour à tour au centre d’oeuvres plastiques très différentes. Dans cette perspective, un des premiers effets sociaux escomptés est celui de la mobilisation. En dénonçant le patronat qui ne songe qu’à s’empiffrer, le dessin conforte une vision du monde et resserre les rangs des lecteurs qui la partagent. La dénonciation se transforme parfois en indignation. Il convient alors de réagir à l’actualité politique. A la Belle Époque, les guerres coloniales et les massacres transforment les va t’en guerre en têtes de Turcs. Le roi des Belges devient l’objet de multiples caricatures. Reste à faire l’inventaire des sujets qui suscitent l’indignation, appartenant au registre du jugement et de l’émotion, et des personnages transformés totalement ou partiellement en têtes de turc.

De très nombreux boucs émissaires sont présentés à la curiosité du public. Mais, au-delà des figures et des personnalités brocardées, la caricature, dans bien des cas,  semble délivrer un message : les boucs émissaires assurent la cohésion des groupes et des sociétés. Dans L’Assiette au Beurre, une vignette, dont on peut faire de multiples lectures, montre une fille-mère chassée d’un village par toute une communauté, curé en tête, paroissiens derrière, et au première plan des oies menaçantes, doubles du desservant. La fille-mère est celle qui a fauté et qui soude ainsi la communauté villageoise, ses habitants et ses représentations du monde social. Comme dans l’ancienne fête juive des Expiations où un bouc était conduit aux confins du dessert et « chassé au milieu des cris de tout le peuple ». Il conviendrait de repérer et d’analyser les diverses scènes dans lesquelles un  bouc émissaire joue le rôle de « ciment social ».

Enfin, le souffre douleur mis en image répond à d’autres logiques. Il s’agit sans doute de révéler des situations souvent effroyables ou scandaleuses. Tandis que la tête de Turc est fréquemment présentée comme un bourreau ou un coupable, le souffre-douleur est lui une victime. Toutefois, à la Belle Époque, le souffre-douleur est souvent une victime inattendue, pitoyable et sans défense. Appartiennent à cette catégorie : les animaux. Dans la presse satirique, des scènes représentent des cochers et leur brutalité légendaire, des chiens noyés par des enfants cruels, des animaux de ferme tués à la tâche. Dans le domaine des mœurs, des mères maquerelles sont régulièrement dénoncées, deviennent des têtes de Turcs tandis que les fillettes ou les jeunes filles apparaissent comme des souffre douleur. Tout se passe comme si on pouvait grossir le trait ou en rire, mais que l’on était impuissant à changer les choses. Sans doute, les dessinateurs ont-ils donné aux boucs émissaires, aux têtes de Turcs et aux souffre-douleur d’autres fonctions qu’il conviendra de recenser et d’étudier.

Il est attendu des contributions d’environ 25 000 signes. Les propositions de contributions accompagnées d’un descriptif d’une demi-page à une page (comprenant adresses postale et électronique, fonctions, rattachement institutionnel) sont à envoyer conjointement à :

  • solange.vernois@wanadoo.fr;
  • chauvaud.frederic@wanadoo.fr;
  • christian.moncelet.editionsbof@wanadoo.fr;
  • jean-claude.gardes@univ-brest.fr

Date limite de réception des projets : 5 mai 2010

Notification d’acceptation aux auteurs après examen : fin juin 2010-03-06

  • Gardes Jean-Claude
    courriel : gardes (at) univ-brest [point] fr

    19, rue Sainte-Beuve
    29 200 Brest
  • Chauvaud Frédéric
    courriel : chauvaud [point] frederic (at) wanadoo [point] fr
  • Benoît Berthou

    Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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    Université d’été de l’institut international Charles Perrault

    L’institut Charles Perrault, qui a pour mission d’étudier et de présenter les enjeux de la littérature de jeunesse comme précisé sur son site, organise les 30 juin et 1er juillet 2010 sa sixième université d’été. Elle se tiendra à Eaubonne (95) et sera consacrée au thème : ” La littérature de jeunesse à la scène et à l’écran”. Le bulletin d’inscription est disponible sur le site de l’Institut et nous reproduisons ici la présentation de ces journées.

    Cette université d’été 2010 se concentrera sur l’adaptation de la littérature pour la jeunesse au sens large (album, roman, BD, conte) au théâtre et au cinéma. Au-delà du constat du succès parfois phénoménal des adaptations contemporaines, il s’agira d’en étudier les ressorts, les mécanismes et les enjeux, en s’appuyant sur l’analyse de multiples cas de figure.

    L’université d’été a pour vocation de concilier la découverte des œuvres pour la jeunesse par le biais de rencontres et d’animations avec auteurs, illustrateurs et artistes, et leur analyse, proposée par des spécialistes et des universitaires. Tables rondes, cartes blanches, entretiens croisés, ateliers et projections seront l’occasion de rencontrer, parmi beaucoup d’autres : Anne-Marie Garat, Bruno Castan, Betty Bone, Géraldine Alibeu, Nicolas Bianco-Levrin, les Studios Folimage…, d’explorer les univers de Moumine, du Petit Claus et du Grand Claus de Pierre Prévert, de la fantasy anglo-saxonne ou de Belle des eaux à la scène…

    Vous trouverez ici le bulletin d’inscription:

    Bulletin Inscription Univ 2010-1

    Information transmise par Virginie Douglas et Sophie Cornu, pour l’équipe d’organisation

    Tél : 00 33 (0)1 34 16 36 88
    Communication.iicp@club-internet.fr

    Le livre dans le livre : représentations, figurations, significations

    La revue électronique Mémoires du livre consacre son quatrième numéro au “livre dans le livre : représentations, figurations, significations”.  Contactés, les organisateurs se disent extrêmement intéressés par des propositions s’appuyant sur un corpus de bande dessinée, et la chose nous semble d’autant plus intéressante que le thème est peu traité, mais fort riche. Il est en effet possible de trouver”une bande dessinée dans la bande dessinée” tant à travers des procédés de mise en abyme (pensons au Watchmen d’Alan Moore, oeuvre dans laquelle la représentation d’un jeune lecteur vient structurer l’ouvrage), qu’à travers une réflexion sur le statut et le labeur de l’auteur (comme, par exemple, dans Livret de phamille de Jean-Christophe Menu) ou encore de l’éditeur (La Véritable histoire de Futuropolis de Florence Cestac). Signalons enfin qu’un intéressant article, développant une thèse originale, est directement consacré au sujet : “Le complexe de Byblos” d’Aurélien Pigeat, publié dans l’ouvrage Ecrire la bibliothèque. Nous reproduisons ci-après l’appel à communication dont la date limite est fixée au 30 avril 2010.

    Le livre dans le livre : représentations, figurations, significations

    Date limite : 30 avril 2010


    La figure de l’écrivain dans la fiction a fait l’objet de plusieurs études dans les dernières décennies. Toutes posent à leur manière la question soulevée par André Belleau dans Le romancier fictif, paru en 1980 : « un personnage, du fait qu’il est écrivain, jouit-il d’un statut particulier dans l’histoire ? » Cette interrogation amorce la réflexion que nous souhaitons élargir à tous les métiers du livre. En effet, qu’en est-il des représentations de tous ces médiateurs – critique, éditeur, traducteur, libraire, agent, illustrateur, pour n’en nommer que quelques-uns – qui contribuent à mettre au monde, à faire passer et à légitimer le livre ? Autrement dit, comment s’organise, dans l’économie même de l’oeuvre, la référence aux acteurs du « petit monde du livre », tel que le nomment Lucien Febvre et Henri-Jean Martin dans L’apparition du livre en 1958 ? Et que dire de l’objet-livre lui-même, dont les multiples occurrences dans la fiction témoignent du rôle qu’il joue dans l’univers social, réel ou fictif ?

    Ce numéro de Mémoires du livre / Studies in Book Culture vise à examiner comment se déploient le livre et les métiers du livre dans les oeuvres fictionnelles (poésie, roman, théâtre, chanson), toutes époques et tous corpus confondus. Les articles pourront relever de l’histoire du livre et de l’édition, de la sociologie du littéraire ou encore de la sociocritique, mais privilégieront un questionnement méthodologique ouvert. Parmi les sujets qui pourront être abordés : le statut des médiateurs fictifs diffère-t-il en fonction du degré de légitimation de l’oeuvre ? Comment les figures de l’éditeur et du libraire évoluent-elles au fil des transformations du champ littéraire et du capitalisme d’édition ? En quoi les mises en fiction du livre témoignent-elles de l’avènement des nouvelles technologies? La chanson reproduit-elle ce mythe de l’écrivain-génie inspiré, comme c’est souvent le cas en littérature ? Le livre est-il investi de sens particuliers selon le médium utilisé ? Quelles différences peut-on observer entre fiction et autofiction à cet égard ? Que nous apprennent les personnages du libraire et du bibliothécaire sur la société intratextuelle ? Dans la fiction, le critique littéraire est-il condamné à la dévalorisation ? Et qu’en est-il de ces métiers du livre aujourd’hui disparus – enlumineur, copiste, etc. –, tels que représentés dans Le nom de la rose d’Umberto Eco ?

    Les propositions d’articles, d’une vingtaine de lignes, devront parvenir avant le 1er mai 2010 par courriel à Caroline Paquette (Caroline.Paquette3@USherbrooke.ca), qui codirige ce numéro thématique avec Anthony Glinoer (Université de Toronto). Après évaluation par le comité de rédaction, une réponse sera donnée pour le 15 mai 2010. Les articles dont la proposition aura été acceptée devront être rendus pour le 15 octobre 2010. Ils seront alors soumis au comité de lecture, qui rendra un avis. La version définitive des textes sera à envoyer pour le 15 janvier 2011, la publication du dossier étant prévue pour le printemps 2011.

    Benoît Berthou

    Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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    Circulations, transferts et adaptations dans la bande dessinée

    Le groupe de travail “Pour une histoire culturelle de la bande dessinée”, appartenant au Centre d’Histoire Culturelle des Sociétés Contemporaines, organise le mardi 18 mai un atelier de travail consacré aux “circulations, transferts et adaptations dans la bande dessinée”. L’événement, organisé par Caroline Moine ainsi que par notre collègue Sylvain Lesage, aura lieu à l’université Versailles-Saint-Quentin, et nous reproduisons ici le programme de la manifestation.

    Atelier de travail

    Atelier organisé par le groupe de travail « Pour une histoire culturelle de la bande dessinée » du Centre d’histoire culturelle des sociétés contemporaines de l’Université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines.

    Circulations, transferts et adaptations dans la bande dessinée

    UVSQ, Guyancourt, mardi 18 mai 2010

    Lieu

    Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines, UFR SSH, 47 bd Vauban, 78047 Guyancourt

    Salle 524, 5e étage

    Présentation

    Ce nouveau groupe de travail du CHCSC souhaite offrir un lieu de discussion et d’échange à tous les chercheurs intéressés par l’histoire culturelle de la bande dessinée. Celle-ci est encore largement à construire. Si sociologues, littéraires et sémiologues se sont appropriés le champ, les historiens sont encore relativement rares ; surtout, ils sont isolés, et cette initiative cherche donc à faire se rencontrer ces différents chercheurs, confirmés et débutants, pour que soient dégagés axes de recherches et perspectives communes.

    L’angle choisi pour cette première rencontre est la question des « Circulations, transferts et adaptations dans la bande dessinée ». Dès l’“invention” de la bande dessinée par le Suisse Rodolphe Töpffer, et jusqu’à aujourd’hui, ces phénomènes de circulations et d’adaptations sont incessants et influent fortement sur la bande dessinée, de sa production à sa réception en passant par sa réalisation. Ils sont cependant encore mal connus, malgré notamment les travaux pionniers portant sur l’américanisation de la bande dessinée française. Lors de cet atelier, ces phénomènes seront appréhendés à différentes échelles : d’un pays à l’autre, d’un format à l’autre, d’un média à l’autre…

    Il s’agira de présenter des études portant sur des corpus clairement définis, à partir d’archives, et s’interrogeant sur les points suivants :

    -les acteurs et médiateurs au sein de ces processus de circulations et d’adaptations

    -les multiples formes de ces circulations et adaptations, selon les échelles étudiées

    -leurs évolutions dans le temps

    Conformément aux orientations du Centre d’histoire culturelle des sociétés contemporaines, cet atelier est ouvert à une approche interdisciplinaire de la bande dessinée, même si l’accent sera mis sur une perspective diachronique.

    Programme

    14 h00-15h30 :

    Accueil et présentation du groupe de travail

    Présidence de séance : Pascal Ory (Université Paris I)

    Discutant: Sylvain Lesage (UVSQ)

    Jacques Dürrenmatt (Université Toulouse-le Mirail) : La bande dessinée a-t-elle besoin de chapitres ?

    Julien Baudry (Ecole des Chartes) : L’intégration d’Alain Saint-Ogan dans l’univers médiatique de l’enfance (1925-1940)

    15h30 Pause

    15h45-17h30.

    Présidence de séance : Caroline Moine (UVSQ)

    Discutant: Benoit Berthou (Université Paris XIII)

    Jean-Paul Gabilliet (Université Bordeaux 3) : La (non-)réception de Tintin et Astérix sur le marché nord-américain ?

    Julien Boone (Université Lille-II) : Des conséquences d’un double transfert : l’influence de la réception états-unienne sur la production des Schtroumpfs

    Vivien Bessières (Université Toulouse-le Mirail) : Circulation du péplum : du cinéma à la bande dessinée

    Conclusions et perspectives

    Organisateurs:

    Sylvain Lesage (CHCSC/UVSQ) et Caroline Moine (CHCSC/UVSQ)

    Contact :

    lesage.sylvain@gmail.com

    Lien:

    http://www.chcsc.uvsq.fr

    Benoît Berthou

    Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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