Nationalisme et bande dessinée

Au sein de l’un des articles que nous avons publié sur Comicalités, le regretté Thierry Crépin (à qui la Cité de la Bande Dessinée et de l’Image rend un hommage sur son site) posait clairement la question de la place du nationalisme en bande dessinée. Ce texte s’intéresse à l’action du Syndicat de Dessinateur de Journaux (devenu le Syndicat de Dessinateur de Journaux pour Enfants après la Seconde Guerre Mondiale) dont l’action s’inscrit clairement dans une optique nationaliste : « Soucieux de garantir le plein emploi et des salaires convenables à ses confrères, il cherche tout d’abord à les protéger de la concurrence étrangère accusée de presque tous les maux de la profession » (§8).

Comme le montre Thierry Crépin, ce combat n’est pas d’ordre idéologique : « aucune considération d’opinion politique » (§6) ne vient animer le SDJE, et son initiateur, Auguste Liquois, poursuit un sinueux périple politique passant de la collaboration au communisme. Il s’agit plutôt d’affirmer « une identité professionnelle forte » (§5) et d’améliorer des conditions de travail : « Liquois pense posséder une occasion unique d’offrir à la profession une sécurité et des avantages sociaux dont elle n’a jamais joui, dans un climat de reconstruction du pays favorable à ce genre d’initiative » (§7). Si nationalisme il y a, celui-ci doit donc être interprété à l’aune d’un corporatisme : il s’agit de faire reconnaître et de défendre une profession à travers la création d’un prix littéraire (« Le grand prix de l’image française ») et d’un label (une cocotte en papier renfermant la mention « dessin français », voir §8).

Cette analyse pose de nombreuses questions qu’il serait intéressant d’étudier à travers d’autres articles portant par exemple sur l’étude des institutions présidant à la destinée de l’art graphique et de la bande dessinée européenne. On peut en effet se demander si le « nationalisme » que défend Auguste Liquois n’est pas encore d’actualité. Comme le fait remarquer  Xavier Guilbert, dans un autre article publié sur Comicalités (« La légitimation en devenir de la bande dessinée »), Moebius avait en 2006 évoqué les mangas sur le mode de la « survie culturelle » : dans le journal Le Soir, l’auteur de L’Incal appelait les pouvoir publics à « allumer des contre-feux » et à étudier des « mécanismes de protection, une sorte d’exception culturelle en faveur de la BD » (§33), prolongeant ainsi les propos d’un article de Pascal Lardellier dans Le Monde diplomatique en 1996 (§34).

Il serait ainsi intéressant d’explorer plus avant les tenants et aboutissants de cette position afin de se demander les différentes formes que prend semblable « nationalisme » au sein de l’histoire de la bande dessinée. Il serait également possible de le considérer au regard de la chaîne du livre en son entier car il n’est en effet pas évident qu’il soit également partagé par tous les métiers. Ainsi que le montre Jean-Yves Mollier[1], la publication de littérature étrangère fut le vecteur d’un renouvellement certain et des éditeurs naissant purent développer un catalogue en s’inscrivant dans des territoires créatifs délaissés par des maisons plus grandes. Le cas du manga est à cet égard similaire : Pika, Asuka ou Tonkam, nés comme des maisons indépendantes avant d’être rachetés par des acteurs du secteur plus argentés, ont également capitalisé sur l’arrivée d’un nouveau genre de bande dessinée. Nul doute que ce qui est présenté par certains acteurs comme un danger puisse également être vu comme une opportunité par d’autres opérateurs du secteur…


[1] Par exemple dans MOLLIER, Jean-Yves. « Actes Sud et la revanche des régions ». In MOLLIER, Jean-Yves (dir.). Où va e livre ? Paris : La Dispute, collection « État des lieux », 2002, p. 141-154 (et en particulier la p. 149).

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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L’auteur : clé de la légitimité de la bande dessinée ?

Quel est le mode de circulation de la bande dessinée au sein des différents contextes culturels et nationaux caractérisant notre monde contemporain ? Telle est la question que me suggère l’un des derniers articles publié sur Comicalités : un texte de Xavier Guilbert intitulé « Le manga et son histoire vus de France : entre idées reçues et approximations ». Celui-ci s’intéresse à un ensemble d’ouvrages (« de l’opuscule au dictionnaire en passant par la monographie ») publiés en France entre 1996 et juin 2010 afin de mettre en évidence des parti-pris par exemple sensibles dans l’approche biographique.

Le cas du traitement de Tezuka Osamu est à cet égard éclairant : qualifié de « mythe envahissant », le père d’Astro Boy occulte ainsi d’autres auteurs pourtant digne d’intérêt (voir §6-16) et semble finalement appauvrir la perception du manga en son entier. On peut en effet se demander si cet état de fait n’est pas au fondement de la perception du manga comme une « industrie fantasmée », pour reprendre les termes de Xavier Guilbert, c’est-à-dire un système éditorial utilisant du « mauvais papier », ne faisant montre d’aucune « pitié » en cas de « mauvaise performance [d’une série] dans les enquêtes de lecteur » et imposant aux créateurs une « productivité surhumaine » (voir §29). Bref : à en croire ces études, le manga aurait un seul auteur et serait animé par un ensemble d’employés au service d’énormes machines de publication (les chiffres de vente d’un magazine comme Shonen Jump étant largement biaisés : voir § 34).

Ces analyses posent clairement la question du sérieux de ces ouvrages (quelle documentation, quelles références, quelles techniques d’enquête ? Toutes ces questions restent en suspens), mais nous invitent surtout à formuler une multitude d’interrogations qui pourraient donner lieu à des articles que je serai enchanté de publier (les textes de Comicalités ayant vocation à… susciter des vocations). Il serait par exemple possible de s’interroger sur le statut de l’auteur dans le processus de réception (voire de légitimation) de la bande dessinée : après tout, Tezuka n’occupe-t-il pas dans les publications françaises une place comparable à celle que l’on attribue à Hergé dans celles d’autres pays ? Ce n’est là qu’une question, à laquelle je ne saurai répondre, mais elle me semble poser un problème à propos duquel il y a lieu de chercher plus avant : l’auteur n’est-il pas le principal vecteur de la légitimation d’un mode d’expression, c’est-à-dire le meilleur représentant d’une bande dessinée cherchant à faire reconnaître ses productions et son mode de création ?

Telle est l’une des pistes de réflexions qu’évoque en filigrane l’autre texte de Xavier Guilbert que nous avons publié dans Comicalités : « La légitimation en devenir de la bande dessinée ». S’intéressant à la question des prix décernés au festival d’Angoulême, celui-ci fait en effet brièvement remarquer (§68) que ceux-ci se voient attribués des noms « symboliquement chargés » : aux Alfred (évoquant directement le manchot de Zig et Puce) succèdent les Alph’art (relevant de « la figure largement reconnue d’Hergé ») puis les Fauves (dessinés par Lewis Trondheim). Festival cherche auteur, pourrions-nous résumer, et force est de constater que la bande dessinée s’écarte ici radicalement d’autres modes d’expression : les Goncourt, Renaudot ou Femina chers à la littérature se réfèrent à des académies plus qu’à des producteurs, alors que le prix Hugo cher à la Science Fiction fait référence à un éditeur (Hugo Gernsback, fondateur d’Amazing Stories). Bref : la question est posée et il reste à confirmer ou informer cette hypothèse qui pourrait peut-être nous inviter à reconsidérer la « post-légitimité » qu’évoque Éric Maigret dans le dernier ouvrage qu’il a dirigé (La bande dessinée : une médiaculture, à paraître chez Armand Colin le 22 février).

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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L’Allemagne : quelle(s) image(s)?


Après « La bande dessinée : un art sans mémoire ? » et « Représenter l’auteur de bande dessinée » (qui sont, nous vous le rappelons, toujours valables: voir ici), Comicalités. Études de culture graphique lance aujourd’hui son troisième appel à communication intitulé « L’Allemagne : quelle(s) image(s) ? ». La date limite est fixée au 1er mars prochain.

 

L’Allemagne : quelle(s) image(s) ?

“Thématique” dirigée par Marc Hieronimus

Deuxième pays exportateur dans le monde, quatrième puissance économique, et le pays le plus peuplé de l’Union européenne, l’Allemagne peut être vue comme le pays du livre : lors des foires du livre de Francfort et de Leipzig, quelque 94000 nouvelles parutions ou rééditions sont présentés chaque année, dont presque 3000 bandes dessinées.

Décrit comme le pays de la musique et de l’hospitalité, des poètes et des penseurs (Dichter und Denker), comme celui des juges et des bourreaux (Richter und Henker), l’Allemagne d’aujourd’hui est le pays des idées, lit-on. Sa société, pour un moment “la plus heureuse du monde”, se caractérise par le pluralisme des modes de vie et une grande diversité ethnique et culturelle.

Tous les faits et clichés portent à croire que le pays de Wilhelm Busch se range également parmi les « grandes puissances » du neuvième art et que celui-ci est un de ses modes d’expression de prédilection. On connaît certainement Ralf König, peut-être l’humoriste Walter Moers ou le « prix de l’audace » 2010 du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême (Jens Harder), et tout le monde a déjà feuilleté un tome d’une série lambda dont le héro a une mission en Allemagne… Autrement dit : on ne sait rien de l’Allemagne et de la bande dessinée !

Pourtant, il existe une recherche sur la bande dessinée : des magazines spécialisés tels Comixene ou Comic ! Jahrbuch, les travaux de la société pour la recherche en bande-dessinée Comfor, des portails comme Deutscher Comicguide ou la bibliographie spécialisée de l’université de Bonn montrent bien l’intérêt croissant des universitaires, et ce même si les œuvres scientifiques d’une portée internationale restent l’exception.

C’est pourquoi nous lançons aujourd’hui un appel à communication intitulé « L’Allemagne : quelle(s) image(s) ? » : nous espérons recevoir des articles s’inscrivant dans l’une des trois problématiques suivantes.

 

1.Quel système éditorial pour la bande dessinée allemande ?

– Il serait intéressant d’analyser les tendances du marché et les caractéristiques économiques de la production de bande dessinée en langue allemande à travers l’analyse d’indicateurs (nombre de titres, volumes de vente…) et des comparaisons avec la France ou d’autres pays…

– La production de bande dessinée en langue allemande pourrait également être étudiée en se focalisant sur la diversité des genres (place de la « franco-belge », du manga, des comics ?), la structuration de l’offre (collections, séries ?), la typologie des différents éditeurs (« indépendants », « groupes éditoriaux » ?)…

– Les publics allemands de la bande dessinée pourraient être étudiés, que ce soit en terme de structuration du lectorat (répartition par âge, par classes sociales ?), de pratiques de lecture (fréquence, genres préférés ?), de diversité de modes d’acquisition (achats occasionnels, collection ?)…

– Les processus de traduction de bandes dessinées posent nombre de problèmes, à commencer par celui des pays-sources (USA, Japon, France ?), des traducteurs (formation, rémunération) et des modes de diffusion (remontage ou respect du format original, place de l’album ?)…

– Il en est de même du mode de diffusion, de commercialisation et de médiation : la place de la bande dessinée en librairie, sa présentation en bibliothèque, ses dispositifs de médiation (expositions, rencontres avec les auteurs, festivals ?), le discours des médias et/ou des intellectuels autour de la bande dessinée (et en particulier l’état de la critique) restent à expliciter.

– La situation des auteurs pourrait également faire l’objet d’une étude : quid de leur formation (école d’art, université?), de leur mode de publication (à l’étranger, en Allemagne ?), de leurs conditions de travail et de rémunération ainsi que de leur statut social ?

 

2.Allemagne et culture graphique

– L’identité de la bande dessinée allemande reste à cerner. Il serait sans doute intéressant de tenter une approche stylistique (graphisme et scénario) des productions allemandes, et de s’interroger sur les influences étrangères afin de questionner l’existence d’une « école allemande » de bande dessinée.

– L’existence d’une tradition graphique propre à l’Allemagne pourraient faire l’objet d’un ou plusieurs articles, notamment pour déterminer quelles filiations, influences, proximités il est possible d’observer entre les actuelles propositions de bandes dessinées et la place de l’image narrative dans la presse imprimée et le livre (caricature, dessins de publicité, récit de guerre (« Kriegsbilderbogen »).

– Le rôle pédagogique de l’image imprimée en Allemagne reste de même à expliciter : des travaux pourraient porter sur la place de la bande dessinée (voire de l’image dessinée) dans le système éducatif (en Allemagne ou pour l’étude de la langue allemande) ainsi que sur les techniques d’analyse et d’étude de la bande dessinée (par exemple à travers une comparaison avec d’autres pays européens).

 

3. L’Allemagne dans la bande dessinée

– La représentation de l’Allemagne et des Allemands pose nombre de problèmes, et il serait intéressant de développer une approche critique des sujets et lieux fétiches de la bande dessinée (par exemple, qu’est-ce que Berlin pour les auteurs : la capitale de l’Empire, celle de la république de Weimar, « Germania », la ville divisée puis réunifié, la capitale de la musique électro, etc. ?)

– L’évocation de l’histoire allemande dans la bande dessinée reste également à faire, notamment en s’interrogeant sur les époques ou événements du XXe siècle et des siècles précédents qui ont inspiré les auteurs ou les éditeurs : quelques tentatives d’explication et d’approche esthétique (styles graphiques, procédés narratifs) seraient les bienvenus…

– Les années 1933-1945 ne constituent-elles pas la principale toile de fond de l’histoire allemande en bandes dessinées ? Il serait intéressant d’étudier les caractéristiques de la production centrée sur la période, la diversité des approches (polar, humour ?) et l’évolution de son traitement (comment la représentation de cette histoire difficile a-t-elle changée depuis La bête est morte ?).

– L’analyse des « clichés » de l’Allemagne en bande dessinée pose également nombre de questions : qu’est-ce qui est typique de l’Allemand et de son pays ? Ne retrouve-t-on pas des procédés proches de la caricature (le casque à pointe dans Astérix chez les Goths, les crypto-allemands ou les « germanomorphes » dans QRN sur Bretzelburg de Franquin) ?

 

Le présent appel à communication est ouvert à tous les chercheurs, quel que soit leur statut (universitaire ou non) et leur origine (même si nous ne pouvons publier que des textes écrits en français ou en anglais). Nous les invitons à nous répondre en nous soumettant deux documents :

 

– Une fiche signalétique prenant la forme d’un court Curriculum Vitae exposant les axes de recherche du candidat.

– Un texte anonyme de 3000 signes espaces compris, présenté sans aucun enrichissement autre que l’italique ou le caractère gras, et adoptant une présentation standardisée (Times New Roman 12 pts pour le corps de texte, 10 pts pour les notes, aucun alinéa ou retrait de paragraphe, interligne 1,5).

 

La proposition sera évaluée de façon anonyme par deux membres du comité scientifique de la revue : son acceptation vaudra encouragement et suggestions quant à un article d’une taille comprise entre 25000 et 50000 signes espaces compris. Elle doit nous parvenir aux adresses électroniques suivantes avant le 1er mars 2012.

 

Marc Hieronimus, responsable de la « thématique »

marc.hieronimus@u-picardie.fr

Benoît Berthou, directeur de Comicalités.

ben.berthou@orange.fr

 

 

Pour plus d’information :

http://comicalites.revues.org/

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Les discours sur la bande dessinée

Les Carnets de la bande dessinée entendent désormais prolonger les articles publiés par Comicalités : ces billets ont vocation à susciter de nouveaux textes que nous serons enchantés de publier. Revue et blog scientifique fonctionnent ainsi de concert afin de créer un espace de réflexion qui sera, nous l’espérons fructueux.

 Une revue comme Comicalités produit exclusivement un certain genre de texte (et n’entend nullement se diversifier) : longs (entre 20000 et 80000 signes espaces compris), certifiés (car évalués par au moins trois experts qui garantissent la fiabilité des informations ainsi que l’actualité et la pertinence des axes de réflexion) et diffusés au sein des réseaux de recherche (car obéissant aux réquisits intellectuels et techniques d’une publication scientifique tout en proposant un libre accès sur Internet). Les écrits que nous diffusons sont donc pleinement intégrés à une communauté (scientifique) et adoubés par l’université : mais une telle revue peut-elle pour autant faire l’économie d’une réflexion sur sa singularité vis-à-vis d’autres publications, c’est-à-dire ne pas tenter de penser ce qui la distingue d’écrits par exemple diffusés sur des sites, des blogs et d’autres dispositifs aux formes et aux ambitions fort diverses ?

Ne pas se poser cette question me semble en effet fort dérangeant : cela supposerait de faire de « recherche » ou d’ « université » des mots presque magiques qui aurait le pouvoir d’éclipser (voire de contester la légitimité) d’autres types de discours. Et semblable position me semble des plus simpliste : comment croire qu’un mode de création (quel qu’il soit) puisse vivre, se développer et être explicité grâce à une seule forme de textes ? On peut penser à l’inverse que son inscription dans tous types de dispositifs de communication favorise un enracinement certain au sein de nos pratiques culturelles. Et il y a dès lors tout lieu de se féliciter du fait que la bande dessinée puisse être appréhendée sur le mode de la conversation dans le cadre de forums (comme Bulles D’air) ou qu’elle soit l’occasion d’une véritable expression (voire d’une évaluation dans la droite lignée de la critique littéraire) dans le cadre d’une revue en ligne comme du9.

Dirigeant Comicalités, je ne peux que me réjouir de cette pluralité de discours et plus encore du fait que notre revue tente de la penser. Depuis sa création, y ont en effet été publiés 4 articles qui évoquent directement certains de ces dispositifs : j’y vois comme le symbole d’une ouverture, et surtout la prometteuse exploration d’un champ de recherche qui me semble à l’heure actuelle peu exploité. La chose est évidente lorsque l’on lit, par exemple, les articles de Julien Baudry (« Saint-Ogan et les grands enfants : la place de l’œuvre d’Alain Saint-Ogan dans le discours historique de la SOCERLID ») et d’Harry Morgan (« Y’a-t-il un canon des littératures dessinées ? ») qui sont parus en octobre. Tous deux posent en effet un problème assez voisin : celui du mode de désignation d’une valeur littéraire (et ce même s’il s’agit de littérature graphique).

S’intéressant à ce processus, ces longs textes mettent en évidence le rôle prépondérant de certains acteurs : des associations d’érudits qui présentent toutes les caractéristiques des sociétés savantes nées au XVIIIe siècle. Elles semblent en effet se fixer pour mission de participer d’un partage du savoir ou de diffuser des connaissances ayant trait à la bande dessinée, et ce par plusieurs moyens dans le cas de la Société Civile d’Étude et de Recherche des Littératures Dessinées : une publication (Phœnix) ou des expositions (par exemple « 10 millions d’images, l’âge d’or de la BD » en 1965 ou, en 1966, « Burne Hogarth » et « Milton Caniff »). Cette réelle activité a indéniablement participé de la reconnaissance de la bande dessinée à une époque où celle-ci n’était pas reconnue d’utilité publique (et donc prise en charge par des institutions comme la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image).

Évoquant ces initiatives, ces deux articles soulèvent des problèmes sur lesquels il y a selon moi lieu de chercher plus avant et sont ici présentées deux pistes de travail susceptibles de déboucher sur de nouveaux articles. La première d’entre elle consisterait à interroger plus avant la spécificité de ces « sociétés savantes », et plus largement l’originalité du mode de construction d’un « savoir » propre à la bande dessinée : retracer les différentes étapes de leur évolution (l’examen des statuts de ces associations serait à cet égard intéressant), expliciter les raisons et modalités de leurs antinomies (trop souvent réduite à la seule rivalité CELEG/SOCERLID) et les comparer avec des groupes s’intéressant à d’autres formes de littératures (sentimentale, policière, de Science Fiction, de fantasy…) pourrait ainsi être extrêmement fructueux.

La seconde piste tient à la composition de ces sociétés savantes : les articles de Comicalités que j’ai cité plus haut mettent en évidence de réels besoins à ce sujet en matière de recherche. Aucune étude sérieuse n’a par exemple été consacrée aux modes de gouvernances de ces associations, ainsi qu’à l’identité de leurs membres (fondateurs ou non) dont nous ne connaissons pas précisément les itinéraires professionnels (et par exemple leurs différentes activités d’écriture). Ces précisions seraient pourtant susceptibles de permettre de compléter, voire de réviser, l’article désormais canonique de Luc Boltanski[1]. Partant du postulat que le « champ de la bande dessinée » s’est construit sur le modèle des « champs de culture savante », celui-ci adopte en effet des positions tranchées : « établir des bibliographies […] c’est se livrer sur un terrain à peu près libre de toute autorité culturelle à la même activité, stricto sensu, que l’historien de l’art ou de la littérature dans le domaine réservé de la culture légitime »[2].


[1] BOLTANSKI, Luc. « La constitution du champ de la bande dessinée » [en ligne]. Actes de la recherche en sciences sociales, volume 1, n°1, janvier 1975 (« Hiérarchie sociale des objets »), p. 37-59 [consulté le 24 octobre 2011]. DOI <10.3406/arss.1975.2448> URL <http://www.persee.fr/web/revues/home/prescript/article/arss_0335-5322_1975_num_1_1_2448>

[2] Ibid., p. 40.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Comicalités : publications

 

La revue Comicalités. Etudes de culture graphique est fière de vous annoncer ses dernières parutions « Saint-Ogan et les grands enfants : la place de l’œuvre d’Alain Saint-Ogan dans le discours historique de la SOCERLID » de Julien Baudry, « Y’a-t-il un canon des littératures dessinées ? » d’Harry Morgan et « Histoire, histoires… Blood Upon the Rose de Gerry Hunt et Louis Riel. A Comic Strip Biography de Chester Brown » de Valérie

Ces trois articles, dont nous reproduisons ci-dessous le résumé, s’inscrivent dans le cadre de notre première thématique « La bande dessinée : un art sans mémoire ? » qui s’enrichit pour l’occasion de plusieurs sous-parties. Des textes y prendront prochainement place : nous vous rappelons en effet que Comicalités est une revue en perpétuel devenir et que nos appels à communication ne sont jamais clos. Tous les abonnés des Carnets de la bande dessinée sont ainsi invités à nous proposer leurs travaux (selon des modalités que présente la rubrique « la revue ») ainsi qu’à réagir dans ces pages à ceux que nous présentons aujourd’hui.

 

Saint-Ogan et les grands enfants : la place de l’œuvre d’Alain Saint-Ogan dans le discours historique de la SOCERLID

Julien Baudry

L’analyse des travaux menés sur le dessinateur Alain Saint-Ogan (1895-1974) par la Société civile d’étude et de recherche sur les littératures dessinées (SOCERLID) durant les années 1960 et 1970 nous renseigne sur les méthodes employées par les premières sociétés d’études de bande dessinée pour élaborer l’histoire du média. En étudiant l’œuvre d’Alain Saint-Ogan les membres de la SOCERLID construisent un discours qui oscille entre érudition pré-scientifique et mythification de certaines périodes et auteurs. Poursuivant un objectif de légitimation de la bande dessinée par la réhabilitation des œuvres lues pendant leur enfance, ils font de Saint-Ogan un des pivots de leur réflexion historique jusqu’à lui attribuer la place de “père” de la bande dessinée française. Nous retracerons le cheminement d’une pensée historique encore influente dans les représentations actuelles de la bande dessinée.

 

Y’a-t-il un canon des littératures dessinées ?

Harry Morgan

La conception canonique, telle que formulée par Harold Bloom repose sur la sélection et la hiérarchisation, par des communautés de lecteurs opérant par consensus, d’œuvres possédant des vertus canoniques. Cet article examine l’échec de la formation d’un canon dans le cas des littératures dessinées. Au-delà des facteurs de contingence — stratégies argumentatives des premiers exégètes de la bande dessinée, stratégies éditoriales des éditeurs spécialisés — l’explication réside en partie dans l’étroit assujettissement des littératures dessinées à leur forme éditoriale ainsi que dans la prégnance des images découvertes dans l’enfance — l’un et l’autre empêchant le recul critique et l’établissement d’une liste commune — et, finalement dans l’impossibilité de repérer la singularité de l’œuvre canonique (étrangeté canonique).

 

Histoire, histoires… Blood Upon the Rose de Gerry Hunt et Louis Riel. A Comic Strip Biography de Chester Brown

Valérie Morisson

Dans deux bandes dessinées historiques abordant des épisodes centraux de l’histoire nationale irlandaise et manitobienne, Gerry Hunt et Chester Brown mettent en scène des héros devenus martyrs en leur pays. Leurs choix scénaristiques et graphiques sont très éloignés mais les deux auteurs se penchent sur l’exemplarité contestée des héros et revendiquent le droit de fournir aux lecteurs des points de vue audacieux sur les mythes fondateurs de la nation. La bande dessinée leur permet de s’affranchir d’une tradition historiographique nationaliste. Blood Upon the Rose et Louis Riel sont néanmoins sous-tendues par deux visions divergentes de l’histoire. La lutte pour l’indépendance est présentée soit comme le fait d’un individu soit comme un élan collectif.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Représenter l’auteur de bande dessinée

« Représenter l’auteur de bande dessinée »

Comicalités. Études de culture graphique est une revue en ligne avec comité de lecture entendant aborder la bande dessinée, et plus largement les formes de rencontre entre textes et images, selon des approches esthétiques, économiques et sociologiques. Après « La bande dessinée : un art sans mémoire ? », nous lançons aujourd’hui un nouvel appel à communication intitulé : « Représenter l’auteur de bande dessinée ».

Confondue avec son noble alter ego – l’écrivain – ou sa variante romantique – l’artiste, l’auteur est, en effet, ce complexe faux ami mis à toutes les sauces par tous ceux qui prétendent poser l’épineuse question de la création artistique. Appliqué au « mauvais genre » de la « BD », cet auteur n’en avance pas moins masqué : est-il une figure, une simple représentation de celui qui prend le crayon et signe le livre ? le sujet de l’énonciation (qui n’existe que dans l’espace de la planche) ? une représentation de soi imaginaire, voire fantasmée ? ou les trois à la fois ? et que déduire d’une telle « fonction auteur » des réalités nouvelles liées aux industries du livre et de la culture dont la BD est une incarnation ?

Cette « thématique » invite les chercheurs à s’appuyer sur des dessins représentant l’auteur de bande dessinée dans son activité créatrice, que celui-ci apparaisse dans une simple case (à l’instar d’Hergé dans Tintin ou Quick et Flupke) ou se voit accordé une place prépondérante dans le récit. Nous sommes donc ouverts à l’analyse de toutes sortes de productions que nous pouvons sommairement ranger dans plusieurs catégories.

  • Autoreprésentation lorsque l’auteur se met en scène lui-même, comme dans le cas de l’autobiographie ou de l’autofiction, selon des modalités qu’il serait intéressant d’étudier (Fabrice Neaud se représente ainsi, dans le quatrième tome de son Journal[1], sous les apparences d’un petit personnage rappelant une marionnette et contrastant avec le trait précis du reste du récit, alors que Jean-Christophe Menu semble oscille dans Livret de phamille[2] entre dessin d’après nature et caricature). On pourra notamment interroger la mise en abyme des outils et du geste de la création, ainsi que celle de l’album ou de la planche en train d’être créé(e) dans ce qui s’apparente alors à des autoportraits. Seront les bienvenues des propositions se demandant quels rapports (contestation ? imitation ? indifférence ?) entretiennent ces représentations avec les postures auctoriales littéraires et se demandant quels nouveaux modes d’apparition se construisent avec l’auteur de bande dessinée.
  • Représentation de ses pairs lorsque l’auteur semble vouloir porter un regard sur d’autres auteurs, que celui-ci soit particulièrement sarcastique (dans le cas des Mauvaises humeurs de James et la Tête X[3], voire d’Approximativement[4] de Lewis Trondheim) ou mette l’accent sur leur place au sein d’un dispositif de publication (à l’instar du Journal[5] de Serge Clerc qui relate la création de Métal Hurlant et des Humanoïdes Associés ou encore de La Véritable Histoire de Futuropolis). Le travail biographique consistant à évoquer la vie ou l’œuvre d’autres auteurs nous semble également relever de modalités qu’il nous semble très intéressant d’examiner : au parti-pris que l’on pourrait dire « critique » du McCay[6] dessiné par Bramanti et construit autour de la notion « d’attraction » chère au scénariste Thierry Smolderen, s’oppose ainsi sans doute le parti-pris « épique » de la très longue biographie consacrée à Tezuka[7]

Cette liste est très loin d’être exhaustive et nous invitons des chercheurs à la compléter par des œuvres ou des représentations d’auteurs par exemple issus de bandes dessinées japonaises ou américaines. Nous entendons, en effet, avant tout permettre le traitement le plus exhaustif possible d’une question : quelle valeur et quels enjeux recouvrent la représentation de l’auteur de bande dessinée ?

Il est en effet frappant de constater qu’une représentation de l’auteur encore complètement marginale il y a 30 ans (au sens propre, pensons aux « Hauts de page » de Yann et Conrad ou au caractère cocasse des signatures de Franquin qui s’exprimait en périphérie de la planche) est aujourd’hui extrêmement courante et nous semble pouvoir donner lieu à plusieurs approches que nous soumettons à titre d’exemples.

  • Approche éditoriale : il serait intéressant de mieux cerner (dans le temps ou l’espace) les modalités d’apparition de l’auteur de bande dessinée, autrement dit de s’interroger sur les modes de publication (collections, traductions…) des œuvres concernées ainsi que sur l’aspect structurant (au sein de la pratique du « blogging » ou encore à travers la définition du « roman graphique ») de cette pratique ;
  • Approche esthétique : il s’agit de cerner les modalités d’apparition de l’auteur, que ce soit sur le plan graphique (s’apparente-t-elle à des genres comme le portrait, la caricature ?) ou narratif (l’auteur devient-il un personnage à part entière ou est-il traité sur le mode de la référence, voire de la connivence ?)
  • Approche symbolique : elle s’interroge sur la valeur qu’acquiert cette représentation de l’auteur sur le plan des filiations (comment se réclame-t-on d’un auteur ou d’une école en bande dessinée ?) ou plus largement d’une inscription dans le champ de la littérature (en représentant un auteur de bande dessinée à côté d’écrivains ou en s’inscrivant dans un dispositif comme le pacte autobiographique). Pastiche et hommage, ou parodie et subversion des héritages, pourront notamment être examinés à l’aune de la question des filiations ou au contraire des avant-gardes dans la création artistique initiée par la bande dessinée.

Le présent appel à communication est ouvert à tous les chercheurs, quel que soit leur statut (universitaire ou non) et leur origine (même si nous ne pouvons publier que des textes écrits en français ou en anglais). Nous les invitons à nous répondre en nous soumettant deux documents :

  • Une fiche signalétique prenant la forme d’un court Curriculum Vitae exposant les axes de recherche du candidat.
  • Un texte anonyme de 3000 signes espaces compris, présenté sans aucun enrichissement autre que l’italique ou le caractère gras, et adoptant une présentation standardisée (Times New Roman 12 pts pour le corps de texte, 10 pts pour les notes, aucun alinéa ou retrait de paragraphe, interligne 1,5).

La proposition sera évaluée de façon anonyme par deux membres du comité scientifique de la revue : son acceptation vaudra encouragement et suggestions quant à un article d’une taille comprise entre 25000 et 50000 signes espaces compris.

La proposition doit parvenir avant le 1er novembre 2011 aux deux responsables de la “thématique” :

Benoît Berthou – ben.berthou@orange.fr

Sylvie Ducas – sylvie.ducas@wanadoo.fr

Bibliographie (non exhaustive et non indicative)

Ayroles François, Nouveaux moment clés de l’Histoire de la bande dessinée, Alain Beaulet Editeur, 2008.

Ayroles François, Mon Killoffer de poche, L’Association, 2006.

Baladi Alex, Encore un effort, L’Association, 2009.

Cauvin Raoul, Pauvre Lampil, Dupuis, 1977.

Cestac Florence, Comment faire de la bédé sans passer pour un pied nickelé, Dargaud, 1998.

Cestac Florence, La Véritable histoire de Futuropolis, Dargaud, 2007.

Cestac Florence, La Vie d’artiste, Dargaud, 2002.

Clerc Serge, Journal, Denoël, 2008.

Clowes Daniel, Pussey !, Rackham, 2002.

Crumb Robert, Mes problèmes avec les femmes, Cornelius, 2007.

Davodeau Etienne, L’Atelier, PMJ-Les Rêveurs, 2002.

Dupuy et Berberian, Journal d’un album, L’Association, 1994.

Eisner Will, Le Rêveur, Delcourt, 2009.

Fabcaro, La Clôture, 6 pieds sous terre, 2009.

Fromental Jean-Luc et Stanislas, Les Aventures d’Hergé, Reporter, 2007.

Gaudelette Michel, La Vie des festivals, Fluide Glacial, 2001.

Guillevic Joëlle, Le Journal de Joe Manix, Flblb, 2009.

Horrocks Dylan, Hicksville, L’Association, 2002.

James et la Tête X, Les Mauvaises humeurs, 6 pieds sous terre, 2007.

Killoffer, 676 apparitions de Killoffer, L’Association.

Larcenet Manu, Critixman, Les Rêveurs, 2006.

Long Guillaume, Comme un poisson dans l’huile, Vertige Graphic, 2002.

Malher Nicolas, L’Art selon madame Goldgruber et L’Art sans madame Golgruber, L’Association.

Matt Joe, Le Pauvre type, Delcourt, 2001.

Matt Joe, Strip-tease, Le Seuil, 2004.

Menu Jean-Christophe, Livret de phamille, L’Association, 1995.

Neaud Fabrice, Journal (4 tomes), Ego comme x.

Ohba Tsugumi, Bakuman, Kana, 2010.

Osamu Tezuka. Biographie, Casterman, 2004.

Pekar Harvey, American splendor. Lire la série éditée par Ballantine Books et traduite en Français aux éditions ça et là sous le titre de Harvey Pekar, Anthologie, volume 1.

Roosevelt José, Juanalberto Dessinator, La Boîte à bulles, 2007.

Seth, La Vie est belle malgré tout, Delcourt, 1998.

Sfar Joann, Harmonica (l’un des Carnets de Joann sfar, 9 tomes), L’Association, 2002.

Smolderen Thierry et Bramanti Jean-Philippe, McCay, Delcourt, 2004.

Spiegelman Art, Breakdowns, Casterman, 2008.

Taniguchi Jiro, Un zoo en hiver, Casterman, 2009.

Tatsumi Yoshihiro, Une vie dans les marges, Cornelius, 2011.

Trondheim Lewis, Carnets de bord, L’Association, 2002.

Trondheim Lewis, Désoeuvré, L’Association, 2005.

Yann et Léturgie Simon, Spirou dream team, Dupuis, 2011.

Zep, Le Portrait dessiné, Glénat, 2010.


[1] Fabrice Neaud, Journal (4). Les Riches heures, Ego comme x, 2002.

[2] Jean-Christophe Menu, Livret de phamille, L’Association, 2003.

[3] James et la tête X, Les mauvaises humeurs de James et la tête X, 6 pieds sous terre, 2007.

[4] Lewis Trondheim, Approximativement, Cornelius, 1995.

[5] Serge Clerc, Le Journal, Editions Denoël, 2008.

[6] Bramanti et Smolderen, McCay (4 tomes), Delcourt, 2004.

[7] Tezuka Productions, Osamu Tezuka, Casterman, coll. « Ecritures », 2004.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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