Représentations

Rafael Guijarro García et Claire Romero Pérez lancent un appel à communication pour un numéro de la revue Logosphère intitulé : « Représentations ». Le chantier est de taille car il s’agit de l’une des notions centrales de la pensée philosophique et esthétique, comme le montrent les auteurs qui la définissent comme un « lien symbolique entre le monde extérieur et le monde mental » modelant « notre rapport au réel » et s’inscrivent dans le cadre strict de la littérature. Mais, même s’il est question de « tissage de mots savamment choisis », il nous semble pertinent de poser une question : les « littératures dessinées », pour reprendre un mot d’Harry Morgan, et plus largement toutes les formes de récit imagées, n’invitent-elles pas à repenser les contours de cette notion si large ? La question n’a rien d’anecdotique et il nous semble qu’elle se pose aussi bien à propos de l’autobiographie photographique d’André Breton (Nadja) qu’à propos de L’Immense solitude de Frédéric Pajak. Dans les deux cas, il s’agit d’organiser une rencontre entre texte et image que l’on ne saurait réduire au champ de la « bande dessinée » et qui semble bien nous inviter à répondre à la question ici soulevée : « Qu’est-ce que la littérature ? » au regard de ses modalités de représentation.

Logosphère Nº 8

«Représentations»

APPEL À CONTRIBUTIONS

Date limite de réception : le 30 avril 2012

Coordonnent ce numéro:  Rafael Guijarro García (guijarro@ugr.es) – Mª Claire Romero Pérez (mcromero@ugr.es).

La notion de représentation signifie « l’action de mettre devant les yeux ou devant l’esprit de quelqu’un » (Grand Robert), c’est-à-dire « rendre présent ce qui est absent », mais également ce qui est rendu présent et ce qui remplace. Il s’agit non seulement de l’action de représenter mais aussi du résultat de cette action.

À la croisée de domaines de recherche variés (sciences humaines et sociales), la représentation est en pleine expansion. Lien symbolique entre le monde extérieur et le monde mental, elle joue un rôle primordial dans les théories cognitives puisque notre rapport au réel, la façon de le saisir et d’intervenir sur lui dépendent essentiellement de ses apparences manifestes et d’une série de processus cognitifs.

La représentation, considérée comme une entité concrète ou abstraite, donne donc forme et contenu à une autre entité réelle ou supposée réelle. Étant donné sa nature plurielle, ses manifestations recouvrent deux principaux domaines :

– Représentations immatérielles : une image mentale, l’idée que l’on se fait d’un objet, d’un concept…

– Représentations matérielles : un tableau, une sculpture, arts du spectacle (théâtre, opéra…), discours et points de vue d’autrui, littérature…

La représentation littéraire est probablement la plus ambiguë par son caractère exclusivement linguistique. L’expression représentation littéraire entraîne dans son sillage l’éternelle question, à savoir « Qu’est-ce que la littérature ? ». S’agit-il d’une représentation du monde, du réel, ou du fictif, provenant d’un tissage de mots savamment choisis ? Aux yeux de certains, la représentation littéraire est devenue un concept controversé, ce qui ne peut qu’attiser la discussion à laquelle nous vous incitons, par vos articles, à participer pour éclairer tant soit peu la propre notion, et à rejoindre par là-même d’autres représentations qui lui sont naturellement liées.

Tenant compte que toute représentation peut être individuelle ou collective/sociale (Bourdieu, Jodelet…) et s’appuyant sur le dynamisme produit par sa nature multiple, nous vous invitons à vous pencher sur les domaines qui intègrent les différentes manières de représenter.

Logosphère se trouve indexée dans les bases de données DICE, ISOC (IEDCYT), SUDOC, dans les catalogues et répertoires Latindex, CatBUA, Rebiun, Dialnet.

NORMES POUR LA PRÉSENTATION D’UN ARTICLE

Envoi

Logosphère est une revue périodique à parution annuelle qui publie essentiellement des articles de recherche en littérature et en linguistique, dans le domaine des études en langue française. Les contributions, rédigées soit en espagnol soit en français, seront supervisées par les membres du Comité Scientifique, ou par une commission d’évaluation externe si le sujet de l’article le requiert, après expertise du Comité Éditorial. Pour garantir l’anonymat, le travail sera précédé d’une page sur laquelle seront indiqués le titre de l’article, le(s) nom(s) et prénom de l’auteur ainsi que son adresse professionnelle ; facultativement, son adresse personnelle, son nº de téléphone et son courriel, qui ne seront pas publiés. À l’exception du titre, ces informations ne doivent pas figurer dans le texte de l’article. Il est prié de ne pas inclure dans le travail de références qui pourraient identifier son auteur. Les propositions d’articles, rédigées en français ou en espagnol, seront envoyées à : Dra. Montserrat Serrano Mañes. Directora de Logosphère. Departamento de Filología Francesa. Facultad de Letras. Campus Universitario de Cartuja. Universidad de Granada. 18071-GRANADA. Email: mserrano@ugr.es

Normes

Les articles sont soumis à une évaluation anonyme. Les évaluateurs ne connaissent pas le nom de l’auteur et celui-ci ignore l’identité des évaluateurs.

· Remise de l’article sur version papier et sur CD-Rom ou diskette –PC Word de préférence–, où figurera le nom de l’auteur ainsi que le titre de l’article.

· La sortie papier sera envoyée en trois exemplaires numérotés à la main. Les textes ne seront pas restitués.

· Les articles, inédits, n’excèderont pas quinze pages, bibliographie et notes incluses. Format A4. La proposition d’article sera accompagnée d’un résumé de cinq lignes (600 caractères au maximum) rédigé en espagnol, en français et en anglais, et suivi de cinq mots-clé. Ces résumés seront séparés du titre par deux lignes blanches, et du corps du texte par trois lignes blanches.

· Titre de l’article : Times New Roman, taille 18, caractères gras.

· Corpus du texte : Times New Roman, taille 12, interligne 1,5. Ne pas sauter de ligne entre les paragraphes, sauf pour marquer les grandes articulations. Marges supérieure, inférieure, droite et gauche : 2,5 cm.

· Résumés et mots-clé : taille 10, interligne simple, italique.

· Citations de plus de trois lignes :

-police Times New Roman, taille 10, interligne simple.

-à séparer du corps du texte par une ligne blanche avant et après.

-en retrait d’un centimètre.

-sans guillemets au début et à la fin.

-suivies du nom de l’auteur, la date de publication et les pages citées, entre parenthèses : (Auteur, date : pages).

· Les citations de moins de trois lignes seront présentées dans le corps du texte entre guillemets, suivies du nom de l’auteur, la date de publication et les pages citées, entre parenthèses : (Auteur, date : pages).

· Paragraphes : La première ligne de chaque paragraphe est présentée avec un retrait d’un centimètre.

· Sous-titres : Si le texte est subdivisé, on utilisera pour les sous-titres, numérotés, des caractères gras.

· L’utilisation du gras et du soulignement dans le corps du texte est à proscrire.

· Notes : Les notes en bas de page sont uniquement utilisées lorsqu’il est nécessaire d’ajouter des informations. Police Times New Roman, taille 10, interligne simple.

· Les schémas et dessins apparaîtront sur la disquette ou le CD-Rom, dans le même programme, à la fin de l’article devant la bibliographie.

· Les références bibliographiques complètes, classées par ordre alphabétique, seront fournies trois lignes après la fin de l’article. Police Times New Roman, taille 10. La date de l’édition apparaît immédiatement entre parenthèses, après le nom de l’auteur. Lorsque la référence renvoie à une édition autre que la première, la date de la première édition sera indiquée à la fin.

Exemples :

UBERSFELD, A. (1997) Lire le théâtre, Paris, Eds. Sociales, 1992.

GASTON ELDUAYEN, L. (2004) Rabelais, Madrid, Ed. Síntesis.

KÜPER, J., “The Traditional Cosmos and the new world”, Modern Language Notes, 2003, v. 118, nº 2: 363-393, The John Hopkins University Press, Baltimore.

IRELAN, S., “La voix des guerrières : les écrivaines algériennes contemporaines », in La Francophonie sans frontières : une nouvelle cartographie de l’imaginaire au féminin, L. Lequin et C. Mavrikakis, Paris, L’Harmattan 2001.

· COMPTES RENDUS.-

· Pour la présentation des comptes rendus on appliquera les mêmes que pour les articles.

· Maximum trois pages.

Adresse : Dra. Montserrat Serrano Mañes. Directora de Logosphère. Departamento de Filología Francesa. Facultad de Letras. Campus Universitario de Cartuja. Universidad de Granada. 18071-GRANADA.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Le manger et le dire. Pour une approche du discours culinaire et gastronomique

Plusieurs chercheurs de l’Université Libre de Bruxelles en partenariat avec l’Université Paris-Est Créteil Val de Marne, l’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle et l’Université Paul Verlaine-Metz lancent un appel à communication intitulé « Le manger et le dire. Pour une approche du discours culinaire et gastronomique ». Cette proposition nous invite à penser des « connaissances/savoirs/représentations/injonctions qui se déclinent dans une large gamme de genres de discours et de supports » et il serait sans aucun doute intéressant d’étudier ceux-ci en prêtant attention aux rapports entre graphisme et monde gastronomique. En effet, les représentations de cuisine ne manquent pas dans l’histoire de la bande dessinée, que ce soit sur un mode caricatural (les banquets d’Asterix, l’appétit d’Achille Talon…) ou interculturel (les différents tomes de la série Aya de Yopougon proposent ainsi scènes de repas et recettes alors qu’un manga comme Le Gourmet solitaire est entièrement construit autour des pérégrinations nippones d’un homme curieux de toutes les saveurs) et il est possible d’analyser ce corpus, qui reste bien sûr à largement compléter, au regard de quelques questions : qu’est-ce qui représente la cuisine (des ustensiles, un décor, un savoir-faire ?), quels archétypes culinaires (les bonnes tables du commissaire Bourdon de Ric Hochet sont à cet égard exemplaires…), quel rôle social de la cuisine (pensons à la ménagère du Pauvre Lampil qui semble n’avoir de créer du lien avec des petits plats…) ? La date limite est fixée au 1er mars prochain.

Le manger et le dire. Pour une approche du discours culinaire et gastronomique

Bruxelles, 20-22 septembre 2012

Organisé par l’Université Libre de Bruxelles

(Centre de Linguistique LaDisco- Département des sciences de l’information et de la communication Resic)

(en collaboration avec l’Université Paris-Est Créteil Val de Marne, L’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle et l’Université Paul Verlaine-Metz).

Contrairement à d’autres disciplines (anthropologie, histoire, sociologie), les sciences du langage se sont peu intéressées au monde gastronomique, à l’exception notable du vin, qui dispose de son propre thésaurus de vocables et de métaphores.

Pourtant, la linguistique (analyse de discours, sociolinguistique, linguistique textuelle, mais également la syntaxe et la sémantique), de même que les études sur les médias, ont leur mot à dire en ce qui concerne la construction et la circulation des discours sur le monde culinaire. Il est en effet facile de constater que toute pratique gastronomique se construit dans le discours social : stéréotypes sur les cuisines du monde, idées reçues sur les bonnes ou mauvaises habitudes alimentaires, circulation de connaissances sur les produits et les préparations, informations expertes, médicales ou populaires sur ce que nous mangeons, entre autres, trouvent une place prépondérante dans des discours historiquement et géographiquement situés. C’est un fait : on n’a jamais autant parlé de cuisine aujourd’hui à travers les revues spécialisées (Saveur, Elle cuisine) et les émissions télévisées, où le profane peut espérer devenir un chef coq (Un dîner presque parfait) ou le cuisinier débutant devenir restaurateur (Master chef).

Ces connaissances/savoirs/représentations/injonctions se déclinent dans une large gamme de genres de discours et de supports : critiques culinaires (expertes ou non) et guides (Gault et Millau, Michelin, Lemaire, Le Pudlo…), recettes de cuisine, étiquettes de produits, menus, panneaux de restaurants, etc. Ils se construisent également dans un entrecroisement de types discursifs : publicitaire, commercial, journalistique, touristique, médical, scolaire, scientifique, expert, etc.

Plus difficiles à cerner, les représentations liées à la nourriture en général et aux différentes cuisines du monde en particulier sont également du ressort des sciences du langage et des études sur les médias, dans la mesure où elles prennent place dans des discours et des supports médiatiques concrets. Dans ce foisonnement langagier lié à la nourriture et à la cuisine, ce qui interpelle le chercheur est la façon dont la langue et les discours construisent et accompagnent historiquement les pratiques culinaires. On pourra ainsi s’interroger sur (mais pas uniquement) :

  • des dénominations classifiantes : cuisine moléculaire, slow food, fast good, fast food, street food, bio (mais organic en anglais), cuisine vivante/raw food, veggan, ovo-lacto-végétarien ;
  • des dénominations géographiques : cuisine arabe, méditerranéenne, asiatique, des iles, africaine (mais pas ?cuisine européenne?étatsunienne), ou encore sauce bolognaise, milanaise, french fries/patatas fritas ;
  • des représentations gastronomiques liées à plusieurs de ces dénominations géographiques, relevant notamment d’une répartition Nord-Sud : cuisine du monde, fusion, cuisine du terroir. Les fameuses mythologies de Roland Barthes (dont celles consacrées au steak frites ou aux fiches cuisines du magazine Elle) avaient ouvert de belles perspectives de recherche sur les imaginaires bourgeois et français liés à la cuisine ;
  • le lexique de la nourriture et de la cuisine : dans une perspective descriptive monolingue ou comparatiste plurilingue (translation studies, ethnolinguistique, pragmatique lexiculturelle), avec une attention particulière pour les calques et les emprunts (churros, dulce de leche en français, cruasanes en espagnol, foie-gras en anglais ou encore le riche vocabulaire du café italien) ;
  • des phénomènes de syntaxe : grammaire des recettes de cuisine, menus de restaurants et noms de plats (« salade avec sa sauce parfumée ») ;
  • des phénomènes lexico-syntaxiques comme les collocations (café italien, vin français, viande argentine) ;
  • les genres de discours : recettes, étiquettes de boissons et d’aliments, critique culinaire, guides gastronomiques, énoncés oraux d’adresse (dans les rues très fréquentées par les touristes ou dans les panneaux des restaurants) ;
  • les discours articulant des préoccupations ou des pratiques contemporaines : manger et recevoir, la nourriture et le sport, la nourriture et la santé ;
  • des formations discursives contemporaines ou historiques : le discours du bio, végétarien, veggan, de la nourriture saine, etc. ;
  • le rôle du discours gastronomique dans la construction d’un imaginaire national ou régional : à travers la littérature, le cinéma, la publicité, le discours touristique, etc. ;
  • les nouveaux genres médiatiques qui popularisent des pratiques culinaires avant cantonnées aux milieux professionnels ;

Ces interrogations nous permettraient de mieux comprendre comment se façonnent les imaginaires culinaires à travers les lexiques, la syntaxe, la traduction, les médias et les genres de discours. Imaginaires en rapport avec le savoir vivre, la santé, le bien-être, l’identité nationale ou l’appartenance à un groupe. Toutes les approches appartenant aux sciences du langage et aux études sur les médias sont les bienvenues. Une sélection des communications sera publiée dans la revue Le discours et la langue.

Envoi des résumés à : lrosier@ulb.ac.be et lcalabre@ulb.ac.be

Calendrier :

Envoi des résumés : 1° mars 2012

Notification aux participants : 1er avril 2012

Envoi du programme définitif : 1er mai 2012

Comité d’organisation : Laurence Rosier et Laura Calabrese, Département des relations internationales ULB, Centre de Linguistique-LaDisco, Département des sciences de l’information et de la communication-Resic.

Comité scientifique : Malika Temmar (Paris XII/Céditec), Guy Achard Bayle (Université de Metz/Celted), Michelle Lecolle (Université de Metz/Celted), Sandrine Reboul-Touré(Paris IV/Cédiscor), Isabelle Meuret (ULB), Olivier Arifon (ULB), Laurence Rosier (ULB), Laura Calabrese (ULB), Anne-Rosine Delbart (ULB), Mikhaïl Kissine (ULB), Marie-Eve Damar (ULB), Dan van Raemdonck (ULB), Katia Toungouz (ULB).

Responsable : Laura Calabrese-Laurence Rosier

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Poétique de l’enfance

Kodjo Attikpoé lance un appel à communication intitulé : « Poétique de l’enfance : perspectives contemporaines ». S’inscrivant dans le cadre du 80e Congrès de l’Association Francophone pour le savoir (Acfas) qui se tiendra à Montreal les 9 et 10 mai 2012, cette proposition invite les chercheurs à interroger une notion que l’on peu penser étrangère à la bande dessinée européenne. Celle-ci semble en effet s’être construite autour d’une idée on ne peut plus vague d’une jeunesse allant « de 7 à 77 ans » (pour reprendre le célèbre slogan de Tintin), c’est-à-dire se positionnant comme un mode d’expression « tout public ». À bien des égards, la « jeunesse » est donc une notion relativement nouvelle pour le neuvième art et poser la question des « poétiques » que mobilise son invention est une véritable question : l’analyse de propositions comme Le Petit Poilu de Bailly et Frappont ou Allez Raconte de Trandheim et Parondo ou encore d’Anna et Froga d’Anouk Ricard pourrait fournir des éléments de réponse qu’il s’agira de formuler avant le 5 février prochain.

 

Poétique de l’enfance : perspectives contemporaines

Ce colloque s’inscrit dans le cadre du 80e Congrès de l’Association francophone pour le savoir (Acfas) qui se tiendra au Palais des Congrès de Montréal. Il se déroulera les 9 et 10 mai 2012.


Concept dynamique, l’enfance est souvent pensée et repensée du point de vue des adultes au point qu’elle apparaît comme une invention, une construction. Dans l’espace et dans le temps, les conceptions de l’enfance se sont sans cesse renouvelées. Aussi l’histoire de l’enfance peut-elle se décliner en termes d’histoire culturelle. Abordée dans des cadres tels que la sociologie, l’anthropologie et l’éducation, l’enfance fait également l’objet de réflexions poétiques et philosophiques, par exemple, au siècle des Lumières chez des auteurs comme Herder, Novalis, Jean Paul et Tieck. À ce sujet, on peut se référer à l’ouvrage fondamental (paru en allemand, 1989) de Hans-Heino Ewers L’enfance comme forme d’existence poétique. Études relatives à l’émergence de l’utopie romantique autour de l’enfance au XVIIIe siècle. Dans la même perspective, il est à noter que la littérature de jeunesse en Europe peut être comprise comme étant le produit de ces constructions poétiques et philosophiques de l’enfance au siècle des Lumières et du romantisme (Emer O’Sullivan, 2000).

Le contexte contemporain est marqué par de nouvelles représentations de l’enfance. Le statut de l’enfant a radicalement changé. Disposant désormais de divers droits qui le protègent et lui assurent une certaine autonomie, l’enfant devient ainsi un sujet, un acteur dans la vie sociale. En ce qui concerne la nature du véhicule de ses droits, on pourrait citer, par exemple, la Déclaration des droits de l’enfant (1959) et la Convention internationale des droits de l’enfant (1989).

L’objectif du colloque est d’examiner les enjeux poétiques et esthétiques qu’implique le nouveau statut de l’enfant dans la littérature contemporaine (jeunesse et générale) d’expression française. Les œuvres vont-elles au-delà de la réalité de l’enfance, pour en proposer par exemple une nouvelle utopie ? Il s’agira d’appréhender les stratégies d’écriture mises en oeuvre pour construire une poétique de l’enfance. On pourra étendre la réflexion au cinéma. Ce dernier porte-t-il un regard poétique sur l’enfance ?

Les communications pourront porter, sans s’y limiter, sur les axes suivants : l’imaginaire enfantin, discours et réflexions d’ordre théorique et philosophique, l’enfance heureuse, l’enfance comme utopie, l’enfant comme personnage narrateur, l’enfant-héros, relations familiales.

Veuillez soumettre vos propositions de communication d’environ 1500 caractères (espaces compris), accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique, au plus tard le 5 février 2012 aux adresses suivantes : attiko@gmx.de, fode@sympatico.ca

Responsables du colloque : Kodjo Attikpoé, Fodé Sarr

Responsable : Kodjo Attikpoé

Url de référence :
http://aclej.mshparisnord.org

Benoît Berthou

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Religion and the politics of humor

Craig Martin du St. Thomas Aquinas College (Sparkill, USA) lance, pour le Bulletin for the study of religion, un appel à communication intitulé : « Religion and the politic of humor ». Proposant d’étudier des œuvres de bande dessinée, celui-ci nous invite à envisager leur dimension parodique (pensons par exemple, pour donner un exemple français, au Grand pouvoir du Chninkel ou encore, côté américain, à la série Battle Pope qui met en scène un pape spécialiste des arts martiaux), mais également au rapport de chaque religion à l’humour (sur ce plan, l’analyse d’une œuvre comme Le chat du rabbin nous semble s’imposer). Nos lecteurs auront tout le temps de compléter cette liste puisque la date limite est fixée au 1er juillet prochain, mais Les Carnets de la bande dessinée profitent de cet appel aux Saints pour vous souhaiter un joyeux Noël et vous donner rendez-vous début 2012.

CALL FOR PAPERS on the topic “Religion and the Politics of Humor”

The Bulletin for the Study of Religion is accepting submissions for a special issue on humor and religion. Articles engaging any aspect of the theme are welcome, especially the politics of parody, but including in general studies of religious parodies, the presence of humor on the Internet (e.g., video clips, web comics, etc), and cultural analyses of the use of humor in various religious traditions (including comparative analysis but also specific area studies). Articles engaging theoretical and methodological issues in the study of humor and religion are especially desired. Queries should be sent to the editors, Craig Martin (cmartin.rel@gmail.com) and Philip Tite (philip.tite@mail.mcgill.ca). Online submissions and guidelines: http://www.equinoxpub.com/bulletin/ Deadline for submissions: July 1, 2012.

Craig Martin
St. Thomas Aquinas College
Sparkill, NY 10976
USA
Email: philip.tite@mail.mcgill.ca
Visit the website at http://www.equinoxpub.com/bulletin/

Benoît Berthou

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Annual Florida Conference of Historians/superheroes

Julian Chambliss, professeur d’histoire au Rollins College (Floride, USA), lance un appel à communication pour la 52e conférence annuelle des historiens de Floride. Prenant place dans la section « Media Art and culture », celui-ci se focalise sur les « superhéros » et constitue donc le pendant du récent appel à communication « Mythologie du superhéros : physiologie, géographie, histoire ». S’il entend permettre d’explorer la plce de ces personnages dans la culture américaine, cet appel à communication met en effet l’accent sur les pratiques d’adaptation de ces Comics au cinéma, à la télévision ou en musique : il ne manque que les jeux vidéos auxquels pourraient s’intéresser quelques propositions qu’il s’agira d’élaborer avant le 16 décembre prochain.

 

From Superman’s 1938 debut through recent tales of identity crisis and political divide, superhero comic books have made an indelible mark on American culture. The current popularity of stories and characters originating in comic books has expanded interest in the medium and in the symbolic power of the superhero. Recent scholarship has attempted to define the superhero’s unique relationship to American culture. The Florida Conference of Historian Special Interest Section (SIS) on Media Arts and Culture welcome submission to the 52nd annual Florida Conference of Historian meeting that address the ways the comic book superhero represents, constructs, and distorts American culture are welcomed. Special consideration will be given to papers that explore comics-inspired movie, television, and music. The Media Arts and Culture SIS welcomes submission from graduate students, undergraduates, and independent scholars who wish to participate. All conference invitees are eligible for review for inclusion in the FCH refereed published proceedings.

1. Paper title and abstract/proposal (300-500 words)
2. Brief vita or biography (one page max)
3. Complete personal information: name, department, academic affiliation, mailing address, and e-mail address.

Worthwhile topics include (but are not limited to):

Ethnicity and the Superhero / Gender and the Superhero / Superheroes and Nationalism / Religion and the Superhero / The Superhero in the Media / Marvel Cinematic Universe: Past and Presence / Superhero and Identity / Class Identity and the Superhero/ Violence and the Superhero / Political Identity and the Superhero

Dr. Julian Chambliss
Rollins College
1000 Holt Avenue-2762
Winter Park, FL 32789
407-646-2214
Email: jchambliss@rollins.edu
Visit the website at http://myweb.rollins.edu/jchambliss/Julian_C._Chambliss/Homepage.html

Benoît Berthou

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Boy’s love manga

Mark McHarry, Kazumi Nagaike (Oita University, Japan) et Dru Pagliassotti (California Lutheran University, USA) lancent un appel à communication pour un numéro spécial du Journal of graphic novels and Comics consacré au « Boy’s love manga ». L’appel à communication, que nous reproduisons ci-dessous, met en évidence la richesse du sujet puisqu’il invite les chercheurs à réfléchir tant sur le potentiel subversif (par rapport à une norme hétérosexuelle dont la bande dessinée est coutumière) que relationnel (à travers l’importance du lectorat dans la production et diffusion de ces manga) de bandes dessinées qu’un magazine en ligne comme boyslove.fr met à l’honneur. Attention : la date limite est fixée au 14 octobre prochain.

 

Journal of Graphic Novels and Comics

Special Issue on Boys’ Love Manga

Proposals due by October 14, 2011

Guest Editors: Mark McHarry, Independent Scholar
Kazumi Nagaike, Oita University, Japan
Dru Pagliassotti, California Lutheran University, USA

Boys’ love emerged in the late 1960s as women in Japan began creating commercial manga (comics) about young males in homoerotic relationships and self-publishing similarly-themed comics called dōjinshi using young male characters taken from popular shōnen (boys) manga. The stories show the characters trying to overcome obstacles in order to connect or bond romantically. The genre has gained popularity in many world regions. Beginning in the second half of the 1990s, boys’ love became popular in the West, where it is generally called yaoi, from the acronym of the tongue-in-cheek description « yamanashi, ochinashi, iminashi, » or « no climax, no point, no meaning. »

Fans use the genre in subversive and oppositional ways, reading or creating boys’ love as a form of resistance and challenge to gender norms, such as the female-objectifying « male gaze, » and as expressions of ambivalence in relation to these norms. The latter, in particular, is shown in the recently recognized fact that a number of heterosexual males also create and consume BL narratives.

We seek to make this special issue inclusive of expressions of boys’ love and yaoi worldwide, multifaceted and interdisciplinary. We hope to reflect fan diversity, explore previously unexplored areas, and suggest ideas for future research.

We are seeking essays of 5,000 to 7,000 words. Topics might include:

The history of shōjo (girls’) comics in Japan as it influenced, framed, and grounded the development of the boys’ love genre;

Current legal and censorship issues related to boys’ love, especially in the context of comic history, such as the recently enacted youth protection amendment in the Tokyo prefecture and the proposed Internet filtering in Australia;

The practices and identities of fans who create and consume this genre, including fujoshi (female BL fans), fudanshi (self-identified heterosexual male fans), and otaku (all fans); The inception, growth, and marketing strategies of the publishing industries that include or are entirely dedicated to boys’ love comics, especially compared to those that publish gay comics or heterosexual adult comics;

Concepts of « race » and ethnicity as they manifest in boys’ love and yaoi;

Discursive analysis of media responses to the boys’ love/yaoi genre and to fans’ activities;

Queer discourses within and about boys’ love and yaoi, such as their potential for a subsumption, by female boys’ love artists and writers, of gay/queer male discourses; Comparison of boys’ love and yaoi expressions in world regions;

Reading strategies of fans;

The distribution of boys’ love comics over new media, such as mobile phone novels, microblogs, and image boards such as 4chan;

Copyright issues related to boys’ love, such as the ethics of making scanlations of untranslated works and the poaching in dōjinshi of commercially published characters;

Artistic and iconographic developments and differences within the genre over time and between national cultures;

Self-reflexivity within the comics as males read boys’ love comics for same-sex romantic or sexual « tips, » are supported by female boys’ love fans, or work within the manga publishing industry.

We are looking for articles from multiple disciplines and theoretical approaches. The primary focus would be manga (printed and electronic), but we would hope to include at least an overview of non-manga genres, too, to provide context and a sense of the genre’s scope.

Please submit abstracts of between 250-300 words no later than October 14, 2011 to editors@yaoiresearch.com

CFP: http://www.tandf.co.uk/journals/cfp/rcomcfp.pdf

Journal of Graphic Novels and Comics:

http://www.tandf.co.uk/journals/journal.asp?issn=2150-4857&linktype=38

Mark McHarry, Independent Scholar
Kazumi Nagaike, Oita University, Japan
Dru Pagliassotti, California Lutheran University, USA

Email: editors@yaoiresearch.com
Visit the website at http://www.tandf.co.uk/journals/cfp/rcomcfp.pdf

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Masculinity in superhero comic books and films

Derek McGrath, de l’université Stony Brooks (New York, USA), lance un appel à communication intitulé : « Masculinity in Superhero Comic Book and film ». Constituant l’ossature de l’une des sessions de la convention organisée par la Northeast Modern Langage Association, cette proposition entend interroger le « mâle superhéros » (notre traduction, et nous optons pour du littéral), et ce à une très large échelle puisque sont évoqués la bande dessinée, le cinéma, les pièces de théâtre et toutes les productions culturelles. Il s’agira d’aborder ce vaste champ selon un angle : celui de « la subversion des archétypes masculins ». Même si cette notion n’est pas clairement définie, gageons que l’étude de nombreuses œuvres contemporaines pourrait rentrer dans ce cadre : la série des Boys de Garth Ennis et Darick Robertson met en scène des héros on ne peut plus immoraux et à l’apparence parfois étonnante, tandis que le travail de Mark Millar (Wanted) se focalise sur un « M. tout le monde » se découvrant des superpouvoirs dont il ne sait trop que faire. Il s’agira de compléter cette liste avant le 30 septembre prochain.

Masculinity in superhero comic books and films

Northeast Modern Language Association (NeMLA)

March 15 to 18, 2012

Rochester, New York

With comic books becoming more mainstream, thanks to numerous summer blockbuster films focusing on superheroes—2011 bringing audiences Super, Thor, The Green Hornet, Captain America, X-Men: First Class, and Green Lantern—this session welcomes all papers looking at ongoing portrayals of masculinity in works of popular culture that focus on male superheroes. Possible topics include but are not limited to adherence or subversion of masculine archetypes in superhero comic books, graphic novels, films, plays, and other works in popular culture.

Please include with your abstract the following: Name, affiliation, email address, and A/V requirements if any ($10 handling fee with registration).

Interested participants may submit abstracts to more than one NeMLA session; however, panelists may only present one paper (panel or seminar). Convention participants may present a paper at a panel and also present at a creative session or participate in a roundtable. For more information, visit the NEMLA online at http://www.nemla.org/convention/2012/cfp.html.

Submit 250- to 500-word proposals to Derek McGrath (derek.mcgrath@stonybrook.edu).

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Les révolutions de l’animation

Vanessa Besand et Victor-Arthur Piégay du Centre Pluridisciplinaire Texte et Culture (CPTC) de l’université de Bourgogne lancent un appel à communication intitulé : « Les révolutions de l’animation à l’ère postmoderne ». Ce dernier adjectif fait ici référence à une période précise : celle qui suit 1988 et l’apparition des dessins animés japonais. C’est bien une animation en « révolution », qui est présentée ici comme n’étant plus forcément liée à l’enfance et ne constituant pas un produit de divertissement, que les organisateurs proposent aux chercheurs d’étudier à travers trois axes d’étude (technique, culturel et sociologique pourrions nous résumer en faisant remarquer que l’axe « transmédiatique » semble laissé de côté). La date limite de réponse est fixée au 15 octobre prochain.

 

Les révolutions de l’animation à l’ère postmoderne

(de la fin des années 80 à nos jours)

Colloque organisé par le CPTC

Université de Bourgogne, Dijon

16 et 17 février 2012

Depuis quelques années, le film d’animation semble être devenu un genre à part entière ; un genre non plus cantonné à la sphère enfantine, mais s’adressant désormais à tous les publics. La multiplication des réalisations et des sorties en salle, comme le succès de ces films, prouve cette émulation nouvelle. Le film d’animation semble même avoir conquis sa dignité et sa respectabilité puisqu’un Oscar dans cette catégorie est désormais attribué à Hollywood depuis 2002, signe de la spécificité du genre de l’animation par rapport aux autres réalisations filmiques.

Mais quelle date assigner à ce passage du dessin animé à l’âge adulte ? En convoquant les grands succès de la dernière décennie – les longs-métrages des studios Pixar, la tétralogie Shrek ou les films de Hayao Miyazaki – nous pourrions être tentés de voir une coïncidence entre la maturité du film d’animation et le tournant des XXe et XXIe siècles. Mais il semble que les bouleversements à l’intérieur du genre se soient produits plus tôt encore, principalement dans les productions américaines et nippones. Or ces changements ne semblent pas tant renvoyer au domaine technique qu’à une double innovation : la transposition dans le medium qu’est le dessin animé du film de genre, mais aussi l’élargissement massif du public visé par ces productions.

L’année 1988 voit ainsi la sortie de deux longs-métrages fondateurs de l’animation postmoderne : Qui veut la peau de Roger Rabbit réalisé par Robert Zemeckis et Akira de Katsuhiro Ōtomo. Le premier vise un public élargi par rapport aux productions habituelles de Disney : il multiplie les niveaux de lecture en (se) jouant de multiples références culturelles et en proposant une brillante relecture parodique du film noir. Le second permet quant à lui au dessin-animé d’investir le genre de la science-fiction avec un ton résolument adulte qui ouvrira la voie à des réalisateurs nippons désormais bien connus des amateurs d’animation japonaise autant que du grand public : Mamoru Oshii (Ghost in the Shell), Hayao Miyazaki (Princesse Mononoke, Le Voyage de Chihiro) ou feu-Satoshi Kon (Perfect Blue, Paprika).

Ces deux grandes réussites artistiques nous semblent pouvoir marquer symboliquement le commencement d’un cinéma d’animation mature et adulte. Sans constituer une limite rigide, l’année 1988 sera ainsi considérée comme commencement de la période étudiée et les communications ne devront pas excéder trop largement en amont cette date symbolique. Cela nous semble d’autant plus important que la fin des années 1980 illustre aussi l’explosion de l’animation sérielle. Certaines séries animées deviennent en effet de véritables phénomènes de société à l’instar des Simpson ou des programmes nippons massivement diffusés par le Club Dorothée lesquelles participent, qu’on le veuille ou non, de l’évolution et de la révolution de l’animation depuis la fin des années 80 et pourront parfaitement trouver leur place dans ce colloque, comme d’autres productions américaines qui, suivant le modèle des Simpson, s’adressent à un très large public : Beavis and Butt-Head, Daria ou, plus récemment, South Park.

Dans cette perspective, nous voudrions vous suggérer ici quelques pistes de réflexion destinées à mettre en lumière la généricité bien spécifique de l’animation et son lien à la postmodernité :

– La question de la technique et du progrès technologique :

L’animation devenue genre à part entière se décline sous différentes formes liées à la créativité de chacun et à la diversité des supports employés : certains demeurent attachés au dessin traditionnel (Sylvain Chomet) quand d’autres lui préfèrent les images de synthèse (tous les films des studios Pixar) ou d’autres encore, la pâte à modeler (Nick Park avec Wallace et Gromit ou Adam Elliot avec le mélancolique Mary and Max). Cette question de la diversité des supports dans l’animation contemporaine pose indiscutablement celle de la place des nouvelles technologies dans les films d’animation. L’animation ne peut en effet se penser sans la technique. En ce sens, elle invite, depuis les années 80, à une réflexion sur les progrès de la technologie et corrélativement, sur ses pouvoirs et ses dangers. Le problème de la virtualité est de plus en plus au centre de films d’animation qui cherchent à copier la réalité et à lui faire ainsi concurrence. Des films comme Mary Poppins (1963) ou Peter et Elliot le dragon (1977) repoussaient déjà les limites techniques du film d’animation en faisant cohabiter acteurs de chair et personnages animés. Mais aujourd’hui, la problématique n’est plus de cet ordre. Le but s’est déplacé de la virtuosité technique à l’illusion de réalité et à la volonté de faire concurrence, grâce à des personnages de plus en plus anthropomorphes, aux acteurs réels. Sur ce point, l’adaptation animée du jeu vidéo Final Fantasy (2001) est révélatrice, de même que la tentative de création de personnages animés empruntant leurs traits à des acteurs réels (Tom Hanks dans Le Pôle Express de Robert Zemeckis).

– La question de la réécriture, de la parodie et du décalage :

Nous aimerions aussi interroger durant ce colloque la place accordée à la réécriture dans l’animation postmoderne. Une telle perspective impose tout naturellement une réflexion sur la tradition du film d’animation et sur son traitement actuel. Le cas Disney semble sur ce point extrêmement révélateur. Loin de se cantonner à la féérie d’antan, l’animation américaine a récemment tenté de se détacher de la fiction pour enfants, qui mettait en scène princes et princesses avec solennité et candeur. L’évolution sociale et artistique a en effet imposé de nouveaux modèles de représentation qui consistent en une reprise parodique et détournée de la féérie traditionnelle. Bien que toujours inspirés de contes de fées, les nouveaux films des studios Dreamworks (la série des Shrek) ou Disney (Raiponce) jouent volontairement du choc entre les époques en présentant des couples issus du hors-temps du conte et faisant preuve d’une modernité à toute épreuve. Les princesses, désormais maîtresses-femmes, s’y révèlent tout aussi actives que leur prince et non plus cantonnées à la passivité.

Toutefois, la question de la réécriture et de la parodie ne se limite pas au film féérique. Wall-E par exemple n’hésite pas à réécrire explicitement et avec beaucoup d’humour le 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick. Ce principe de réécriture permanente mérite donc d’être interrogé très largement. Il peut concerner la tradition de l’animation, mais aussi d’autres formes de traditions artistiques, telles que le cinéma dans son ensemble ou la littérature, à partir du moment où ces formes mettent en jeu une réflexion sur le mouvement postmoderne et sur ses principes de reprise décalée ou parodique. C’est la notion d’ironie propre à la postmodernité, telle qu’elle est mentionnée et analysée par divers théoriciens (Umberto Eco, Ihab Hassan), qui se profile ici et gagnera à être étudiée.

– La question du rapport de l’animation postmoderne à l’Histoire, à la société et à l’idéologie :

Les récents Persepolis de Marjane Satrapi (2007) et Valse avec Bachir de Ari Folman (2008), qui tissent des liens avec le monde contemporain, ont montré à quel point l’animation pouvait être en prise avec l’actualité et l’Histoire. Grâce à différents outils techniques et esthétiques, le film d’animation cherche désormais à dire le monde qui l’entoure et/ou à véhiculer un message politique, idéologique ou social. Les films de Miyazaki ont ainsi tous trait à des questions d’ordre écologique qui sont en résonnance directe avec les préoccupations internationales contemporaines.

Mais l’intérêt pour nous dans ce colloque serait, non de nous interroger sur le pur traitement thématique d’une donnée idéologique ou historique, mais bien de montrer en quoi la forme animée se présente comme un vecteur opérant dans ce domaine. Il serait ainsi intéressant de se demander pourquoi Ari Folman a choisi l’animation dans Valse avec Bachir et pourquoi celle-ci lui a semblé plus pertinente qu’un film à acteurs pour évoquer les massacres des camps de Sabra et Chatila en 1982.

Ces trois axes, qui pourront donner lieu à des propositions très diverses, ne sont naturellement pas exhaustifs. Des propositions portant sur la question de la mondialisation, sur le tiraillement entre spécificité(s) (d’un pays, d’un auteur) et uniformisation, sur la frontière entre art et entertainment dans l’univers de l’animation (en raison du poids des studios et des sociétés de production) et par conséquent, sur le lien entre postmodernité et marchandisation de l’art seront aussi les bienvenues.

Les propositions de communication, de 500 mots maximum et accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique (nom, discipline, affiliation, domaine(s) de recherche), sont à envoyer à Vanessa Besand et Victor-Arthur Piégay à l’adresse colloque.animation@gmail.com avant le 15 octobre 2011.

Responsable : Vanessa Besand et Victor-Arthur Piégay

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Représenter l’auteur de bande dessinée

« Représenter l’auteur de bande dessinée »

Comicalités. Études de culture graphique est une revue en ligne avec comité de lecture entendant aborder la bande dessinée, et plus largement les formes de rencontre entre textes et images, selon des approches esthétiques, économiques et sociologiques. Après « La bande dessinée : un art sans mémoire ? », nous lançons aujourd’hui un nouvel appel à communication intitulé : « Représenter l’auteur de bande dessinée ».

Confondue avec son noble alter ego – l’écrivain – ou sa variante romantique – l’artiste, l’auteur est, en effet, ce complexe faux ami mis à toutes les sauces par tous ceux qui prétendent poser l’épineuse question de la création artistique. Appliqué au « mauvais genre » de la « BD », cet auteur n’en avance pas moins masqué : est-il une figure, une simple représentation de celui qui prend le crayon et signe le livre ? le sujet de l’énonciation (qui n’existe que dans l’espace de la planche) ? une représentation de soi imaginaire, voire fantasmée ? ou les trois à la fois ? et que déduire d’une telle « fonction auteur » des réalités nouvelles liées aux industries du livre et de la culture dont la BD est une incarnation ?

Cette « thématique » invite les chercheurs à s’appuyer sur des dessins représentant l’auteur de bande dessinée dans son activité créatrice, que celui-ci apparaisse dans une simple case (à l’instar d’Hergé dans Tintin ou Quick et Flupke) ou se voit accordé une place prépondérante dans le récit. Nous sommes donc ouverts à l’analyse de toutes sortes de productions que nous pouvons sommairement ranger dans plusieurs catégories.

  • Autoreprésentation lorsque l’auteur se met en scène lui-même, comme dans le cas de l’autobiographie ou de l’autofiction, selon des modalités qu’il serait intéressant d’étudier (Fabrice Neaud se représente ainsi, dans le quatrième tome de son Journal[1], sous les apparences d’un petit personnage rappelant une marionnette et contrastant avec le trait précis du reste du récit, alors que Jean-Christophe Menu semble oscille dans Livret de phamille[2] entre dessin d’après nature et caricature). On pourra notamment interroger la mise en abyme des outils et du geste de la création, ainsi que celle de l’album ou de la planche en train d’être créé(e) dans ce qui s’apparente alors à des autoportraits. Seront les bienvenues des propositions se demandant quels rapports (contestation ? imitation ? indifférence ?) entretiennent ces représentations avec les postures auctoriales littéraires et se demandant quels nouveaux modes d’apparition se construisent avec l’auteur de bande dessinée.
  • Représentation de ses pairs lorsque l’auteur semble vouloir porter un regard sur d’autres auteurs, que celui-ci soit particulièrement sarcastique (dans le cas des Mauvaises humeurs de James et la Tête X[3], voire d’Approximativement[4] de Lewis Trondheim) ou mette l’accent sur leur place au sein d’un dispositif de publication (à l’instar du Journal[5] de Serge Clerc qui relate la création de Métal Hurlant et des Humanoïdes Associés ou encore de La Véritable Histoire de Futuropolis). Le travail biographique consistant à évoquer la vie ou l’œuvre d’autres auteurs nous semble également relever de modalités qu’il nous semble très intéressant d’examiner : au parti-pris que l’on pourrait dire « critique » du McCay[6] dessiné par Bramanti et construit autour de la notion « d’attraction » chère au scénariste Thierry Smolderen, s’oppose ainsi sans doute le parti-pris « épique » de la très longue biographie consacrée à Tezuka[7]

Cette liste est très loin d’être exhaustive et nous invitons des chercheurs à la compléter par des œuvres ou des représentations d’auteurs par exemple issus de bandes dessinées japonaises ou américaines. Nous entendons, en effet, avant tout permettre le traitement le plus exhaustif possible d’une question : quelle valeur et quels enjeux recouvrent la représentation de l’auteur de bande dessinée ?

Il est en effet frappant de constater qu’une représentation de l’auteur encore complètement marginale il y a 30 ans (au sens propre, pensons aux « Hauts de page » de Yann et Conrad ou au caractère cocasse des signatures de Franquin qui s’exprimait en périphérie de la planche) est aujourd’hui extrêmement courante et nous semble pouvoir donner lieu à plusieurs approches que nous soumettons à titre d’exemples.

  • Approche éditoriale : il serait intéressant de mieux cerner (dans le temps ou l’espace) les modalités d’apparition de l’auteur de bande dessinée, autrement dit de s’interroger sur les modes de publication (collections, traductions…) des œuvres concernées ainsi que sur l’aspect structurant (au sein de la pratique du « blogging » ou encore à travers la définition du « roman graphique ») de cette pratique ;
  • Approche esthétique : il s’agit de cerner les modalités d’apparition de l’auteur, que ce soit sur le plan graphique (s’apparente-t-elle à des genres comme le portrait, la caricature ?) ou narratif (l’auteur devient-il un personnage à part entière ou est-il traité sur le mode de la référence, voire de la connivence ?)
  • Approche symbolique : elle s’interroge sur la valeur qu’acquiert cette représentation de l’auteur sur le plan des filiations (comment se réclame-t-on d’un auteur ou d’une école en bande dessinée ?) ou plus largement d’une inscription dans le champ de la littérature (en représentant un auteur de bande dessinée à côté d’écrivains ou en s’inscrivant dans un dispositif comme le pacte autobiographique). Pastiche et hommage, ou parodie et subversion des héritages, pourront notamment être examinés à l’aune de la question des filiations ou au contraire des avant-gardes dans la création artistique initiée par la bande dessinée.

Le présent appel à communication est ouvert à tous les chercheurs, quel que soit leur statut (universitaire ou non) et leur origine (même si nous ne pouvons publier que des textes écrits en français ou en anglais). Nous les invitons à nous répondre en nous soumettant deux documents :

  • Une fiche signalétique prenant la forme d’un court Curriculum Vitae exposant les axes de recherche du candidat.
  • Un texte anonyme de 3000 signes espaces compris, présenté sans aucun enrichissement autre que l’italique ou le caractère gras, et adoptant une présentation standardisée (Times New Roman 12 pts pour le corps de texte, 10 pts pour les notes, aucun alinéa ou retrait de paragraphe, interligne 1,5).

La proposition sera évaluée de façon anonyme par deux membres du comité scientifique de la revue : son acceptation vaudra encouragement et suggestions quant à un article d’une taille comprise entre 25000 et 50000 signes espaces compris.

La proposition doit parvenir avant le 1er novembre 2011 aux deux responsables de la « thématique » :

Benoît Berthou – ben.berthou@orange.fr

Sylvie Ducas – sylvie.ducas@wanadoo.fr

Bibliographie (non exhaustive et non indicative)

Ayroles François, Nouveaux moment clés de l’Histoire de la bande dessinée, Alain Beaulet Editeur, 2008.

Ayroles François, Mon Killoffer de poche, L’Association, 2006.

Baladi Alex, Encore un effort, L’Association, 2009.

Cauvin Raoul, Pauvre Lampil, Dupuis, 1977.

Cestac Florence, Comment faire de la bédé sans passer pour un pied nickelé, Dargaud, 1998.

Cestac Florence, La Véritable histoire de Futuropolis, Dargaud, 2007.

Cestac Florence, La Vie d’artiste, Dargaud, 2002.

Clerc Serge, Journal, Denoël, 2008.

Clowes Daniel, Pussey !, Rackham, 2002.

Crumb Robert, Mes problèmes avec les femmes, Cornelius, 2007.

Davodeau Etienne, L’Atelier, PMJ-Les Rêveurs, 2002.

Dupuy et Berberian, Journal d’un album, L’Association, 1994.

Eisner Will, Le Rêveur, Delcourt, 2009.

Fabcaro, La Clôture, 6 pieds sous terre, 2009.

Fromental Jean-Luc et Stanislas, Les Aventures d’Hergé, Reporter, 2007.

Gaudelette Michel, La Vie des festivals, Fluide Glacial, 2001.

Guillevic Joëlle, Le Journal de Joe Manix, Flblb, 2009.

Horrocks Dylan, Hicksville, L’Association, 2002.

James et la Tête X, Les Mauvaises humeurs, 6 pieds sous terre, 2007.

Killoffer, 676 apparitions de Killoffer, L’Association.

Larcenet Manu, Critixman, Les Rêveurs, 2006.

Long Guillaume, Comme un poisson dans l’huile, Vertige Graphic, 2002.

Malher Nicolas, L’Art selon madame Goldgruber et L’Art sans madame Golgruber, L’Association.

Matt Joe, Le Pauvre type, Delcourt, 2001.

Matt Joe, Strip-tease, Le Seuil, 2004.

Menu Jean-Christophe, Livret de phamille, L’Association, 1995.

Neaud Fabrice, Journal (4 tomes), Ego comme x.

Ohba Tsugumi, Bakuman, Kana, 2010.

Osamu Tezuka. Biographie, Casterman, 2004.

Pekar Harvey, American splendor. Lire la série éditée par Ballantine Books et traduite en Français aux éditions ça et là sous le titre de Harvey Pekar, Anthologie, volume 1.

Roosevelt José, Juanalberto Dessinator, La Boîte à bulles, 2007.

Seth, La Vie est belle malgré tout, Delcourt, 1998.

Sfar Joann, Harmonica (l’un des Carnets de Joann sfar, 9 tomes), L’Association, 2002.

Smolderen Thierry et Bramanti Jean-Philippe, McCay, Delcourt, 2004.

Spiegelman Art, Breakdowns, Casterman, 2008.

Taniguchi Jiro, Un zoo en hiver, Casterman, 2009.

Tatsumi Yoshihiro, Une vie dans les marges, Cornelius, 2011.

Trondheim Lewis, Carnets de bord, L’Association, 2002.

Trondheim Lewis, Désoeuvré, L’Association, 2005.

Yann et Léturgie Simon, Spirou dream team, Dupuis, 2011.

Zep, Le Portrait dessiné, Glénat, 2010.


[1] Fabrice Neaud, Journal (4). Les Riches heures, Ego comme x, 2002.

[2] Jean-Christophe Menu, Livret de phamille, L’Association, 2003.

[3] James et la tête X, Les mauvaises humeurs de James et la tête X, 6 pieds sous terre, 2007.

[4] Lewis Trondheim, Approximativement, Cornelius, 1995.

[5] Serge Clerc, Le Journal, Editions Denoël, 2008.

[6] Bramanti et Smolderen, McCay (4 tomes), Delcourt, 2004.

[7] Tezuka Productions, Osamu Tezuka, Casterman, coll. « Ecritures », 2004.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Graphic medicine: visualizing the stigma of illness

Columba Quigley, Maria Vaccarella et Ian Williams lancent un appel à communication pour un colloque intitulé : « Graphic Medicine: Visualizing the Stigma of Illness ». Cette proposition, qui a pour but de préparer une rencontre de 3 jours se tenant à la Leeds Art Gallery, nous invite donc à interroger la bande dessinée, et plus largement la pratique du dessin, de façon particulièrement large : il est en effet possible de s’intéresser à ses vertus pédagogiques, thérapeutiques et esthétiques (puisque l’une des pistes de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous invite les chercheurs à s’intéresser à la représentation du stigmate). La date limite de réception des propositions est fixée au 18 juillet prochain.

 

 

 

Graphic Medicine: Visualizing the Stigma of Illness

17th November


This one-day interdisciplinary conference aims to explore medical narrative in graphic novels and comics with an emphasis on the stigma of illness, disease or disability, both physical and mental. A subgenre of graphic narrative known as graphic medicine is emerging as a field of interest to both scholars and creators of comics, and members of the healthcare professions are beginning to turn to comics as a source of illness narratives and documents of the patient and carer experience.

We invite proposals for scholarly papers (20 minutes) or panel discussions (60 minutes), focused on medicine and comics in any form (e.g. graphic novels, comic strips, graphic pathographies, manga, and/or web comics) on the following—and related—topics:

  • notions of stigma in graphic pathographies of illness and disability
  • the use of comics to explain, highlight and eradicate stigma
  • the use of comics in patient care
  • the interface of graphic medicine and other visual arts in popular culture
  • ethical implications of patient representation in comics by healthcare providers
  • trends in international use of comics in healthcare settings
  • the role of comics in provider/patient communication
  • comics as a virtual support group for patients and caregivers
  • the use of comics in bioethics discussions and education

Contributions are sought from humanities scholars, comics scholars, healthcare professionals, comics enthusiasts, writers and cartoonists.

300 word proposals for a 20 minute paper should be submitted by 18/07/2011 to submissions@graphicmedicine.org and notice of acceptance or rejection may be expected by 1/8/2011

Abstracts may be in Word, WordPerfect, or RTF formats, following this order: author(s), affiliation, email address, title of abstract, body of abstract

All proposals submitted will receive and acknowledgement. Abstracts will be blind peer reviewed.

Drs. Columba Quigley, Maria Vaccarella and Ian Williams

Ian Williams

www.graphicmedicine.org
Email: submissions@graphicmedicine.org
Visit the website at http://comicsforum.files.wordpress.com/2011/05/comics-forum-2011-cfp.pdf

 

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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