Sérialité et bande dessinée

Le Centre d’Etudes sur les Jeunes et les Médias (CEJEM), qui réunit des chercheurs travaillant sur les pratiques médiatiques des jeunes, organise une rencontre sur le thème de la sérialité et la bande dessinée, le vendredi 21 janvier 2011, à 14 heures, salle Las Vergnas, à Paris 3, Sorbonne Nouvelle, 13 rue de Santeuil, 75005 Paris (Métro : censier Daubenton, ligne 7).

Ce débat  sera animé par Pierre Christin, scénariste de bande dessinée, auteur notamment de la série (avec Mézières)  Valerian et Laureline et par le sociologue Eric Maigret, professeur à Paris 3.Cette rencontre est gratuite et ouverte à tous, mais il est préférable de s’inscrire  au préalable : jeunesetmedias@gmail.com.

Pour de plus amples informations : mc-lipani@wanadoo.fr ou le communiqué de presse du CEJEM.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Peter Pan a 100 ans

Et pour l’occasion, la revue en ligne Belphégor se propose de consacrer un dossier à l’oeuvre de James Matthew Barrie et à ses diverses versions, interprétations, échos et influences dans différents médias, dont bien sûr la bande dessinée, que l’on songe, évidemment, à Régis Loisel, ou à Cosey. Ci-dessous l’appel à communications :

Peter Pan a 100 ans

2011 marquera le centenaire de la publication du roman de James Matthew Barrie, Peter and Wendy, aujourd’hui mieux connu sous le titre Peter Pan. Dernière étape de la naissance du célèbre personnage après son apparition en 1902 dans le roman The Little White Bird, puis la création en 1904 de la pièce de théâtre Peter Pan or The Boy Who Wouldn’t Grow Up, qui connaîtra un succès durable et international. Par la suite, en 1906, Barrie extrait six chapitres de The Little White Bird afin de composer le conte Peter Pan in Kensington Gardens, illustré par Arthur Rackham, et, enfin, en 1911, il publie le roman Peter and Wendy qui est, avec Alice in Wonderland de Lewis Carroll et The Wind in the Willows de Kenneth Grahame, un classique de la littérature enfantine.

Mais le roman de Barrie constitue également la dernière étape d’un processus qui a fait de Peter Pan un véritable mythe littéraire. Depuis l’oeuvre originale, la figure n’a cessé de hanter la littérature, la bande dessinée (notamment avec la série de Régis Loisel), le cinéma (autant avec le dessin animé de Walt Disney qu’avec le film de Steven Spielberg, Hook, ou encore le Neverland de P.J. Hogan).

A l’occasion de ce centenaire, la revue Belphégor, Littérature populaire et culture médiatique souhaite consacrer un dossier à Peter Pan qui prendra la forme d’un état des lieux de l’oeuvre de Barrie, personnage et mythe. On pourra donc proposer des contributions aux angles d’attaque divers : incidence de la biographie, histoire de la création du personnage, évolution de la figure mythique, poétique de l’oeuvre, influence dans le domaine artistique et cinématographique, fortune théâtrale et expériences de mise en scène, situation dans l’imaginaire enfantion, etc.

Afin d’illustrer ce dossier et donner ainsi un aperçu de la richesse visuelle générée par le personnage et l’univers de Peter Pan, les plasticiens peuvent envoyer leurs contributions. Leurs travaux doivent être libres de droits et d’une résolution minimale de 200 dpi.

Les contributions devront être remises au plus tard le 30 janvier 2011 et être adressées à Franck Thibault (franck-thibault@orange.fr).

http://etc.dal.ca/belphego.html

Pour un gestuaire des bandes dessinées

« Pour un gestuaire des bandes dessinées : tel est le titre de l’article que Claude Brémond, directeur d’études à l’EHESS, publia dans la revue Langages en 1968. Disponible librement sur le portail Persée, ce texte constitue l’occasion de nous confronter à un travail datant de plus de 40 ans et de mettre en valeur les avancées de la recherche ainsi que l’évolution du paysage de la bande dessinée. Il pose en effet un problème des plus intéressants : quel rôle le personnage joue-t-il dans la construction du langage du neuvième art ? Cette réflexion s’inscrit clairement dans une lignée « sémiotique » traitant, sous l’égide de Pierre Fresnault-Deruelle, de la bande dessinée afin de mettre à jour la spécificité de son mode d’expression.

Semblable position est présentée dès les premières lignes : la bande dessinée est « un genre essentiellement narratif » dans lequel « l’homme, plus ou moins stylisé, ou une créature anthropomorphe, plus ou moins humanisée, joue un rôle prépondérant, occupe en permanence le devant de la scène ». Il est dès lors question de s’interroger sur l’apport de cette « créature » vis-à-vis de l’entreprise du récit, c’est-à-dire sur une capacité d’un « trait graphique » à se constituer comme « l’un des éléments signifiants de l’histoire racontée ». Jacques Brémond semble ainsi s’inscrire pleinement dans l’étude d’un dispositif de communication, car cet article est parcouru par une volonté : s’en tenir aux limites d’un langage, c’est-à-dire à des signes qui ont « pour émetteur l’auteur de la bande dessinée et pour destinataire le lecteur-spectateur ».

D’où un certain parti-pris : écarter un ensemble d’éléments interférant sur ce « code général ». Celui-ci est ainsi distingué d’un « code gestuel plus particulier […] dont les personnages du récit se servent pour communiquer entre eux (ces gestes, attitudes, mimiques venant alors doubler ou remplacer leurs paroles) » et est posé comme quelque chose de plus substantiel que « des mimiques trop exceptionnelles pour pouvoir être comprises par un large public ». Le « gestuaire » des bandes dessinées constitue dès lors un « lexique très réduit » se référant à « des sentiments élémentaires (peur, colère, défi, etc.), […] des conduites interpersonnelles universellement comprises (agression, négociation, tromperie, secours) » etc. Permettant d’avancer dans la mise à jour des « unités signifiantes des bandes dessinées », ces divers éléments posent également, selon Claude Brémond, un problème on ne peut plus ardu dont la formulation présente un réel intérêt pour les chercheurs du XXIe siècle.

Le « gestuaire » de la bande dessinée prend en effet place dans le cadre d’un découpage le présentant « sous forme d’une succession de moments figés, prélevés sur la durée de l’histoire à intervalles irréguliers ». Contrairement au cinéma, « la bande dessinée se décharge volontiers sur le commentaire ou sur la logique implicite du récit du soin de raconter l’histoire ». Le geste n’est pas l’unique ressource d’une entreprise de narration et un élément comme le récitatif peut dès lors conférer aux attitudes du personnage une tout autre valeur : la bande dessinée « choisit non l’image qui signifie le moment, mais le moment qui fait image. »

Nous sommes donc face à un mode d’expression qui, de par sa nature même, a tendance à ne pas fonctionner sur le mode du message : la représentation de personnages ne relève pas tant de l’information que de la volonté d’associer un ensemble de « postures » de façon « tantôt [à condenser] elliptiquement en un seul geste une suite d’événements complexes, tantôt [à développer] catalytiquement, en une série de gestes, une opération simple ». Ainsi, une étude portant sur un langage propre au personnage de bande dessinée débouche sur une étonnante conclusion : « le choix, le cadrage, le traitement graphique des gestes tendent souvent vers une stylisation esthétique qui n’est atteinte qu’au détriment de la signification narrative des images ».

S’il s’agit de considérer la bande dessinée comme un dispositif de communication, c’est ainsi, selon Claude Brémond, dans une toute autre optique : celle d’une « rhétorique gestuelle des bandes dessinées », c’est-à-dire d’un langage soucieux de « disposition » et « d’action » (ou de « performance » pour parler comme les linguistes). Une approche sémiotique fait ainsi place à des approches historiques (portant sur la tradition du « gestuaire »), comparatistes (évoquant sa diversité au sein des différents types et formats de bande dessinée), voire socio-économiques (tentant de cerner un « gestuaire » propre au « spectaculaire ») qui semblent au jour d’aujourd’hui n’être que partiellement empruntées.

Référence :

Brémont Claude, « Pour un gestuaire des bandes dessinées », Langages, 1968, 3e année, n° 10, « Pratiques et langages gestuels », p. 94-100.

doi : 10.3406/lgge.1968.2552

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Spider-Man, Spider-Women, and webspinners : critical perspectives

Robert G. Weiner and Robert Moses Peaslee, de l’université Texas Tech  (USA), lancent un appel à communication pour un ovurage intitulé : « Spider-Man, Spider-Women, and Webspinners: Critical Perspectives ». Ce futur livre entend aborder l’homme-araignée crée par Stan Lee à travers une multitude de supports : bande dessinée, dessin animé, cinéma, série télévisée, jeu vidéo… Et s’il s’agit d’embrasser cette complexité médiatique, c’est au regard d’un nombre impressionnant de perspectives que nous reproduisons ci-dessous. Gageons que tous les chercheurs férus de Comic Books trouveront dans cette liste chaussure à leur pied avant le 1er décembre prochain.

When Stan Lee and Steve Ditko first penned a short story about a young man named Peter Parker who gets bit by a radioactive spider and becomes the hero known as Spider-Man, little did they know they would be creating the most popular super-hero in history (next to Batman). Like most “happy accidents,” the creation of Spider-Man almost did not happen. It was initially a throw away a story in a magazine that was getting cancelled anyway.
Stan Lee and Steve Ditko had hit upon a character that was different from all the others and one that everyone could relate to. Peter Parker (Spider-Man’s alter ego) was a teenager who had money/girl/family problems that he continued to struggle with even though he had “amazing” powers. He was in high school and had to learn some hard lessons of life. When Parker first got his powers, he used them to make money and get fame. But when he failed to stop a burglar who would eventually kill his Uncle Ben in a robbery attempt, he learned that “with great power, comes great responsibility.” Since Stan Lee wrote those words in 1962, they have become the most quoted comic book words in history and have served as a cautionary note pertinent far beyond the boundaries of the comic or film frame.
Since 1962, there have been no less than 10 different titles featuring Spider-Man, 5 different animated series, a live action series, animated movies, a live action series in Japan, and 3 very successful movies grossing a total of $2.4 billion and breaking box office records
The editors are seeking articles of around 4-6,000 words (No LONGER) discussing the phenomena of Spider-Man or its off-shoots related to the comics, films, animated series, games, television series, history etc.
Some possible topics to be addressed include


• The real meaning of “with great power comes great responsibility” and Uncle Ben’s life and influence on Peter Parker
• Dr. Octopus almost marrying Aunt May
• May Day Parker, Spider-Girl and the alternate universe
• Spider-Girl as a fan driven title
• J. Jonah Jameson and his hatred of Spider-Man
• Spider-Woman the first female off shoot
• The various Spider-Girls
• How did Amazing Fantasy 15 change the world?
• The Death of Aunt May
• The Clone Saga
• The various Spidey costumes: Black, Red/Blue/Maroon
• Venom and Carnage: Why did these particular villains become the most popular of all Spidey Villians?
• Spider-Man’s role in Civil War
• The Gwen Stacy affair
• Spider-Man’s uneasy relationship with the police
• The Green Goblin (Norman Osborne) and his love/hate relationship with Peter Parker
• The various Goblins: Green Goblin1&2/Hobgoblin/Demigoblin (What ties them together? Differences?)
• The artistic style of Steve Ditko
• The roots of Spider-Man (The old pulp hero The Spider)
• The writing of Gerry Conway
• The art of John Romita Sr. and John Romita Jr. on Spider-Man
• The New Fantastic Four-Spider-Man, Ghost Rider, Hulk, and Wolverine
• The relationship between Madame Web and Spider-Man
• Spider-Man’s role in the New Avengers
• The work of J. Michael Straczynski on the title
• How did Todd McFarlane change the Spider-Man world both through his art and writing?
• The first Marvel/DC crossover-Spider-Man meets Superman
• Why was the live action Spider-Man television series a big flop?
• Spider-Man 2099-A different kind of Spider-Man
• Comparisons between Nicholas Hammond and Tobey McGuire as Peter Parker
• What kind of creative licenses did the movies take that differ from the sequential art stories? How were they similar?
• Zombie Spider-Man
• Mary Jane comics and novels: teen romance in the Spider-Man world
• Spider-Man as an ideal children’s hero
• Spider-Man fan films and fiction
• Spider-Man as an ethical gauge for human behavior
• One of the first Super-Hero record albums: Spiderman: Rock Reflections of a Superhero
• The Scarlet Spider-who is he? What is his role in the Spidey universe?
• The Ultimate Spider-Man: What are the similarities and differences between the Ultimate version of the writing of Brian Michael Bendis on Ultimate Spider-Man
• Spidey Super Stories: An experiment in reading for children
• Spider-Man overseas? Why do the Europeans love Spider-Man as much as the Americans? What is his universal appeal?
• Mattie Franklin (Spider-Woman 3) and her relationship to J. Jonah Jameson as a surrogate father
• Peter Parker’s sister?
• The Red Skull and the killing of Peter-Parker’s parents
• Spider-related groups and societies: Spider Society; Webcorps
• Kraven the Hunter and his desire to be like the Spider
• J.M. DeMatties and the death of Kraven the Hunter
• The Vulture: A senior citizen as a villain
• The relationship between Captain America and Spider-Man
• Spider-Man and his Amazing Friends an animated series featuring Firestar and Ice-Man
• The Spider-Man family of heroes
• John Jameson and the Man-Wolf
• The Transformers: Spidey meets a Hasbro trademark
• The upcoming Spider-Man movie reboot
• Spider-Man as a barometer of the various historical periods in which he appears.
• The psychoanalytic aspects of Spider-Man, Peter, Mary Jane, etc.
• Spider-Man, Marvel, and the structure of the entertainment industry
• Spider-Man as ideology or counter-ideology
• Spider-Man, -Woman fandom and audience practice
• Spider-Man online
• Spider-Man as an urban (or particularly a New York) dweller

Please send 200 word abstracts by November 1st 2010 to
Rob Weiner
Rob.weiner@ttu.edu
Final papers will be due December 1st 2010. No exceptions. Please note the submission of an essay does NOT necessarily mean publication in the volume. The editors are striving to put together as tight a collection as possible with many diverse viewpoints covering all aspects of Spider-Man’s career. Authors are also expected to follow the editor’s style guide and be willing to have their work edited.
Thank you

Robert Moses Peaslee
Department of Electronic Media and Communications
Texas Tech University

Rob Weiner
Texas Tech University Library
Box 40002
18&Boston
Lubbock Texas
79409-0002
Email: rob.weiner@ttu.edu

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone

Traiter du personnage féminin dans la bande dessinée francophone : voici la fort intéressante ambition d’un article signé Marie-Christine Lipani Vaissade, intitulé « La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone. Cartographie d’une émancipation de fraîche date » et présenté dans le numéro 12 de la revue Le Temps des médias. Consacrée à « La cause des femmes », cette publication donne le ton d’un travail entendant « repérer, à travers les caractéristiques et les traits de quelques personnages clés, comment la bande dessinée a pu (ou non) accompagner un courant d’émancipation de la femme » (p. 153).

Le personnage féminin

L’étude de Marie-Christine Lipani Vaissade entend ainsi interroger des représentations, en l’occurrence des personnages féminins, pour dégager ce que ceux-ci ont de signifiant vis-à-vis de l’un des plus grands faits de société du siècle dernier. C’est ainsi que l’auteur fait remarquer que la petite Bretonne Becassine devient au fil des événements historiques (et notamment après la première guerre mondiale) et à travers une forme de maternité (lorsqu’elle devient nourrice) « une femme lucide, attentionnée, investie d’une mission et consciente de ses responsabilités, recherchant sans cesse de meilleures méthodes d’éducation » (p. 153-154).

Celle qui était née « sans bouche », comme si sa parole n’était en rien nécessaire, semble ainsi progressivement s’affirmer, à l’instar de Lili, héroïne du journal Fillette découvrant progressivement le monde du travail et entamant même récemment une vie amoureuse. Ces références mettent effectivement clairement en évidence une forme d’émancipation : d’abord, de la tutelle familiale dans l’histoire de ces deux personnages, mais également des normes d’une publication les ayant conçues comme « gentillettes » et ne les ayant en tout cas pas destinées à relever « tous les défis de [leurs] temps » (p. 154).

Suivant, selon l’auteur, l’évolution du public des dispositifs éditoriaux assurant leur diffusion, ces personnages montrent que se fissure au cours du siècle une image de la femme que dynamitèrent carrément Barbarella (imaginée par Jean-Claude Forest), Valentina (Crépax), Adèle Blanc-Sec (Tardi) ou Laureline (Christin-Mézières) qui est ici présentée comme « belle, vive, moderne et bien plus futée que son compagnon » (p.160). À cette galerie de portraits ne manque sans doute ici que des héroïnes comme Comanche (Hermann) ou Yoko Tsuno (Roger Leloup), femmes solitaires intégrant le rang des héros célibataires (Ric Hochet, Michel Vaillant…) du journal Tintin.

Média et mysoginie

À côté de l’évocation de ces personnages, nous aurions aimé voir précisée une piste de réflexion qui  semble ici cantonnée (faute de place à ne pas en douter, car les notes de bas de page sont riches) au rang de simple intuition. Le rapport entre émancipation de la femme et média nous semble en effet poser un problème de taille. L’auteur de cet article semble clairement faire de la presse l’instrument de diffusion d’une bande dessinée « un brin mysogine » (p. 156) : l’attachement de Charles Dupuis ou de Raymond Leblanc, directeurs des hebdomadaires Spirou et Tintin, à la « tenue morale de leurs publications » (p. 157) est ainsi évoqué (et aurait pu être étayé au regard d’autres sources comme les entretiens d’auteurs réalisés par Frédéric Niffle ou Hugues Dayez). De même, l’auteur s’appuie sur les propos de Pierre Christin afin de montrer que le fait de devenir un « produit d’édition » (p. 157), et d’être diffusée sous forme d’albums, permet à la bande dessinée de changer «  de récits, de genres mais aussi de lectorats » (Idem).

Serait alors initié un mouvement d’émancipation de la bande dessinée elle-même, mouvement qui trouve, dans le cadre de cet article, un aboutissement à travers l’autobiographie et une « littérature de l’intime [abordant] les questions liées à la condition féminine » (p. 160). À en croire l’auteur, le livre serait donc un médium porteur d’une certaine vertu puisqu’il constituerait le vecteur de la remise en cause d’idées reçues et l’instrument de propagation de nouvelles représentations. Il existerait ainsi un lien direct entre dispositifs médiatiques et mouvement social d’émancipation, et il serait sans aucun doute intéressant d’examiner cette séduisante hypothèse au regard d’exemples de périodiques comme V-Magazine (dans lequel fut d’abord publié Barbarella et nombre d’héroïnes rompant avec les traditionnelles représentations de la féminité), de l’éphémère magazine Ah ! Nana (publié d’octobre 1976 à septembre 1978) ou encore de la collection « Traits féminins », créée par un Thierry Groensteen qui est ici abondamment cité.

Le rapport entre média et mysoginie nous semble d’autant plus intéressant que le rôle de la presse ne saurait être réduit aux seules productions « franco-belge ». Nous sortons ici clairement du cadre qu’entend explorer cet article (qui se limite volontairement aux productions francophones) pour évoquer le travail de Jacques Sadoul qui, puisant largement dans la production anglo-saxonne, a bien montré que les stéréotypes féminins ne sauraient en aucun cas être réduits à la figure de la « potiche » ou de la « poupée ». L’Enfer des bulles (publié chez Jean-Jacques Pauvert en 1968) met ainsi en valeur des catégories d’héroïnes qui, de « fiancées éternelles » à « aventurières », sont parfois clairement le moteur de l’action et n’hésitent pas à revendiquer une sensualité, voire une sexualité. Laureline aurait alors bien des ancêtres qui, de la princesse Narda dans le Mandrake de Lee Falk (p. 10) à Aleta épousant un Prince Vaillant qu’elle ne cessera de dominer (p. 118), entendent bien devenir l’égal de leur compagnon et ne pas s’en laisser compter par la gente masculine. Le comic-book semble alors se situer loin des sages personnages de la bande dessinée « franco-belge » et une nouvelle recherche serait bien avisée d’examiner les représentations féminines au regard des différents environnements de publication et de diffusion de la bande dessinée.

Référence :

Marie-Christine Lipani Vaissade, « La révolte des personnages féminins de la bande dessinée francophone. Cartographie d’une émancipation de fraîche date », article publié dans Le Temps des médias, n°12, 2009/1, Nouveau Monde Édition, p. 152 à 162.

ISSN 1764-2507 / ISBN 978-2-84736-455-2

URL : https://www.cairn.info/publications-de-Lipani%20Vaissade-Marie-Christine–42687.htm

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone

L’Université de Lettres de Galati (Roumanie) organise un colloque international consacré aux « Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone ». Ce thème intéresse au premier chef la bande dessinée qui fourmille de personnages féminins relevant de registres fort différents, qui vont du comique (la Schtroumphette, Mafalda…) à l’érotique (pensons à la Valentina de Crépax) en passant par l’héroïque (Barbarella de Jean-Claude Foret, Yoko Tsuno de Roger Leloup ou encore Lady snowblood de Kazuo Koike et Kazuo Kamimura). Nous reproduisons ci-dessous l’appel à communication dont la date limite est fixée au 20 juin 2010.

Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone

Date limite : 20 juin 2010
Colloque International (15 – 16 octobre 2010)


En prolongeant le thème de l’édition précédente – Représentations de la féminité dans la culture européenne du XXème siècle –, le colloque s’inscrit dans le même domaine des débats visant les projections de l’imaginaire du féminin dans la sphère des représentations culturelles, se fixant, cette fois-ci, dans le contexte francophone. Les deux axes thématiques majeures – les études culturelles / littéraires francophones et les études sur le féminisme / sur les représentations de la féminité dans l’art et dans la littérature – se subordonnent à des domaines de grand intérêt dans la recherche socio-humaine actuelle, tout en continuant et en complétant une série de démarches similaires des universitaires du monde entier. Par le truchement des deux directions proposées, le colloque se veut également un hommage rendu aux valeurs de la francophonie et une occasion pour la dissémination des résultats des recherches consacrées aux présences féminines dans la culture contemporaine.

Des chercheurs et des spécialistes de divers domaines – communication interculturelle en francophonie, études de genre, anthropologie culturelle, l’histoire de la culture et de la civilisation, l’histoire des mentalités, l’histoire de l’art et de la presse, critique, théorie et histoire littéraire, linguistique, études politiques etc. – sont invités à une série de débats concernant l’histoire et la mémoire féministe, le discours féministe, l’écriture féminine, les représentations littéraires et artistiques de la féminité, les projections mythiques / idéologiques de celle-ci au niveau de l’imaginaire politique ou religieux, des thèmes toujours rapportables à l’espace culturel francophone et aux valeurs de la francophonie.

Les débats privilégieront, également, la problématique du dialogue interculturel et de la multiculturalité dans les pays francophones occidentales et dans l’espace postcolonial mais aussi, en particulier, dans l’espace de l’Europe Centrale et Orientale, très peu représenté ou même passé sous silence dans les études contemporaines concernant l’évolution des perspectives sur la féminité. Une section à part sera réservée donc, aux discussions visant l’histoire du féminisme, les hypostases de la féminité et le discours féminin francophone dans la topique socioculturelle de l’Europe Centrale et Orientale, l’accent mis sur l’imaginaire du XXème siècle. Le colloque sur les Représentations de la féminité dans l’espace culturel francophone se veut, de ce point de vue, un exercice de récupération de l’identité féminine francophone dans ces aires géographiques, qui compense la “fragmentation” actuelle de l’histoire et de la mémoire féministe.

Tout en prolongeant l’objectif fondamental de l’édition précédente, le colloque incite à une approche pluridisciplinaire des thèmes proposés, s’intéressant, en particulier, à la manière par laquelle la littérature et l’art construisent / déconstruisent les modèles féminins de l’espace culturel francophone, tout aussi qu’à l’intériorisation de ces modèles, ayant des effets au niveau des comportements sociaux. La configuration des fictions identitaires féminines / féministes dans les aires francophones, en tant que répliques de certains scénarios mentalitaires et constructions idéologiques, dont l’effet est, entre autres, l’engendrement de modèles comportementaux dans l’espace privé ou sociopolitique et culturel, modèles ayant souvent comme point de départ une série de typologies littéraires-artistiques, s’inscrit également dans la thématique du colloque.

Les démarches pourraient être focalisées aussi sur le problème des clichés idéologiques et linguistiques repérables dans les discours sur la féminité, visant les rôles de la femme – en tant qu’”agent” et “projection symbolique”– dans la topique socioculturelle de l’imaginaire francophone, en rapport avec les narrations légitimatrices générées par le “surmoi” sociopolitique et religieux.

Une sélection des articles sera publiée dans la revue Communication interculturelle et littérature, indexée dans MLA International Bibliography & Directory of Periodicals, dans Index Copernicus et dans Fabula. La recherche en littérature, le reste étant intégré dans les Actes du Colloque (un volume avec ISBN, publié à une maison d’édition accréditée par le CNCSIS).

Contacts :

Alina Crihana : crihanoali@yahoo.com

Simona Antofi : simoantofi@yahoo.com

Responsable : Université “Dunărea de Jos” de Galaţi, Faculté des Lettres

Url de référence : http://www.lit.ugal.ro/

Composition du comité scientifique et protocole de rédaction ici.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Têtes de Turcs, boucs émissaires et souffre-douleur

Plusieurs membres de l’Equipe Interdisciplinaire de Recherche sur l’Image Satirique (EIRIS) et du Groupe d’Etudes et de Recherches Historiques du Centre-Ouest Atlantique (GERHICO) lancent un appel à contribution pour un ouvrage consacré aux « Têtes de Turcs, boucs émissaires et souffre-douleur ». La bande dessinée est nommément citée dans le quatrième point du texte qui suit, et elle semble être appréhendée dans son rapport à la caricature. La date limite d’envoi des propositions est fixée au 5 mai prochain.


Têtes de Turcs, boucs émissaires et souffre-douleur


Résumé

Face à ce phénomène social que représentent boucs émissaires, têtes de Turc et souffre-douleur, il est bon de s’interroger sur les figures des mal-aimés et leur fonction dans la vie de nos sociétés. C’est à ce questionnement qu’invitent les signataires de cet appel à contributions, l’objectif étant de constituer un ouvrage qui rende compte des multiples facettes de ce sujet, évoquées dans l’argumentaire qui suit. Ce volume paraîtra en 2011.

Argumentaire

I. Figures

Le bouc émissaire, le souffre-douleur et la tête de Turc sont des victimes uniques. L’unicité de la cible s’incarne dans un individu particulier ou dans une entité collective, un type (un ethnotype ou une catégorie socio-professionnelle, par exemple, « Le Boche », « Le Français », « L’Auvergnat », « Le percepteur »…) et, à l’extrême rigueur, une institution comme le mariage, criblé séculairement de railleries.

Cible du percutant et du persécutant, chaque victime souffre, en revanche, d’une pluralité soit synchronique (le tir groupé), soit diachronique (une salve répétée de mots et de maux). Si la source des malveillances est le plus souvent plurielle, il arrive qu’un individu soit le souffre-douleur ou la tête de Turc d’une seule personne.

Dans les trois cas, mais de différents points de vue, la victimisation pose le problème du juste et de l’injuste. La « peccadille » de l’âne devient scandaleusement un « cas pendable » (cf. « Les Animaux malades de la peste ») et, dans un registre plus détendu, tel écrivain, essuyant une pluie de lazzis, ne mérite pas vraiment l’excès d’indignité dont on l’accable. La situation du bouc émissaire (un seul paye pour tous) ajoute à l’iniquité tandis que la singularité négative et intrinsèque du souffre-douleur (un infirme, un simple d’esprit…) est aggravée par une malignité extrinsèque et durable. L’injustice réside dans une disproportion quantitative ou qualitative (tous contre un, fort contre faible…).

Le langage courant actuel confond souvent, dans une synonymie approximative, les trois appellations « tête de Turc », « bouc émissaire » et « souffre-douleur ». Par rapport à d’autres langues (notamment européennes), le français se singularise. Issue du vocabulaire des attractions foraines, l’expression « tête de turc » contient deux notions spécifiques et leurs harmoniques : le ludique (l’épreuve de force, gratuite, dont l’enjeu prioritaire — sinon unique — est l’autosatisfaction, la gratification immédiate à usage interne…) et un rapport conflictuel relativement équilibré. Majoritairement, le bouc émissaire et le souffre-douleur sont des cibles faibles ou affaiblies, la tête de Turc est plutôt à affaiblir (parce qu’elle a un quelconque pouvoir), même si les esprits frappeurs ne se font guère d’illusions sur l’efficacité de la percussion.

Quand la victimisation touche des « figures » — dans le monde réel ou dans la fiction — plusieurs questions viennent à l’esprit : Comment réagit chaque victime ? Quel est l’enjeu (personnel/collectif, affectif/sociétal) de la victimisation ? Quand et comment passe-t-on d’une simple addition de coups au constat d’une homogénéité voire d’une orchestration ? Dans quelle mesure la raison initiale de la victimisation est parfois modifiée et même oubliée en cours de « rouste » (on ne sait plus pourquoi on frappe mais on continue l’arrossage) ? Existe-t-il des changements de statut (par exemple, une personne, d’abord tête de Turc, devient bouc émissaire) ?

II. Victimes consentantes – victimes malgré elles

Le souffre-douleur qui attire les mauvais traitements est d’emblée dans une situation de victime. Il subit de manière douloureuse, ainsi que l’expression même l’indique, l’état de fait de sa différence et de sa propre faiblesse, vécues comme des anomalies par un entourage peu tolérant. Tel est le cas de l’enfant fragile, soumis aux tracasseries de ses camarades d’école, de la personne de couleur en proie aux malveillances du « petit blanc », de l’handicapé, physique ou mental, si souvent raillé autrefois, de l’animal familier confronté à des sévices physiques, à la mesure des insatisfactions de son maître. Le souffre-douleur constitue en effet un « terrain » de défoulement pour les médiocres qui, faute de pouvoir surmonter leurs frustrations, s’en prennent à plus faibles qu’eux, voyant en celui-ci le miroir déformé d’eux mêmes.

Le souffre-douleur, qui subit les attaques d’autrui en dépit de sa volonté est une victime « malgré elle ». Il ne se rebelle pas. Néanmoins, et en ce sens on peut le considérer comme une victime consentante, son attitude introvertie, allant jusqu’à l’enferment farouche et sauvage, semble autoriser la récidive du persécuteur. Dans une situation de doute entre le sentiment d’avoir fait mouche et celui de n’avoir pas de prise sur son « adversaire », celui-ci agacé, énervé, est enclin à se complaire dans sa méchanceté et même à accentuer son acharnement.

Le souffre-douleur est une victime consentante, quand il entretient la non communicabilité et peut transformer son agresseur en tortionnaire, dans un processus de masochisme et de martyrologie. Le mutisme de Poil de Carotte, en revanche, est sur ce point ambigu, car il est conçu par Jules Renard comme une arme de subversion.

Nous ne trouvons pas à première vue la même connotation de faiblesse dans la formule « Tête de Turc » qui sous-entend résistance et autorité. Ne dit-on pas, par ailleurs, « Fort comme un Turc » ? Les personnages en butte aux quolibets sont le plus souvent des adultes, personnifiant une institution (critique, professeur) ou une catégorie sociale en vue. Ils ont même, à l’occasion, une personnalité hors du commun qui, parce qu’elle force l’attention de la collectivité, prête le flan à la critique (Sarcey, Victor Hugo, Zola).

À cet égard, la « Tête de Turc » qui évoque les effigies des baraques foraines sur lesquelles sont lancés des projectiles, et le contrepoint du portrait-charge, réservé aux « Gloires ». N’est pas « Tête de Turc » qui veut….

Or, le personnage visé est bien souvent complice dans l’exploitation satirique des différences et de la création de la « Cible » : ingénuité voulue ou feinte, sens du théâtre (cf. les peintres Bouguereau, le Douanier Rousseau, le critique Sarcey).

La « Tête de Turc » est dans une large mesure de clown qui entend rester maître du jeu, en faisant croire qu’il est dupe. Il est une victime, car il subit une dévalorisation qu’il n’a sans doute pas souhaitée à l’origine, dont il souffre peut être dans son for intérieur. Mais il entend contrôler cette dépréciation par la stratégie de la surenchère et du détournement, dirigeant les attaques sur le double de lui-même.

Loin de craindre l’extraversion, il en devient le maître. C’est là une forme de protection. Victime consentante, il alimente malgré tout un jeu qui, à la longue peut se révéler systématique et cruel. Tout comme le souffre-douleur, dont la carapace cache aux yeux du monde la véritable personnalité, la « Tête de Turc » est confrontée aux dangers de la dissimulation et du mystère. Dans le faux semblant du dédoublement, elle se retrouve face à la perte de repères d’un public ébranlé dans son assurance de bien-pensant.

III. Techniques – Stratégies – Procédés

Faire d’une personne ou d’un groupe un souffre-douleur, un bouc émissaire ou une tête de Turc présuppose de la part des acteurs une stratégie particulière et le recours à différentes techniques visant à mettre le doigt sur les défauts ou déficiences jugés patents ou présentés comme tels. Il convient donc de tenter de repérer toutes les techniques mises en œuvre lorsque se réalisent de tels rapports humains inégalitaires.

On peut penser par exemple, lorsqu’il s’agit de déterminer ou définir la « victime », aux procédés d’accentuation, de stéréotypisation, de simplification manichéenne ou d’itération. On peut songer d’autre part, lorsque l’acteur ou le chroniqueur tente d’emporter l’adhésion du spectateur ou du lecteur, au recours à des situations ou des discours empreints d’affectivité, dans lesquels comique (humour, ironie, satire) ou tragique vont jouer un rôle primordial en fonction des situations, des cas de figure et de l’intention de la personne qui agit ou qui relate les actes. Quelles techniques sont ainsi utilisées avec le personnage de Guignol ? Comment Jules Renard parvient-il à évoquer la situation de Poil de Carotte ? Comment Cendrillon est-elle présentée ? Que penser du parapluie dont fut affublé Laurent Fabius durant un temps ? Dans ce dernier cas, comme dans bien d’autres, il est également nécessaire de se pencher sur les (éventuelles) stratégies de défense adoptées par la « victime ».

C’est à ce genre de questions, qui prennent naissance dans des domaines forts divers,  que nous vous invitons à réfléchir, l’objectif étant de déterminer si les stratégies divergent beaucoup en fonction du contexte.

IV. Effets sociaux

La caricature, le dessin de presse, la bande dessinée font rire en croquant des « sales gueules » et des « abominables bobines », mais suscitent aussi d’autres émotions et réactions. Sans doutes les dessinateurs, à travers leurs productions artistiques, jouent un autre rôle. Il leur est dévolu de dénoncer des travers de la société, des injustices criantes, des scandales trop vite étouffés. Pour cela, boucs émissaires, têtes de turcs et souffre-douleur sont tour à tour au centre d’oeuvres plastiques très différentes. Dans cette perspective, un des premiers effets sociaux escomptés est celui de la mobilisation. En dénonçant le patronat qui ne songe qu’à s’empiffrer, le dessin conforte une vision du monde et resserre les rangs des lecteurs qui la partagent. La dénonciation se transforme parfois en indignation. Il convient alors de réagir à l’actualité politique. A la Belle Époque, les guerres coloniales et les massacres transforment les va t’en guerre en têtes de Turcs. Le roi des Belges devient l’objet de multiples caricatures. Reste à faire l’inventaire des sujets qui suscitent l’indignation, appartenant au registre du jugement et de l’émotion, et des personnages transformés totalement ou partiellement en têtes de turc.

De très nombreux boucs émissaires sont présentés à la curiosité du public. Mais, au-delà des figures et des personnalités brocardées, la caricature, dans bien des cas,  semble délivrer un message : les boucs émissaires assurent la cohésion des groupes et des sociétés. Dans L’Assiette au Beurre, une vignette, dont on peut faire de multiples lectures, montre une fille-mère chassée d’un village par toute une communauté, curé en tête, paroissiens derrière, et au première plan des oies menaçantes, doubles du desservant. La fille-mère est celle qui a fauté et qui soude ainsi la communauté villageoise, ses habitants et ses représentations du monde social. Comme dans l’ancienne fête juive des Expiations où un bouc était conduit aux confins du dessert et « chassé au milieu des cris de tout le peuple ». Il conviendrait de repérer et d’analyser les diverses scènes dans lesquelles un  bouc émissaire joue le rôle de « ciment social ».

Enfin, le souffre douleur mis en image répond à d’autres logiques. Il s’agit sans doute de révéler des situations souvent effroyables ou scandaleuses. Tandis que la tête de Turc est fréquemment présentée comme un bourreau ou un coupable, le souffre-douleur est lui une victime. Toutefois, à la Belle Époque, le souffre-douleur est souvent une victime inattendue, pitoyable et sans défense. Appartiennent à cette catégorie : les animaux. Dans la presse satirique, des scènes représentent des cochers et leur brutalité légendaire, des chiens noyés par des enfants cruels, des animaux de ferme tués à la tâche. Dans le domaine des mœurs, des mères maquerelles sont régulièrement dénoncées, deviennent des têtes de Turcs tandis que les fillettes ou les jeunes filles apparaissent comme des souffre douleur. Tout se passe comme si on pouvait grossir le trait ou en rire, mais que l’on était impuissant à changer les choses. Sans doute, les dessinateurs ont-ils donné aux boucs émissaires, aux têtes de Turcs et aux souffre-douleur d’autres fonctions qu’il conviendra de recenser et d’étudier.

Il est attendu des contributions d’environ 25 000 signes. Les propositions de contributions accompagnées d’un descriptif d’une demi-page à une page (comprenant adresses postale et électronique, fonctions, rattachement institutionnel) sont à envoyer conjointement à :

  • solange.vernois@wanadoo.fr;
  • chauvaud.frederic@wanadoo.fr;
  • christian.moncelet.editionsbof@wanadoo.fr;
  • jean-claude.gardes@univ-brest.fr

Date limite de réception des projets : 5 mai 2010

Notification d’acceptation aux auteurs après examen : fin juin 2010-03-06

  • Gardes Jean-Claude
    courriel : gardes (at) univ-brest [point] fr

    19, rue Sainte-Beuve
    29 200 Brest
  • Chauvaud Frédéric
    courriel : chauvaud [point] frederic (at) wanadoo [point] fr
  • Benoît Berthou

    Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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    Hybrides, monstres et autres aliens dans la littérature des XXe-XXIe siècles

    L’Institute of Germanic and Romance Studies, situé à Londres, organise les 9, 10 et 11 septembre prochain un colloque intitulé « Hybrides, monstres et autre aliens dans la littérature des XXe-XXIe siècles ». Ces créatures ne manquent pas dans l’histoire de la bande dessinée (pensons, entre autres, à Richard Corben et à son Cycle de Den, à Tardi avec la série des Adèle Blancsec ou encore à Bilal et La Foire aux immortels…). Contactée, la tonique Lucile Desblaches se déclare enchantée à l’idée de recevoir des propositions traitant du neuvième art et nous reproduisons ci dessous l’appel à communication.

    Hybrides, monstres et autres aliens dans la littérature des XXe-XXIe siècles

    Les deux dernières décennies ont vu s’accroître l’importance du rôle du non humain dans les études littéraires et culturelles. Les disciplines émergentes de l’écocritique et des études sur les animaux ont pour but de rediriger nos discours centrés sur l’humain vers une poétique de la diversité fondée sur une plus large prise de conscience des vies et des perspectives non humaines. Ces nouveaux champs critiques se sont essentiellement concentrés sur les rapports des humains et des animaux, sur la présence ou l’absence de valeurs écologiques dans les textes et sur le rôle de l’environnement à travers ses formes diverses d’expression créatrice.

    Ce colloque propose d’évaluer l’importance des êtres hybrides et des monstres dans la littérature depuis le début du XXe siècle. Les images de destruction qui se perpétuent depuis la mythologie grecque sont-elles encore en vigueur ? Le motif darwinien d’une créature de survie prévaut-elle toujours dans la littérature contemporaine ? En quoi reflètent-elles nos attitudes contemporaines envers le non humain et l’inhumain ? Des « monstres prometteurs », ainsi que Donna Haraway les a nommés dans l’un de ses premiers ouvrages, sont-ils repérables dans les textes d’aujourd’hui?

    Ce colloque sera essentiellement centré sur la littérature. Dans la perspective d’une arène littéraire élargie il prendra cependant en considération les propositions orientées sur les pratiques cinématographiques et sur les discours anthropologiques, scientifiques ou politiques. Les propositions de réflexion autour des littératures européennes pourront notamment aborder les thèmes suivants :

    – chimères et mutants

    – posthumains, cyborgs et autres créatures du futur

    – biotechnologie et génétique en création littéraire

    – l’influence des images du monstre

    – dystopies et monstruosité

    – le monstrueux et le grotesque

    – monstrueux, sexuations, pratiques genrées

    – l’humain vs le non humain

    – définir et explorer l’hybridité

    – frontières humaines/non humaines

    – animalité et humanité

    – irrationalité, aliens et monstres

    – l’héritage des vampires et autres créatures imaginaires

    – frontières des espèces

    – la précarité des normes humaines/non humaines

    – les espèces et l’évolution

    – discours d’aliens

    – monstres et genres littéraires.

    Organisatrice: Lucile Desblache, Roehampton University. Participation du CNRS/Paris III (Anne Simon/Programme de recherche Animalittérature), du British Comparative Literature Association (BCLA) (Karen Seago) et de l’Institute for Germanic and Romance Studies (Université de Londres).

    Site Internet : http://igrs.sas.ac.uk/index.php?id=373

    Conférenciers invités : Dominique Lestel, Kate Soper

    Les Presses de la Sorbonne Nouvelle pour les contributions en français, l’University of Edinburgh Press pour celles en anglais ont exprimé leur intérêt pour une publication des actes.

    Veuillez envoyer votre proposition de communication ou de panel en anglais ou en français (300 mots environ) avant le 31 mars 2010 à :

    Lucile Desblache, l.desblache@roehampton.ac.uk

    ou par courrier postal

    Roehampton University, School of Arts

    Digby Stuart College
    Roehampton Lane Londres SW15 5PU
    Royaume Uni

    Benoît Berthou

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    Le « méchant » : un personnage problématique

    L’IUFM de Basse-Normandie organise en mai prochain une journée d’étude autour du thème du « Méchant ». Cet événement est consacré à la littérature de jeunesse, mais la bande dessinée est, selon les organisateurs, la bienvenue. Voici donc une occasion d’explorer le « Neuvième art » à travers ce thème on ne peut plus riche.

    LE « MÉCHANT », UN PERSONNAGE PROBLÉMATIQUE

    Entre identification et distanciation, le jeu de l’exemplarité dans la littérature de jeunesse

    Journée scientifique organisée par l’IUFM de Haute-Normandie le 19 mai 2010

    Responsables : Myriam Tsimbidy (IUFM de Haute-Normandie) et Aurélie Rezzouk (IUFM de Haute-Normandie)

    Traditionnellement, on considère que le « méchant » correspond au faire valoir du héros. L’opposition entre ces deux personnages crée une véritable dynamique narrative qui engendre le suspense et la curiosité. Toutefois, le lecteur choisit son camp et espère que le combat s’achève par le triomphe de « vraies valeurs ». « Le repérage des valeurs est en effet un des moteurs essentiels de l’investissement du sujet : les enfants ont besoin de savoir qui sont les bons et les ‘méchants’. » écrit Vincent Jouve[i].

    Le « méchant » est censé respecter une ligne de conduite en rapport avec les principes, les normes sociales et les lois. Mais que se passe-t-il lorsque le texte modifie ou brouille le système de repérage ? Les représentations initiales sont alors bouleversées.

    Le lecteur est amené à prendre une certaine distance avec ce qu’il avait pu considérer comme un modèle ou un contre-modèle. Derrière le masque du « méchant » se cacherait-il un héros incarnant des valeurs positives ? Un personnage ressenti comme inoffensif et rassurant, pourrait-il se révéler dangereux, déloyal et malfaisant ?

    Nous proposons dans le cadre de cette journée de réfléchir sur le « méchant » en tant que personnage problématique :

    – Le « méchant » : une catégorisation ambiguë

    En fonction de quels critères se définit-il ? Existe-t-il un consensus autour de ce personnage ? En quoi cette étiquette véhicule-t-elle ou non un système de représentations esthétique, idéologique, éthique ? Cette catégorisation dépend-elle du point de vue du narrateur, d’autres personnages ou du lecteur ?

    – Le « méchant » et la construction narrative

    Le « méchant » en qualité de héros du récit est-il un moyen de bousculer les a priori, de construire une autre perception du monde, ou encore une anodine inversion ? Le découvrir suffirait-il à restituer la pertinence du système ? Serait-ce tout simplement une manière de le rendre inoffensif (cf. les parodies) ?

    A quels signaux textuels reconnaissons-nous le « méchant » : ses caractéristiques physiques, vestimentaires, son rapport au langage, son rapport aux autres… ? Par quelles adresses au narrataire, par quels effets d’ironie l’auteur insère-t-il un jugement axiologique ?

    Par quels procédés littéraires (brouillage axiologique, ambiguïté de la source énonciative, réticence voire silence du narrateur) la fiction déstabilise-t-elle nos représentations du « méchant » ?

    En quoi le choix du mode de narration (focalisation, discours rapporté, monologue intérieur) influe-t-il sur la distanciation ou l’identification du lecteur avec ce personnage jouant le contre-modèle ?

    – Le « méchant » dans l’histoire littéraire

    Pouvons-nous repérer des étapes historiques, des oeuvres-clef dans la construction de ce portrait du « méchant » sur le plan esthétique, idéologique, éthique ?

    – Le « méchant » et l’exemplarité

    Le « méchant » est-il uniquement un contre-modèle, un biais pour proposer une exemplarité en creux ou un moyen de rencontrer, de découvrir « l’autre » en soi ?

    En quoi la représentation du méchant lève-t-elle le voile sur les ressorts de la violence, du racisme et de la haine ? Révèle-t-elle l’origine d’un système de pensée ignoble qui peut, comme le montrent Marie-Claire et Serge Martin, « nous traverser à notre insu »[ii] ?

    Les pistes présentées sont loin d’être exhaustives. D’autres axes d’étude restent envisageables.

    Les propositions de communication d’une page maximum sont à envoyer à myriam.tsimbidy-rochu@univ-rouen.fr et à aurelie.rezzouk@univ-rouen.fr avant le 1 mars 2010.

    [i] Poétique des valeurs, Paris, PUF, 2001, p.10.

    [ii] Marie-Claire et Serge Martin décrivent ainsi la force du « corps-langage » à propos de Fais moi peur de Malika Ferdjoukh (Quelle littérature pour la jeunesse ? » « 50 questions », Klincksieck, 2008).

    Benoît Berthou

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    Imaginaire des anges et des superhéros dans la bande dessinée

    Vient de paraître une livraison de la revue Robinson constituant le catalogue de l’exposition qui se tient à la Cité Internationale de La Bande Dessinée et de l’image jusqu’au 30 mai 2010 : « Anges et superhéros dans la bande dessinée ». Cette publication semble adopter un axe fort intéressant (s’inscrire dans une histoire de l’art en se plaçant sous l’égide de l’archange Saint Michel).

    Quels liens entre anges et superhéros dans les mangas, les comics, la fantasy ? Figures du désir, ils fascinent par leur dualité au point que leur essor dans la bande dessinée d’auteurs en Europe, en Asie comme aux États-Unis enrichit leurs natures, fonctions et représentations.
    Comment incarner l’ange ? De l’angélisme à l’ange déchu, de l’ange-robot à l’ange érotique, cet ouvrage interroge les complexités de ces personnages en analysant aussi bien le combat entre Superman, « l’ange de Métropolis », et Batman, les Anges de l’histoire ou du rêve, le superhéros français Fantax et bien d’autres dans le registre de la poésie ou de la parodie critique.
    À travers une centaine de bandes dessinées étudiées, de façon pédagogique, dans ce catalogue, le lecteur prendra connaissance de l’origine des anges et des superhéros, avant d’explorer les multiples avatars, transfigurations, métamorphoses d’anges masculins ou féminins, de superhéros puissants mais aussi vulnérables et troublés.
    Sous l’orbe de l’archange saint Michel, la monstruosité semble tout à fait autre, extérieure, sous la forme du dragon. Et pourtant désigné dans les codes spécifiques de la bande dessinée contemporaine, cet autre nous est-il si étranger ?

    Le sommaire est disponible sur le site de l’université d’Artois.

    Benoît Berthou

    Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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