Révolutions de l’animation à l’ère postmoderne : programme

Vanessa Besand et Victor-Arthur Piegay de l’Université de Bourgogne ont eu l’excellente idée de doter le colloque qu’ils organisent à Dijon les 16 et 17 février prochain d’un site Internet. Celui-ci présente l’événement de façon exhaustive : outre une longue introduction sur le cinéma d’animation, celui-ci présente les différents intervenants et offre un résumé de leurs communications. Autant d’information permettant de se familiariser avec un domaine encore délaissé par des chercheurs bien que témoignant d’une richesse qu’illustre parfaitement le programme que nous reproduisons ci-dessous.

 

Révolutions de l’animation à l’ère postmoderne

Dijon, 16 et 17 février 2012

Jeudi 16 février

09h00 : Accueil des participants et ouverture du colloque.

09h30 – 11h00 : Séance plénière

Présidence : Victor-Arthur Piégay


09h30 – 10h15 : Yvan West Laurence
« Présentation du monde de l’animation »

10h15 – 10h30 : Discussion

10h30 – 11h00 : Pause

11h00 – 13h00 : Première séance : Le domaine français

Présidence : Sylvie Laigneau-Fontaine

11h00 – 11h30 : Georges Zaragoza (Université de Bourgogne)
« Persepolis »

11h30 – 12h00 : Vanessa Besand (Université de Bourgogne)
« Le Court-métrage Logorama : une prouesse technique au service de la pluralité interprétative »

12h00 – 12h30 : François-Ronan Dubois (Université Stendhal – Grenoble 3)
« Les Courts-métrages d’animation de fin d’études en France : un genre ? »

12h30 – 13h00 : Discussion

13h00 – 14h30 : Déjeuner

14h30 – 17h00 : Deuxième séance : L’animation japonaise : un univers polymorphe

Présidence : Pierre Ancet

14h30 – 15h00 : Antonio Dominguez Leiva (Université du Québec à Montréal)
« Le Jardin des supplices de l’anime, de la cyberviolence au Ero Guro »

15h00 – 15h30 : Victor-Arthur Piégay (Université de Bourgogne)
« Metropolis ou Babel animée »

15h30 – 16h00 : André Laidli (Université Jean Moulin – Lyon 3)
« Peindre la réalité quotidienne : le cinéma d’animation « à voix basse » d’Isao Takahata »

16h00 – 16h30 : Discussion

16h30 – 17h00 : Pause

17h00 – 18h30 : Troisième séance : L’Amérique et ses valeurs

Présidence : Jacques Poirier

17h00 – 17h30 : Sébastien Hubier (Université de Reims Champagne-Ardenne)
« Team America, World Police : pastiche, parodie et satire du rêve américain »

17h30 – 18h00 : Chloé Gauzi (Université de Reims Champagne-Ardenne)
« “Do I dare live out the American dream?” : subversion et réaffirmation des discours fondateurs dans The Simpsons »

18h00 – 18h30 : Discussion

20h30 : Projection-débat au cinéma L’Eldorado à Dijon

Vendredi 17 février

09h00 – 11h30 : Quatrième séance : Réécriture, clins d’oeil et parodie

Présidence : Vanessa Besand

09h00 – 09h30 : Lucie Merijeau (Université Paris 3)
« Le Studio Pixar : (dé)construction d’un mythe auteuriste »

09h30 – 10h00 : Sébastien Decerle (Université de Bourgogne)
« Désillusion du personnage et transformation du genre : mise en scène de l’évolution du cinéma d’animation dans Toy Story, Shrek et Il était une fois »

10h00 – 10h30 : Bérénice Bonhomme (Université Paris 3)
« Quand le cinéma d’animation enfile la panoplie du cinéma en prise de vue réelle »

10h30 – 11h00 : Discussion

11h00 – 11h30 : Pause

11h30 – 13h00 : Cinquième séance : Le film d’animation aux prises avec le monde actuel

Présidence : Didier Souiller

11h30 – 12h00 : Sébastien Denis (Université d’Aix-Marseille)
« Que l’animation documente-t-elle ? De l’Histoire à l’animateur »

12h00 – 12h30 : Pierre Ancet (Université de Bourgogne)
« La Reconstruction de la mémoire dans Valse avec Bachir d’Ari Folman »

12h30 – 13h00 : Discussion

13h00 – 15h00 : Déjeuner


15h00 – 16h30 : Sixième séance : Les spécificités du medium de l’animation

Présidence : Sébastien Denis

15h00 – 15h30 : Gabriel Tremblay-Gaudette (Université du Québec à Montréal)
« L’Élasticité plastique contrainte à la rigidité : quand le manga devient anime »

15h30 – 16h00 : Jean-Baptiste Massuet (Université Rennes 2)
« Préparer la « seconde venue » du cinéma : l’aventure du studio ImageMovers de Robert Zemeckis (2004-2010), pour une révolution du cinéma d’animation sans l’animation »

16h-16h30 : Discussion

16h30 – 17h00 : Clôture du colloque

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Les révolutions de l’animation

Vanessa Besand et Victor-Arthur Piégay du Centre Pluridisciplinaire Texte et Culture (CPTC) de l’université de Bourgogne lancent un appel à communication intitulé : « Les révolutions de l’animation à l’ère postmoderne ». Ce dernier adjectif fait ici référence à une période précise : celle qui suit 1988 et l’apparition des dessins animés japonais. C’est bien une animation en « révolution », qui est présentée ici comme n’étant plus forcément liée à l’enfance et ne constituant pas un produit de divertissement, que les organisateurs proposent aux chercheurs d’étudier à travers trois axes d’étude (technique, culturel et sociologique pourrions nous résumer en faisant remarquer que l’axe « transmédiatique » semble laissé de côté). La date limite de réponse est fixée au 15 octobre prochain.

 

Les révolutions de l’animation à l’ère postmoderne

(de la fin des années 80 à nos jours)

Colloque organisé par le CPTC

Université de Bourgogne, Dijon

16 et 17 février 2012

Depuis quelques années, le film d’animation semble être devenu un genre à part entière ; un genre non plus cantonné à la sphère enfantine, mais s’adressant désormais à tous les publics. La multiplication des réalisations et des sorties en salle, comme le succès de ces films, prouve cette émulation nouvelle. Le film d’animation semble même avoir conquis sa dignité et sa respectabilité puisqu’un Oscar dans cette catégorie est désormais attribué à Hollywood depuis 2002, signe de la spécificité du genre de l’animation par rapport aux autres réalisations filmiques.

Mais quelle date assigner à ce passage du dessin animé à l’âge adulte ? En convoquant les grands succès de la dernière décennie – les longs-métrages des studios Pixar, la tétralogie Shrek ou les films de Hayao Miyazaki – nous pourrions être tentés de voir une coïncidence entre la maturité du film d’animation et le tournant des XXe et XXIe siècles. Mais il semble que les bouleversements à l’intérieur du genre se soient produits plus tôt encore, principalement dans les productions américaines et nippones. Or ces changements ne semblent pas tant renvoyer au domaine technique qu’à une double innovation : la transposition dans le medium qu’est le dessin animé du film de genre, mais aussi l’élargissement massif du public visé par ces productions.

L’année 1988 voit ainsi la sortie de deux longs-métrages fondateurs de l’animation postmoderne : Qui veut la peau de Roger Rabbit réalisé par Robert Zemeckis et Akira de Katsuhiro Ōtomo. Le premier vise un public élargi par rapport aux productions habituelles de Disney : il multiplie les niveaux de lecture en (se) jouant de multiples références culturelles et en proposant une brillante relecture parodique du film noir. Le second permet quant à lui au dessin-animé d’investir le genre de la science-fiction avec un ton résolument adulte qui ouvrira la voie à des réalisateurs nippons désormais bien connus des amateurs d’animation japonaise autant que du grand public : Mamoru Oshii (Ghost in the Shell), Hayao Miyazaki (Princesse Mononoke, Le Voyage de Chihiro) ou feu-Satoshi Kon (Perfect Blue, Paprika).

Ces deux grandes réussites artistiques nous semblent pouvoir marquer symboliquement le commencement d’un cinéma d’animation mature et adulte. Sans constituer une limite rigide, l’année 1988 sera ainsi considérée comme commencement de la période étudiée et les communications ne devront pas excéder trop largement en amont cette date symbolique. Cela nous semble d’autant plus important que la fin des années 1980 illustre aussi l’explosion de l’animation sérielle. Certaines séries animées deviennent en effet de véritables phénomènes de société à l’instar des Simpson ou des programmes nippons massivement diffusés par le Club Dorothée lesquelles participent, qu’on le veuille ou non, de l’évolution et de la révolution de l’animation depuis la fin des années 80 et pourront parfaitement trouver leur place dans ce colloque, comme d’autres productions américaines qui, suivant le modèle des Simpson, s’adressent à un très large public : Beavis and Butt-Head, Daria ou, plus récemment, South Park.

Dans cette perspective, nous voudrions vous suggérer ici quelques pistes de réflexion destinées à mettre en lumière la généricité bien spécifique de l’animation et son lien à la postmodernité :

– La question de la technique et du progrès technologique :

L’animation devenue genre à part entière se décline sous différentes formes liées à la créativité de chacun et à la diversité des supports employés : certains demeurent attachés au dessin traditionnel (Sylvain Chomet) quand d’autres lui préfèrent les images de synthèse (tous les films des studios Pixar) ou d’autres encore, la pâte à modeler (Nick Park avec Wallace et Gromit ou Adam Elliot avec le mélancolique Mary and Max). Cette question de la diversité des supports dans l’animation contemporaine pose indiscutablement celle de la place des nouvelles technologies dans les films d’animation. L’animation ne peut en effet se penser sans la technique. En ce sens, elle invite, depuis les années 80, à une réflexion sur les progrès de la technologie et corrélativement, sur ses pouvoirs et ses dangers. Le problème de la virtualité est de plus en plus au centre de films d’animation qui cherchent à copier la réalité et à lui faire ainsi concurrence. Des films comme Mary Poppins (1963) ou Peter et Elliot le dragon (1977) repoussaient déjà les limites techniques du film d’animation en faisant cohabiter acteurs de chair et personnages animés. Mais aujourd’hui, la problématique n’est plus de cet ordre. Le but s’est déplacé de la virtuosité technique à l’illusion de réalité et à la volonté de faire concurrence, grâce à des personnages de plus en plus anthropomorphes, aux acteurs réels. Sur ce point, l’adaptation animée du jeu vidéo Final Fantasy (2001) est révélatrice, de même que la tentative de création de personnages animés empruntant leurs traits à des acteurs réels (Tom Hanks dans Le Pôle Express de Robert Zemeckis).

– La question de la réécriture, de la parodie et du décalage :

Nous aimerions aussi interroger durant ce colloque la place accordée à la réécriture dans l’animation postmoderne. Une telle perspective impose tout naturellement une réflexion sur la tradition du film d’animation et sur son traitement actuel. Le cas Disney semble sur ce point extrêmement révélateur. Loin de se cantonner à la féérie d’antan, l’animation américaine a récemment tenté de se détacher de la fiction pour enfants, qui mettait en scène princes et princesses avec solennité et candeur. L’évolution sociale et artistique a en effet imposé de nouveaux modèles de représentation qui consistent en une reprise parodique et détournée de la féérie traditionnelle. Bien que toujours inspirés de contes de fées, les nouveaux films des studios Dreamworks (la série des Shrek) ou Disney (Raiponce) jouent volontairement du choc entre les époques en présentant des couples issus du hors-temps du conte et faisant preuve d’une modernité à toute épreuve. Les princesses, désormais maîtresses-femmes, s’y révèlent tout aussi actives que leur prince et non plus cantonnées à la passivité.

Toutefois, la question de la réécriture et de la parodie ne se limite pas au film féérique. Wall-E par exemple n’hésite pas à réécrire explicitement et avec beaucoup d’humour le 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick. Ce principe de réécriture permanente mérite donc d’être interrogé très largement. Il peut concerner la tradition de l’animation, mais aussi d’autres formes de traditions artistiques, telles que le cinéma dans son ensemble ou la littérature, à partir du moment où ces formes mettent en jeu une réflexion sur le mouvement postmoderne et sur ses principes de reprise décalée ou parodique. C’est la notion d’ironie propre à la postmodernité, telle qu’elle est mentionnée et analysée par divers théoriciens (Umberto Eco, Ihab Hassan), qui se profile ici et gagnera à être étudiée.

– La question du rapport de l’animation postmoderne à l’Histoire, à la société et à l’idéologie :

Les récents Persepolis de Marjane Satrapi (2007) et Valse avec Bachir de Ari Folman (2008), qui tissent des liens avec le monde contemporain, ont montré à quel point l’animation pouvait être en prise avec l’actualité et l’Histoire. Grâce à différents outils techniques et esthétiques, le film d’animation cherche désormais à dire le monde qui l’entoure et/ou à véhiculer un message politique, idéologique ou social. Les films de Miyazaki ont ainsi tous trait à des questions d’ordre écologique qui sont en résonnance directe avec les préoccupations internationales contemporaines.

Mais l’intérêt pour nous dans ce colloque serait, non de nous interroger sur le pur traitement thématique d’une donnée idéologique ou historique, mais bien de montrer en quoi la forme animée se présente comme un vecteur opérant dans ce domaine. Il serait ainsi intéressant de se demander pourquoi Ari Folman a choisi l’animation dans Valse avec Bachir et pourquoi celle-ci lui a semblé plus pertinente qu’un film à acteurs pour évoquer les massacres des camps de Sabra et Chatila en 1982.

Ces trois axes, qui pourront donner lieu à des propositions très diverses, ne sont naturellement pas exhaustifs. Des propositions portant sur la question de la mondialisation, sur le tiraillement entre spécificité(s) (d’un pays, d’un auteur) et uniformisation, sur la frontière entre art et entertainment dans l’univers de l’animation (en raison du poids des studios et des sociétés de production) et par conséquent, sur le lien entre postmodernité et marchandisation de l’art seront aussi les bienvenues.

Les propositions de communication, de 500 mots maximum et accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique (nom, discipline, affiliation, domaine(s) de recherche), sont à envoyer à Vanessa Besand et Victor-Arthur Piégay à l’adresse colloque.animation@gmail.com avant le 15 octobre 2011.

Responsable : Vanessa Besand et Victor-Arthur Piégay

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Bande-dessinée, animation et spectacle vivant : « remediation »

L’université de Lyon 2 lance un appel à communication intitulé « Bande dessinée, animation et spectacle vivant : « remédiation » ». Emprunté à Richard Grusin, et devant beaucoup à la pensée de Marshall McLuhan, ce terme invite à penser les relations que peuvent entretenir différents médias, problème qui sera notamment à l’honneur lors de la 4e université d’été de la bande dessinée en juillet prochain. Si cet appel à communication présente une originalité,c’est certainement parce qu’il invite à des propositions relevant du spectacle vivant. Or, les études sur les relations que celui-ci entretient avec la bande dessinée ne sont pas légions,alors que certaines oeuvres  que celles-ci peuvent prendre de multiples formes : adaptation scénique (Le femme assises de Copi, Le Démon de midi de Florence Cestac), reprise de pièces sous forme de bande dessinée (comme dans le cadre de la collection Commoedia des éditions Vent d’Ouest), performance (comme dans le cadre des concerts dessinés très en vogue, voire des pièces de théâtre illustrés « en direct » par des auteurs). Un éclairant article, publié sur le portail de la Bibliothèque Municipale de Lyon, fournit nombre de pistes au sein desquels il s’agira de trancher avant le 15 septembre 2010.

Bande-dessinée, animation et spectacle vivant : « remediation »

Propositions attendues dans les champs suivants : théâtre d’acteurs, de marionnettes, d’ombres, d’objets ; théâtres d’images ou du mouvement ; danse ; cirque ; cinéma d’animation ; arts graphiques.

Date limite d’envoi des propositions : 15 septembre 2010

Alors que les rapports entre la scène et le cinéma ont déjà donné lieu à d’importantes publications, les expériences de transposition, les phénomènes de croisements et d’interactions entre les arts scéniques et le dessin, fixe ou animé, demeurent à ce jour guère explorées. Prenant acte de cette carence, et au vu du nombre croissant de créations faisant converger ces deux champs artistiques, nous placerons au coeur de notre réflexion les influences, manifestes ou latentes, qu’ils peuvent mutuellement exercer l’un sur l’autre.
C’est en effet sous l’angle de la remediation, dynamique de pensée impulsée, il y a une dizaine d’années, par Jay David Bolter et Richard Grusin (Remediation. Understanding new media, The MIT Press, Cambridge (Massachussetts), London (England), 2000), que nous souhaitons aborder ce questionnement. Par ce concept, les auteurs invitent à réfléchir aux rapports entre les techniques et les arts sur le mode, non pas de la progression historique, mais de l’interaction et de la rétroaction. Selon eux, il n’y a pas de généalogie à sens unique, mais des phénomènes de va-et-vient médiatiques, qui font que tout nouveau médium se développe et se définit en relation avec des techniques et des formes de représentation plus anciennes, qu’il se réapproprie, qu’il réinvestit – mais autant que ces dernières s’approprient, à leur tour, les nouveaux langages et formes développés par lui.

Les propositions de communication devront s’inscrire dans l’un des trois axes suivants :

1) Adaptations
Les propositions consisteront alors en des analyses de cas : oeuvres théâtrales ou chorégraphiques tirées de bande-dessinées (par exemple : La femme assise, de Copi ; cycle BDanse de la compagnie Eco, qui collabore avec Blanquet, Loisel…), mais tout aussi bien, BD ou films d’animation réalisés à partir d’oeuvres scéniques (par exemple : Faust, de Jan Svankmajer ; Ubu, de Manuel Gomez ; 8, animation de Mathias Delfau d’après 8, de Noëlle Renaude…).
Il s’agira alors de se rendre tout particulièrement attentif aux phénomènes de porosités entre l’oeuvre originale et son adaptation, mais aussi, à la manière dont la forme née de l’adaptation remodèle ou renouvelle la lecture de l’oeuvre adaptée.

2) Collaborations / Confrontations
Ce deuxième axe portera sur l’analyse d’oeuvres dont la spécificité est de faire coexister ou se confronter deux registres de présence : le vivant et le dessiné (fixe ou animé).
Du côté du théâtre (collaboration de Piscator avec le caricaturiste George Grosz pour sa mise en scène des Aventures du brave soldat Schweyk (1928) ; dessins venant animer la scénographie des Paravents de Genet (1966) ; animations de William Kentridge collaborant avec la Handspring Puppet Company dans les années 1980 ; Comment ai-je pu tenir là-dedans ?, spectacle conçu par Jean-Lambert Wild et Stéphane Blanquet pour le festival d’Avignon 2010…), comme du côté de la danse (collaboration du chorégraphe Preljokaj et du dessinateur Enki Bilal, qui signe les costumes et les décors de Roméo et Juliette (1990) ; Is you me (2008), interprété par Benoît Lachambre et Louise Lecavalier sur fond de projection de dessins réalisés par Laurent Goldring ; illustrations graphiques réalisées en direct par Maxime Rebière dans la dernière création de Robyn Orlin, Call it… Kissed by the sun… Better still the revenge of geography, 2010…) – l’intérêt que la scène manifeste pour le dessin ne se dément pas.
Pour le théâtre, il s’agira de questionner les enjeux et les effets de ces confrontations, en les mettant notamment en regard des codes de représentation dont la scène moderne a précisément cherché à s’émanciper (tradition picturale, linéarité de l’espace-temps, vraisemblance, corps naturaliste…). Pour la danse, d’interroger les dialogues sensoriels que le dessin, ou l’acte de dessiner, peut engendrer.

3) Intermédialité
Ce troisième axe visera à repérer des formes d’influences moins immédiates ou explicites : la façon dont les codes de narration et les modèles de représentation propres aux mondes de la BD (comics, manga…) et de l’animé (cartoons, cinéma d’animation) contribuent à renouveler les écritures textuelles et scéniques.
Les propositions pourront en autres porter :
– sur les processus de création : quel rôle jouent l’esquisse, le croquis, le story-board en amont de la représentation ? en quoi ces gestes dessinés nourrissent-ils les mouvements et les images scéniques ?
– sur la plasticité des énoncés : jeux typographiques permettant aux auteurs de faire l’économie de certaines didascalies (par exemple : on écrit en majuscules, au lieu de préciser : « en criant ») ; projection de graphies en scène, à la manière des bulles ; …
– sur l’apparition de nouveaux types de personnages (par exemple : super-héros) ;
– sur l’exploration de figures scéniques qui débordent la vraisemblance réaliste : accélération des rythmes gestuels, procès de décomposition / recomposition des corps, « trucages » sonores, gags visuels (voir, par exemple, L’affaire de la rue de Lourcine, de Labiche, mis en scène par Daniel Jeanneteau et Christine Soma).

Les résumés des communications (une page environ), accompagnés d’une courte biographie, devront parvenir aux organisateurs avant le 15 septembre 2010. Ils seront adressés par courrier électronique à :
julie.sermon@univ-lyon2.fr

Comité scientifique

  • MARTIN BARNIER, Professeur en Etudes Cinématographiques (Université Lyon 2)
  • FRANCK BAUCHARD, Directeur Adjoint du Centre National des Ecritures du Spectacle. Chercheur associé au laboratoire Culture et communication de l’Université d’Avignon
  • LUC BOUCRIS, Professeur en Etudes Théâtrales (Université Grenoble 3)
  • BERNADETTE BOST, Professeure émérite en Etudes Théâtrales (Université Lyon 2)
  • MICHEL CORVIN, Professeur honoraire à l’Institut d’Etudes Théâtrales de Paris 3-Sorbonne Nouvelle.
  • MARIE-CHRISTINE LESAGE, Professeure en Etudes Théâtrales à l’UQÀM (Université du Québec à Montréal)
  • CLAUDIA PALAZZOLO, Maître de conférences en Etudes Chorégraphiques (Université Lyon 2)
  • DIDIER PLASSARD, Professeur en Etudes Théâtrales (Université Montpellier 3)
  • JULIE SERMON, Maître de conférences en Etudes Théâtrales (Université Lyon 2)

Responsable : Julie Sermon
Adresse : Université Lyon 2 – Campus Porte des Alpes Département ASIE (Arts de la Scène, de l’Image et de l’Ecran) 5, avenue Pierre Mendès France 69 500 Bron