La littérature pour la jeunesse de l’entre-deux-guerre : renouveau et mutation

Le Centre des sciences de la littérature française de l’Université Paris Ouest Nanterre la Défense et le Centre d’Étude sur les Nouveaux Espaces Littéraires de l’université Paris XIII associés aux éditions Ipagine lancent un appel à communication intitulé : « La littérature pour la jeunesse de l’entre-deux-guerre : renouveau et mutation ». Faisant directement une place à la bande dessinée (en citant le Petit Vingtième), cette proposition invite donc les chercheurs à explorer une période de « profondes mutation » tant sur les plans « esthétiques, poétiques, graphiques, mais aussi idéologiques ». Force est de constater que les exemples ne manquent pas et que l’étude des périodiques publiés durant cette période pourraient par exemple s’avérer fructueuse : outre la publication sus-nommée, Cœurs Vaillants (né en 1929) et Le Journal de Mickey (né en 1934) pourraient être placés au fondement de propositions qu’il s’agira d’élaborer avant le 31 mars prochain.

 

La littérature pour la jeunesse de l’entre-deux-guerres : renouveau et mutations

CSLF (Centre des sciences de la littérature française, Université Paris Ouest Nanterre la Défense), CENEL (Centre d’Étude sur les Nouveaux Espaces Littéraires, Université Paris XIII), et les éditions Ipagine (Paris)

27-28 septembre 2012, Université Paris Ouest Nanterre La Défense

En 1920, Hugh Lofting publie The Story of Doctor Dolittle, premier tome d’une suite de romans promise à un bel avenir. En Allemagne, à partir de la fin des années 1920, Erich Kästner commence à écrire pour les enfants, créant les premiers romans allemands modernes pour la jeunesse, tandis qu’en France, en 1931, naît un petit éléphant nommé Babar et qu’en Belgique, un jeune reporter travaillant pour Le Petit Vingtième devient célèbre dans le monde entier. Dans le domaine de l’écriture comme dans celui de l’image, l’entre-deux-guerres est une période de profondes mutations et de renouveau pour la littérature de jeunesse. Comment analyser et comprendre ce phénomène ? Ce colloque propose de s’intéresser pour la première fois à cette période mal connue de la littérature pour la jeunesse, et aux multiples innovations et transformations que celle-ci a alors connues – esthétiques, poétiques, graphiques, mais aussi idéologiques.

Les propositions sont attendues pour le 31 mars 2012 sous la forme de résumés d’une demie à une page. Elles sont à envoyer à l’adresse suivante :

anne.struve-debeaux@u-paris10.fr

Les communications prendront la forme d’exposés de 20 minutes suivis de 10 minutes d’échanges

Les actes de cette journée feront l’objet d’une publication dans la revue en ligne Strenae, après l’approbation d’un comité de lecture.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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« Aire libre », art libre ?

Tout juste paru aux éditions Academia (groupe L’Harmattan),  « Aire libre », art libre est signé par Benoît Glaude (de l’université Catholique de Louvain) qui semble poursuivre ici poursuivre un double but : traiter des « trois compostantes narratives de toute BD » et s’intéresser à une collection (la fameuse Aire libre des éditions Dupuis). N’ayant pas encore lu cet ouvrage, nous reproduisons ici sa présentation sur le site du GRIT.

 

L’étude des relations texte-image constitue aujourd’hui l’une des préoccupations essentielles des sciences humaines. Paradoxalement, les ouvrages qui lui sont consacrés ne sont pas légion dans l’actualité de l’édition… Que dire alors des collections ! Pour combler cette lacune, le Groupe de recherche sur l’image et le texte – Grit, fondé à l’Université catholique de Louvain par Pierre Massart (décédé en 2006) – propose une collection intitulée « Texte-Image ». Dirigée par Jacques Carion, Laurent Déom, Jean-Louis Tilleuil et Catherine Vanbraband, elle rassemble des travaux théoriques sur les spécificités respectives ou combinées du texte et de l’image, ainsi que des études de corpus qui exploitent la mixité signifiante de ces deux langages : comme la bande dessinée, l’album pour enfants, le cinéma, le livre illustré, la publicité…

Septième titre paru dans cette collection, « Aire libre », Art libre ? propose l’analyse de cinq albums du champ actuel de la bande dessinée francophone (2002-4). Pour aborder le message mixte de la bande dessinée, nous élaborons une méthode d’analyse passant d’abord par l’image, ensuite par l’espace-texte, enfin par le texte, que nous appliquons à des séquences-clés extraites des cinq albums du corpus (dus au tandem Bailly/Lapière et aux auteurs Blutch et Stassen). Cette lecture porte une attention nouvelle à la composante du texte dans la BD. À travers ce corpus, il s’agit de décrire rationnellement le mouvement de valeurs esthétiques qui sous-tend le champ de la bande dessinée. Le choix des albums se centre sur une collection (« Aire libre ») représentative de la production neutre de ce champ et typique de la place esthétique de l’Art bourgeois, lancée par un éditeur (Dupuis, Belgique) de la production élargie, traditionnellement dédiée à l’Art moyen. À l’analyse narratologique (interne à l’œuvre) succède une analyse sociocritique (externe à l’œuvre), c’est-à-dire une mise en relation des conditions institutionnalisées du positionnement artistique des créateurs avec les caractéristiques narratives de l’œuvre produite depuis cette position. Ce faisant, nous distinguons les caractéristiques stylistiques générales d’un classicisme et d’un avant-gardisme narratifs. Il s’avère que l’esthétique des albums de la collection « Aire libre » constitue un compromis entre les deux précédentes.

Rares sont les études sur la bande dessinée qui considèrent celle-ci pour ce qu’elle est vraiment, à savoir un mixte séquentiel complexe d’images et de mots. Cette étude peut prétendre à cette distinction par sa prise en compte des trois composantes narratives de toute B.D. : l’iconique, le plastique et le textuel. Mérite supplémentaire de cette recherche : elle évite le piège d’une fermeture du sens sur lui-même, immanent et forclos dans les limites formelles de l’œuvre. Pour apprécier correctement les résultats de ses analyses internes, nous les confrontons aux implications signifiantes du contexte de création, identifié pour la circonstance à la collection « Aire libre », qui a marqué l’histoire de la bande dessinée franco-belge contemporaine et y occupe désormais une position stratégique. Combinant perspective interne (sémiotique) et perspective externe (sociologique), nous construisons une méthode d’analyse volontairement transdisciplinaire qui emprunte à la critique B.D., mais aussi aux théories sur le cinéma, la littérature et le théâtre.

 Le sommaire est disponible ici.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Nationalisme et bande dessinée

Au sein de l’un des articles que nous avons publié sur Comicalités, le regretté Thierry Crépin (à qui la Cité de la Bande Dessinée et de l’Image rend un hommage sur son site) posait clairement la question de la place du nationalisme en bande dessinée. Ce texte s’intéresse à l’action du Syndicat de Dessinateur de Journaux (devenu le Syndicat de Dessinateur de Journaux pour Enfants après la Seconde Guerre Mondiale) dont l’action s’inscrit clairement dans une optique nationaliste : « Soucieux de garantir le plein emploi et des salaires convenables à ses confrères, il cherche tout d’abord à les protéger de la concurrence étrangère accusée de presque tous les maux de la profession » (§8).

Comme le montre Thierry Crépin, ce combat n’est pas d’ordre idéologique : « aucune considération d’opinion politique » (§6) ne vient animer le SDJE, et son initiateur, Auguste Liquois, poursuit un sinueux périple politique passant de la collaboration au communisme. Il s’agit plutôt d’affirmer « une identité professionnelle forte » (§5) et d’améliorer des conditions de travail : « Liquois pense posséder une occasion unique d’offrir à la profession une sécurité et des avantages sociaux dont elle n’a jamais joui, dans un climat de reconstruction du pays favorable à ce genre d’initiative » (§7). Si nationalisme il y a, celui-ci doit donc être interprété à l’aune d’un corporatisme : il s’agit de faire reconnaître et de défendre une profession à travers la création d’un prix littéraire (« Le grand prix de l’image française ») et d’un label (une cocotte en papier renfermant la mention « dessin français », voir §8).

Cette analyse pose de nombreuses questions qu’il serait intéressant d’étudier à travers d’autres articles portant par exemple sur l’étude des institutions présidant à la destinée de l’art graphique et de la bande dessinée européenne. On peut en effet se demander si le « nationalisme » que défend Auguste Liquois n’est pas encore d’actualité. Comme le fait remarquer  Xavier Guilbert, dans un autre article publié sur Comicalités (« La légitimation en devenir de la bande dessinée »), Moebius avait en 2006 évoqué les mangas sur le mode de la « survie culturelle » : dans le journal Le Soir, l’auteur de L’Incal appelait les pouvoir publics à « allumer des contre-feux » et à étudier des « mécanismes de protection, une sorte d’exception culturelle en faveur de la BD » (§33), prolongeant ainsi les propos d’un article de Pascal Lardellier dans Le Monde diplomatique en 1996 (§34).

Il serait ainsi intéressant d’explorer plus avant les tenants et aboutissants de cette position afin de se demander les différentes formes que prend semblable « nationalisme » au sein de l’histoire de la bande dessinée. Il serait également possible de le considérer au regard de la chaîne du livre en son entier car il n’est en effet pas évident qu’il soit également partagé par tous les métiers. Ainsi que le montre Jean-Yves Mollier[1], la publication de littérature étrangère fut le vecteur d’un renouvellement certain et des éditeurs naissant purent développer un catalogue en s’inscrivant dans des territoires créatifs délaissés par des maisons plus grandes. Le cas du manga est à cet égard similaire : Pika, Asuka ou Tonkam, nés comme des maisons indépendantes avant d’être rachetés par des acteurs du secteur plus argentés, ont également capitalisé sur l’arrivée d’un nouveau genre de bande dessinée. Nul doute que ce qui est présenté par certains acteurs comme un danger puisse également être vu comme une opportunité par d’autres opérateurs du secteur…


[1] Par exemple dans MOLLIER, Jean-Yves. « Actes Sud et la revanche des régions ». In MOLLIER, Jean-Yves (dir.). Où va e livre ? Paris : La Dispute, collection « État des lieux », 2002, p. 141-154 (et en particulier la p. 149).

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Cradled in caricature

Le Dr James Baker de l’université du Kent (UK) lance un appel à communication pour un colloque intitulé : « Cradled in caricature » (ce que nous pourrions traduire par : « bercé dans la caricature »). L’événement entend effectivement permettre interroger la notion de « caricature » dans tous les sens du terme comme l’affirme le court appel à communication que nous reproduisons ci-dessous : « exaggeration, stereotyping, representation, and characterisation ». Cette proposition nous invite ainsi à repenser l’une des pratiques graphiques les plus populaires des XIX et XXe siècle et il serait ainsi possible d’étudier les évolutions contemporaines de la représentation du pouvoir qui tend à devenir un genre à part entière en bande dessinée. Le succès d’une œuvre comme Quai d’Orsay montre bien que, de dessin publié dans la presse éventuellement assorti d’une légende, la caricature tend à devenir un genre narratif, renouvelant en cela les traditionnelles représentations du politique. « Comment concurrencer la plume par le crayon, l’écrit par le trait ? » : la question que pose Christian Delporte en ouverture d’un article publié en ligne par la revue Caricatures et caricature reste ainsi d’actualité mais y répondre suppose de mobiliser des outils plus proches de l’art séquentiel, projet qu’il s’agira de mener à bien avant le 3 mars prochain.

CRADLED IN CARICATURE : a multidisciplinary event
Friday 27 April 2012, COLT3, University of Kent, Canterbury

This one-day event will approach the notion of ‘caricature’ in its broadest sense, using it as a jumping-off point for discussions on exaggeration, stereotyping, representation, and characterisation. Cradled in Caricature welcomes contributions (in the form of papers, organised workshops and roundtable discussions, to readings, posters, films or short performance pieces) from scholars working in all disciplines. In order to encourage an open and fluid discussion, proposed contributions may take a variety of formats – from traditional.

Attendance at Cradled in Caricature is free of charge. Interested contributors and delegates should download an application form cradledincaricature.wordpress.com, and contributors must return completed forms and abstracts (circa 300 words) to cradledincaricature@gmail.com by 3 March 2012.

Confirmed speakers:
Robert L Patten, Lynette S. Autrey Professor in Humanities, Rice University.
Dr Richard Taws, University College London.
Dr Oliver Double, University of Kent.
Dr Ernesto Priego, The Comics Grid/HASTAC.

Dr James Baker
School of History
University of Kent
Canterbury
CT2 7NZ
Phone: +44 1227 764000
Email: cradledincaricature@gmail.com
Visit the website at http://cradledincaricature.wordpress.com/2011/12/18/cic-call-for-contribution/

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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L’auteur : clé de la légitimité de la bande dessinée ?

Quel est le mode de circulation de la bande dessinée au sein des différents contextes culturels et nationaux caractérisant notre monde contemporain ? Telle est la question que me suggère l’un des derniers articles publié sur Comicalités : un texte de Xavier Guilbert intitulé « Le manga et son histoire vus de France : entre idées reçues et approximations ». Celui-ci s’intéresse à un ensemble d’ouvrages (« de l’opuscule au dictionnaire en passant par la monographie ») publiés en France entre 1996 et juin 2010 afin de mettre en évidence des parti-pris par exemple sensibles dans l’approche biographique.

Le cas du traitement de Tezuka Osamu est à cet égard éclairant : qualifié de « mythe envahissant », le père d’Astro Boy occulte ainsi d’autres auteurs pourtant digne d’intérêt (voir §6-16) et semble finalement appauvrir la perception du manga en son entier. On peut en effet se demander si cet état de fait n’est pas au fondement de la perception du manga comme une « industrie fantasmée », pour reprendre les termes de Xavier Guilbert, c’est-à-dire un système éditorial utilisant du « mauvais papier », ne faisant montre d’aucune « pitié » en cas de « mauvaise performance [d’une série] dans les enquêtes de lecteur » et imposant aux créateurs une « productivité surhumaine » (voir §29). Bref : à en croire ces études, le manga aurait un seul auteur et serait animé par un ensemble d’employés au service d’énormes machines de publication (les chiffres de vente d’un magazine comme Shonen Jump étant largement biaisés : voir § 34).

Ces analyses posent clairement la question du sérieux de ces ouvrages (quelle documentation, quelles références, quelles techniques d’enquête ? Toutes ces questions restent en suspens), mais nous invitent surtout à formuler une multitude d’interrogations qui pourraient donner lieu à des articles que je serai enchanté de publier (les textes de Comicalités ayant vocation à… susciter des vocations). Il serait par exemple possible de s’interroger sur le statut de l’auteur dans le processus de réception (voire de légitimation) de la bande dessinée : après tout, Tezuka n’occupe-t-il pas dans les publications françaises une place comparable à celle que l’on attribue à Hergé dans celles d’autres pays ? Ce n’est là qu’une question, à laquelle je ne saurai répondre, mais elle me semble poser un problème à propos duquel il y a lieu de chercher plus avant : l’auteur n’est-il pas le principal vecteur de la légitimation d’un mode d’expression, c’est-à-dire le meilleur représentant d’une bande dessinée cherchant à faire reconnaître ses productions et son mode de création ?

Telle est l’une des pistes de réflexions qu’évoque en filigrane l’autre texte de Xavier Guilbert que nous avons publié dans Comicalités : « La légitimation en devenir de la bande dessinée ». S’intéressant à la question des prix décernés au festival d’Angoulême, celui-ci fait en effet brièvement remarquer (§68) que ceux-ci se voient attribués des noms « symboliquement chargés » : aux Alfred (évoquant directement le manchot de Zig et Puce) succèdent les Alph’art (relevant de « la figure largement reconnue d’Hergé ») puis les Fauves (dessinés par Lewis Trondheim). Festival cherche auteur, pourrions-nous résumer, et force est de constater que la bande dessinée s’écarte ici radicalement d’autres modes d’expression : les Goncourt, Renaudot ou Femina chers à la littérature se réfèrent à des académies plus qu’à des producteurs, alors que le prix Hugo cher à la Science Fiction fait référence à un éditeur (Hugo Gernsback, fondateur d’Amazing Stories). Bref : la question est posée et il reste à confirmer ou informer cette hypothèse qui pourrait peut-être nous inviter à reconsidérer la « post-légitimité » qu’évoque Éric Maigret dans le dernier ouvrage qu’il a dirigé (La bande dessinée : une médiaculture, à paraître chez Armand Colin le 22 février).

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Le manger et le dire. Pour une approche du discours culinaire et gastronomique

Plusieurs chercheurs de l’Université Libre de Bruxelles en partenariat avec l’Université Paris-Est Créteil Val de Marne, l’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle et l’Université Paul Verlaine-Metz lancent un appel à communication intitulé « Le manger et le dire. Pour une approche du discours culinaire et gastronomique ». Cette proposition nous invite à penser des « connaissances/savoirs/représentations/injonctions qui se déclinent dans une large gamme de genres de discours et de supports » et il serait sans aucun doute intéressant d’étudier ceux-ci en prêtant attention aux rapports entre graphisme et monde gastronomique. En effet, les représentations de cuisine ne manquent pas dans l’histoire de la bande dessinée, que ce soit sur un mode caricatural (les banquets d’Asterix, l’appétit d’Achille Talon…) ou interculturel (les différents tomes de la série Aya de Yopougon proposent ainsi scènes de repas et recettes alors qu’un manga comme Le Gourmet solitaire est entièrement construit autour des pérégrinations nippones d’un homme curieux de toutes les saveurs) et il est possible d’analyser ce corpus, qui reste bien sûr à largement compléter, au regard de quelques questions : qu’est-ce qui représente la cuisine (des ustensiles, un décor, un savoir-faire ?), quels archétypes culinaires (les bonnes tables du commissaire Bourdon de Ric Hochet sont à cet égard exemplaires…), quel rôle social de la cuisine (pensons à la ménagère du Pauvre Lampil qui semble n’avoir de créer du lien avec des petits plats…) ? La date limite est fixée au 1er mars prochain.

Le manger et le dire. Pour une approche du discours culinaire et gastronomique

Bruxelles, 20-22 septembre 2012

Organisé par l’Université Libre de Bruxelles

(Centre de Linguistique LaDisco- Département des sciences de l’information et de la communication Resic)

(en collaboration avec l’Université Paris-Est Créteil Val de Marne, L’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle et l’Université Paul Verlaine-Metz).

Contrairement à d’autres disciplines (anthropologie, histoire, sociologie), les sciences du langage se sont peu intéressées au monde gastronomique, à l’exception notable du vin, qui dispose de son propre thésaurus de vocables et de métaphores.

Pourtant, la linguistique (analyse de discours, sociolinguistique, linguistique textuelle, mais également la syntaxe et la sémantique), de même que les études sur les médias, ont leur mot à dire en ce qui concerne la construction et la circulation des discours sur le monde culinaire. Il est en effet facile de constater que toute pratique gastronomique se construit dans le discours social : stéréotypes sur les cuisines du monde, idées reçues sur les bonnes ou mauvaises habitudes alimentaires, circulation de connaissances sur les produits et les préparations, informations expertes, médicales ou populaires sur ce que nous mangeons, entre autres, trouvent une place prépondérante dans des discours historiquement et géographiquement situés. C’est un fait : on n’a jamais autant parlé de cuisine aujourd’hui à travers les revues spécialisées (Saveur, Elle cuisine) et les émissions télévisées, où le profane peut espérer devenir un chef coq (Un dîner presque parfait) ou le cuisinier débutant devenir restaurateur (Master chef).

Ces connaissances/savoirs/représentations/injonctions se déclinent dans une large gamme de genres de discours et de supports : critiques culinaires (expertes ou non) et guides (Gault et Millau, Michelin, Lemaire, Le Pudlo…), recettes de cuisine, étiquettes de produits, menus, panneaux de restaurants, etc. Ils se construisent également dans un entrecroisement de types discursifs : publicitaire, commercial, journalistique, touristique, médical, scolaire, scientifique, expert, etc.

Plus difficiles à cerner, les représentations liées à la nourriture en général et aux différentes cuisines du monde en particulier sont également du ressort des sciences du langage et des études sur les médias, dans la mesure où elles prennent place dans des discours et des supports médiatiques concrets. Dans ce foisonnement langagier lié à la nourriture et à la cuisine, ce qui interpelle le chercheur est la façon dont la langue et les discours construisent et accompagnent historiquement les pratiques culinaires. On pourra ainsi s’interroger sur (mais pas uniquement) :

  • des dénominations classifiantes : cuisine moléculaire, slow food, fast good, fast food, street food, bio (mais organic en anglais), cuisine vivante/raw food, veggan, ovo-lacto-végétarien ;
  • des dénominations géographiques : cuisine arabe, méditerranéenne, asiatique, des iles, africaine (mais pas ?cuisine européenne?étatsunienne), ou encore sauce bolognaise, milanaise, french fries/patatas fritas ;
  • des représentations gastronomiques liées à plusieurs de ces dénominations géographiques, relevant notamment d’une répartition Nord-Sud : cuisine du monde, fusion, cuisine du terroir. Les fameuses mythologies de Roland Barthes (dont celles consacrées au steak frites ou aux fiches cuisines du magazine Elle) avaient ouvert de belles perspectives de recherche sur les imaginaires bourgeois et français liés à la cuisine ;
  • le lexique de la nourriture et de la cuisine : dans une perspective descriptive monolingue ou comparatiste plurilingue (translation studies, ethnolinguistique, pragmatique lexiculturelle), avec une attention particulière pour les calques et les emprunts (churros, dulce de leche en français, cruasanes en espagnol, foie-gras en anglais ou encore le riche vocabulaire du café italien) ;
  • des phénomènes de syntaxe : grammaire des recettes de cuisine, menus de restaurants et noms de plats (« salade avec sa sauce parfumée ») ;
  • des phénomènes lexico-syntaxiques comme les collocations (café italien, vin français, viande argentine) ;
  • les genres de discours : recettes, étiquettes de boissons et d’aliments, critique culinaire, guides gastronomiques, énoncés oraux d’adresse (dans les rues très fréquentées par les touristes ou dans les panneaux des restaurants) ;
  • les discours articulant des préoccupations ou des pratiques contemporaines : manger et recevoir, la nourriture et le sport, la nourriture et la santé ;
  • des formations discursives contemporaines ou historiques : le discours du bio, végétarien, veggan, de la nourriture saine, etc. ;
  • le rôle du discours gastronomique dans la construction d’un imaginaire national ou régional : à travers la littérature, le cinéma, la publicité, le discours touristique, etc. ;
  • les nouveaux genres médiatiques qui popularisent des pratiques culinaires avant cantonnées aux milieux professionnels ;

Ces interrogations nous permettraient de mieux comprendre comment se façonnent les imaginaires culinaires à travers les lexiques, la syntaxe, la traduction, les médias et les genres de discours. Imaginaires en rapport avec le savoir vivre, la santé, le bien-être, l’identité nationale ou l’appartenance à un groupe. Toutes les approches appartenant aux sciences du langage et aux études sur les médias sont les bienvenues. Une sélection des communications sera publiée dans la revue Le discours et la langue.

Envoi des résumés à : lrosier@ulb.ac.be et lcalabre@ulb.ac.be

Calendrier :

Envoi des résumés : 1° mars 2012

Notification aux participants : 1er avril 2012

Envoi du programme définitif : 1er mai 2012

Comité d’organisation : Laurence Rosier et Laura Calabrese, Département des relations internationales ULB, Centre de Linguistique-LaDisco, Département des sciences de l’information et de la communication-Resic.

Comité scientifique : Malika Temmar (Paris XII/Céditec), Guy Achard Bayle (Université de Metz/Celted), Michelle Lecolle (Université de Metz/Celted), Sandrine Reboul-Touré(Paris IV/Cédiscor), Isabelle Meuret (ULB), Olivier Arifon (ULB), Laurence Rosier (ULB), Laura Calabrese (ULB), Anne-Rosine Delbart (ULB), Mikhaïl Kissine (ULB), Marie-Eve Damar (ULB), Dan van Raemdonck (ULB), Katia Toungouz (ULB).

Responsable : Laura Calabrese-Laurence Rosier

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Disparition de Thierry Crépin

La bande dessinée perd l’un de ses plus éminents amateurs et chercheurs : Thierry Crépin nous a malheureusement quittés le vendredi 3 février, emporté par une maladie contre laquelle il n’aura pourtant cessé de lutter. Membre du Centre d’Histoire Culturelle des Sociétés Contemporaines de l’Université Versailles-Saint Quentin, Thierry Crépin a en effet largement contribué à l’étude des dispositifs de censure pesant au XXe siècle sur la bande dessinée et la littérature de jeunesse : on lui doit ainsi deux livres (“Haro sur le gangster !” La Moralisation de la presse enfantine (1934-1954) et “On tue à chaque page !” La loi de 1949 sur les publications destinées à la jeunesse, dirigé avec Thierry Groensteen) ainsi que de nombreux articles (tels « La presse et la loi de 1949, entre censure et autocensure », disponible sur CAIRN ou « Le grand Prix de l’image française : une existence éphémère » disponible sur Comicalités). Nos pensées vont à ses proches, et en particulier à son épouse Autilia. Toute l’équipe des Carnets de la bande dessinée et de Comicalités (dont Thierry Crépin, membre du comité scientifique, faisait partie) souhaite lui rendre hommage.

Nous remercions très chaleureusement Gilles Ciment, directeur de la Cité Internationale  de la Bande Dessinée et de l’Image, qui a accepté de publier sur le site de la Cité les réactions de chercheurs l’ayant côtoyé et ayant d’une manière ou d’un autre participé de ce travail d’étude qui lui tenait tant à cœur. Celles-ci sont consultable ici.

 

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Lex-ICON : traiter l’image comme un texte/traiter le texte comme une image

Plusieurs chercheurs lancent un appel à communication qui, intitulé « Lex-ICON : traiter l’image comme un texte / traiter le texte comme une image », constitue la première pierre d’un colloque qui se tiendra les 7 et 9 juin 2012 à l’université de Haut Alsace. Invitant les chercheurs à traiter d’œuvres usant « de mots comme autant de motifs plastiques » et donnant à « lire des formes, des couleurs et des séquences visuelles dont la nature même traditionnellement touche les spectateurs et leurs perceptions par un effet d’immédiateté inhérent » (semblable immédiateté restant selon nous à discuter), on ne peut que s’étonner du fait que cette proposition ne mentionne jamais la bande dessinée. Plutôt que lire semblable état de fait comme le signe d’une méconnaissance, voire d’une inquiétude (« S’agirait-il d’une attention emphatique à la substance physique du langage qui unirait écrivains et plasticiens aujourd’hui ? Ou s’agit-il de modes de représentation et de conceptualisation bien différents engendrant des bouleversements culturels profonds ? »), nous proposons plutôt de la considérer comme la mise à distance d’un langage ou d’un genre (l’art séquentiel) permettant d’explorer de nouveaux territoires esthétiques. Les œuvres de Frédéric Pajak (qui mêlent dessin et texte afin d’approcher l’œuvre de célèbres écrivains), n’entendent-elles pas par exemple rompre avec la « BD » et s’inscrire dans le cadre des œuvres « hybrides » qu’évoque cet appel à communication ?

 

Lex-ICON : traiter l’image comme un texte / traiter le texte comme une image

Colloque international

7 – 9 juin 2012

Université de Haute-Alsace.

Co-organisé par Jennifer K Dick (UHA/ILLE),  Didier Girard (UHA/Ille), Océane Delleaux (UHA/CREM/Edith), Eric Suchère (École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne) et Fréderique Toudoire-Surlapierre (UHA/Ille).

Colloque multidisciplinaire sur le texte et l’image, leur création et leur élaboration, dans les domaines de la  littérature et des arts plastiques. Focus : les œuvres  « ultra contemporaines » (créés depuis 2000).

Argumentaire

Comme Pierre Garnier nous l’a dit il y a presque 50 ans, « la nouvelle poésie s’alimente, quant à son origine, dans les langages typiques d’autres arts, en particulier celui des arts plastiques, qui lui permettent d’atteindre la dimension d’objet récusant la “lecture”. » Depuis, d’autres mouvements ont au contraire privilégié l’usage de mots comme autant de motifs plastiques. Comme Johanna Drucker l’écrit, depuis les années soixante, « artistic activity […] had dissolved the boundaries between disciplines which had rigidly distinguished high modern visuality from high modern literariness at mid-century […] the experimental innovation had inbred so successfully with other artistic sources […that] current work actually blends visual and verbal elements into what is an increasingly synthetic unity ».

S’agirait-il d’une attention emphatique à la substance physique du langage qui unirait écrivains et plasticiens aujourd’hui ? Ou s’agit-il de modes de représentation et de conceptualisation bien différents engendrant des bouleversements culturels profonds ?

Ce colloque a pour but de réunir des chercheurs de plusieurs disciplines pour poser une première pierre de réflexion critique sur ces écrivains et ces plasticiens qui donnent à voir des textes comme s’ils étaient des formes géométriques, ou à lire des formes, des couleurs et des séquences visuelles dont la nature même traditionnellement touche les spectateurs et leurs perceptions par un effet d’immédiateté inhérent.

Plus particulièrement, nous nous pencherons sur la réception des œuvres hybrides. On se pose la question : Faut-il avoir la langue, un langage, les mots pour dire les choses et les idées, et pour penser ou peut-on simplement ressentir la pensée par le regard sans nécessairement avoir les mots, la grammaire, et donc la langue pour la décrire ? La question de l’articulation survient à l’instant où le langage se trouve au centre des œuvres plastiques et les formes graphiques se trouvent au centre des œuvres littéraires. Les débats qui entourent le traitement, la classification, l’enseignement, l’économie et la réception de telles œuvres ne sont pas neufs, mais ils deviennent de plus en plus souvent les motifs de l’art et de la littérature de l’ultra contemporain.

Il s’agira donc à contribuer à la théorisation de l’effet produit par l’intersémioticité de ces pratiques verbo-visuelles en y ajoutant par ailleurs toute une série d’interventions artistiques et littéraires qui se dérouleront régionalement autour du colloque.

Pistes de réflexion :

  • L’usage et les portées nouvelles des protocoles visuels (jeux typographiques, gribouillages, collages, dessins, etc.) dans la littérature ultra-contemporaine.
  • Les frontières de la forme visuelle des lettres et la métabolisation dans les zones de contact limitrophes.
  • La multimédialité de la page comme espace à redéfinir.
  • Les enjeux et les modalités d’une rhétorique de l’image dans le contexte des cultures émergentes de l’écran.
  • Les processus textuels qui mènent à des lectures « impossibles ».
  • L’art par l’art : la métafiction dans l’art verbo-visuel.
  • Le genre du rébus comme redécouverte narrative (hommages à Magritte)
  • Les modes émergents de lectures lexiconographiques.
  • Le mauvais genre et les troubles génériques.
  • Le nouveau rapport aux langues est-il « un corollaire des voyages et de la planétarisation de la culture » (Edeline) ?
  • Les phénomènes de « simplification » dans la pensée complexe appliquée à la création lexiconographique.
  • l’identité (et de l’interrogation de l’identité) de l’auteur-artiste par ces pratiques
  • Les nouvelles formes de narration.
  • Le lyrisme d’un texte ou d’une œuvre lexiconographique.

Champs d’action :

Les œuvres créées depuis l’an 2000 par des artistes lexiconographiques tels que Rosaire Appel, Julien Blaine, Marcel Broodthaers, Sophie Calle, Amélie Dubois, Brendan Fernandes, Kathleen Fraser, Jenny Holzer, Susan Howe, Vannina Maestri, Jacques Sivan, Nico Vassilakis, Lawrence Weiner,  ou, parmi les artistes exposés à Art Basel 2011 : Vito Acconci, Kader Attia, Martin Boyce, Tacita Dean, Matias Faldbaklen, Claire Fontaine, Doria Garcia, Ryan Gander, Liam Gillick, Philip Goldbach, Leon Golub, Shilpa Gupta, On Kawara, William Kentridge, Sean Landers, Mark Leckey, Fabian Marti, Sara Morris, Michael Müller, Yoshitomo Nara, Jack Pierson, Jaume Plensa, Richard Prince, Allen Ruppersburg, David Shrigley, Rirkrit Tiravanija, Barthélémy Toguo…

Modalités de soumission

Les propositions de communications (250-300 mots environ) en français ou en anglais devront être envoyées

avant le 25 février 2012.

Elles sont à adresser à

  • Jennifer K Dick (jennifer-kay.dick@uha.fr ou fragment3@yahoo.com) et à
  • Océane Delleaux (oceane.delleaux@wanadoo.fr).

Les réponses du comité scientifique seront communiquées avant le 15 mars 2012.

L’ensemble des informations concernant le colloque est accessible à l’adresse :
http://lex-icon21.blogspot.com/

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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