« MAUS d’Art Spiegelman : bande dessinée et Shoah »

MAUS d’Art Spiegelman, de Pierre Alban Delannoy, est le premier ouvrage en langue française entièrement consacré à l’œuvre éponyme de Spiegelman. Paru  aux éditions de l’Harmattan en 2002, il est à souligner pour la rareté d’un ouvrage portant sur l’étude d’une seule bande dessinée. Dès l’introduction, l’auteur annonce ainsi son angle d’approche : «MAUS a été abordé par des critiques et des chercheurs qui travaillent dans le domaine spécifique de l’Holocauste, mais aussi par des Historiens, des spécialistes de l’art, des psychologues et des psychanalystes. […] Cependant, il est particulièrement surprenant qu’il s’en trouve si peu pour aborder MAUS en tant que comic book.» (p.9)

En effet, dans la suite de son essai, Delannoy  va s’interroger sur le choix d’un tel medium en tant que véhicule de témoignage et de récit autobiographique, « non comme un moyen quelconque d’aborder le Génocide Juif, mais au contraire dans sa spécificité même (et peut-être précisément en vertu de son caractère présumé d’art mineur) » (p.11). Le sous-titre du livre, « Bande dessinée et Shoah » paraît dès lors significatif puisque les problématiques qui gouvernent la démonstration concernent effectivement les rapports entre la bande dessinée, le témoignage et sa transmission, ainsi que la question du Génocide en tant qu’il appartiendrait à l’ordre de l’indicible et de l’irreprésentable.

Cette réflexion s’organise alors autour de quatre chapitres. Dans le premier, l’auteur s’intéresse à la genèse de MAUS : c’est l’occasion pour lui de revenir sur la carrière de Spiegelman, notamment lors de la période underground, fournissant là d’intéressantes réflexions sur cette époque très peu étudiée en France. Delannoy y traite de la contre-culture et de la subversion, symboliques de cette forme de bande dessinée dont la nature expérimentale est soulignée dès le titre de cette partie : « Le laboratoire underground » (p.22).

Delannoy aborde également les choix esthétiques de Spiegelman pour MAUS.  Celui de représenter Juifs et nazis sous forme d’animaux, tout d’abord, afin de symboliser par l’ironie un certain type de rapport de force, dans la plus pure tradition du cartoon. Avec la mise en exergue très enrichissante des ébauches de MAUS, Delannoy s’adonne aussi à une étude de l’œuvre en tant que bande dessinée « marquée du sceau de l’hésitation » (p.31), à travers l’étude des différents styles et média employés par Spiegelman : photographie, réalisme, cartoon… Cette oscillation semble ainsi l’aveu d’une impossibilité de restituer totalement le témoignage du Génocide par voie graphique : « Cette histoire d’animaux est tout entière une histoire vraie, mais […] sa vérité est difficile à dire » (p.34).

Ce premier axe permet alors à Delannoy d’aborder au second chapitre les modalités énonciatives du témoignage en bande dessinée. Dans une perspective narratologique assez proche des théories de Genette, il se consacre à la polyphonie de MAUS, posant là la question très intéressante de la représentation du narrateur dans ce médium. Cette réflexion l’amène ainsi à aborder le passage constant dans l’œuvre d’une histoire à une autre, à travers l’imbrication des récits enchâssés tenus par les deux narrateurs, Artie et son père. Cette démonstration est notamment illustrée par une réflexion sur le projet autobiographique de Spiegelman dans MAUS et sur les trois voix que celui-ci suppose : celles de l’auteur, du narrateur et du personnage. Le glissement de l’une à l’autre est ainsi interrogé à travers le médium même de la bande dessinée, permettant de riches analyses sur le rapport entre le cadre narratif et le ballon dédié au dialogue et que l’auteur appelle « voix-off » et « voix-in ».

Le troisième chapitre est consacré à une lecture psychanalytique de l’œuvre, à travers une étude des différents membres de la famille du narrateur. La bande dessinée en tant que support d’analyse y est de fait mis au second plan. C’est davantage dans le quatrième chapitre que celle-ci est l’objet d’une des théories les plus poussées de l’essai. En effet, dès son amorce, Delannoy interroge la position du narrateur, Artie, en tant que récepteur du récit de son père. Se pose alors la question du choix de la bande dessinée comme support du témoignage en train de se faire : « Pour réaliser un tel projet, il fallait à Spiegelman un médium particulièrement plastique, libre, ouvert, qui lui permette de permuter le passé et le présent, de conjuguer visuellement et verbalement le passé historique et le présent de l’énonciation » (p.115).

Ce postulat permet ainsi à Delannoy de fournir une réflexion sur la triple lecture conditionnée par une planche de bande dessinée : « entrer dans l’espace séparé de chaque vignette » (p.120), tout d’abord, puis construire « des relations de succession et de transformation entre les événements montrés » (p.121) et, enfin, réaliser une lecture « globale, synthétique, panoptique, qui prend en compte l’ensemble de la page » (p.122). Cette théorie évoque alors celle de Groensteen au sujet de la science de l’articulation (ou « arthrologie ») dont relèverait la bande dessinée et selon laquelle les vignettes d’une planche, de par leur position non seulement dans la page mais aussi dans la séquence, appartiennent à un réseau tressé de cases où toutes sont en relation : « Les codes se tissent à l’intérieur d’une image BD d’une façon spécifique, qui tient à l’appartenance de l’image à une chaîne narrative dont les maillons sont étalés dans l’espace, en situation de coprésence.[1] » Dans le cas de Maus, Delannoy souligne cette relation de coprésence de manière à expliquer le passage récurrent du présent au passé dans l’œuvre, caractéristique de la réception de ce témoignage : « Le multicadre de MAUS nous transporte d’une image dessinée à l’autre, du présent au passé, et vice versa, d’Auschwitz à New York, […] des souris aux humains… » (p.125). La planche est alors consacrée en tant que forme dynamique, « typiquement mutationnel et permutationnel » (p.124).

La dernière partie de ce chapitre, enfin, est dédiée à la question de la représentation de la Shoah, à travers l’étude des interrogations autoréflexives sur le caractère indicible du Génocide qui parsèment l’œuvre de Spiegelman : « L’inimaginable n’est pas, chez lui, une position théorique, c’est une difficulté cognitive, qu’il constate au cours de son travail et avec laquelle il se débat » (p.148). Delannoy y pointe alors l’omniprésence du texte narratif qui accompagne la quasi-totalité des vignettes de MAUS, indice d’une grande fidélité au témoignage du père et d’« un mouvement de retrait de l’image au profit des mots », d’« un désengagement de l’artiste » pour qui « la parole du témoin est première » (p.154). Le dessin, accompagné d’un tel encart, se fait allusif, esquisse, sans doute, selon l’essayiste, pour rapprocher le lecteur d’un « réalisme oral, c’est-à-dire de l’immédiateté de la parole vive du témoignage en train de se dire, avec sa spontanéité, ses hésitations, ses ratages » (p.156).

MAUS d’Art Spiegelman constitue donc une reflexion très dense sur une œuvre incontournable dans l’histoire du comic book et, plus largement, sur la manière de représenter et de transmettre le souvenir du Génocide. Les quatre chapitres qui composent cet essai révèlent ainsi sa diversité, de par les différents axes de réflexion abordés, tant sur un plan sémiotique que narratologique ou psychanalytique. L’ouvrage paraît de fait essentiel, tant pour la compréhension de MAUS que pour celle du médium. Chacune des planches étudiées y sont reproduites et permettent l’apport de nouveaux éléments d’analyse et nouvelles théories réutilisables pour d’autres réflexions potentielles sur l’esthétique de la bande dessinée et de son paradigme d’œuvres.

Référence

Pierre-Alban Delannoy, Maus d’Art Spiegelman, L’Harmattan, collection « Champs visuels », 2002, 190 p.

EAN 13 : 9782747531580


[1] Thierry Groensteen, Système de la bande dessinée, PUF, coll. « Formes sémiotique », 1999, p.8

Graphic engagement. The politics of comics and animation

L’université de Perdue, située dans l’Indiana (USA), lance un appel à communication intitulé « Graphic engagement. The politics of comics and animation » et dont le but est (ma traduction) « d’explorer la façon dont la bande dessinée et le film d’animation nous engage politiquement et influence profondément notre définition de la race, de la religion, de la classe et de la nation ». Semblable proposition nous invite donc à nous interroger sur les valeurs que véhicule le neuvième art (à travers par exemple des stéréotypes portant sur les identités sexuelles) qu’aux formes que peut prendre un engagement qui peut se faire rhétorique (comme l’a montré Jan Baetens dans Formes et politiques de la bande dessinée, Peeters Vrin, 1998) ou intime (à travers l’autobiographie ou l’autofiction). A noter : cet appel à communication mentionne nommément « l’apport politique de la bande dessinée franco-belge », problématique qui ne manque pas d’éveiller quelques curiosités face au devenir incertain de la Belgique. Une forme d’expression volontiers présentée comme un art national ne semble en effet pas avoir servi l’unité d’une nation, et il y a dès lors lieu d’interroger un dispositif (éditorial, politique, esthétique) visant à définir une bande dessinée francophone plus que belge. Et semblable entreprise invite à réflexion, comme l’a montré Vincent Baudoux dans « L’apogée franco-belge » (article publié dans Maîtres de la bande dessinée européenne, BNF/Seuil, 2000) : si semblable bande dessinée renonce en effet à s’emparer de la question nationale (notamment en « neutralisant » tous les espaces comme le château de Moulinsart), celle-ci semble en effet resurgir sous d’autres formes (et notamment à travers la constante invention de frontières donnant, dans l’intrigue, lieu à toutes sortes de trafics et de rivalités). Nous reproduisons ci-dessous l’appel à communication dont l’échéance est fixée au 9 juillet prochain.

The Purdue Comparative Literature Program presents the 2010 Conference, Graphic Engagement: The Politics of Comics and Animation
Featuring Keynote Speaker Kim Deitch

Purdue University – West Lafayette, IN
September 2-4, 2010

Call for papers: July 09, 2010

Comics and film animation are potent media that can have an effect far different from that of more traditional forms of literature. They are composite texts whose mixtures of image, word, and sound offer a more immediate exchange between author(s) and audience, where the visuals directly confront us and demand a reader response in ways that prose narrative does not. The resulting effects can have profound ideological consequences. Either in the form of a comics memoir, a Disney adaptation, a superhero saga, or a single-panel cartoon, graphic narratives shape the way we frame ourselves in terms of gender, race, religion, class, and nationhood.

The Purdue University Comparative Literature Program welcomes papers that explore the ways in which comics and film animation engage us politically and profoundly influence the way we define gender, race, religion, class, and nationhood. “Political” can be defined broadly, relating not only to affairs of state, but also the praxis of visual narrative and ways it affects individual identity and community dynamics. Possible paper topics may include, but are not limited to:

  • Historical representations in graphic novels
  • The appropriation of national myths and folktales in animated film
  • Dynamics of humor and subversion in syndicated comic strips
  • Imaging the ethnic/racial other in comics and other forms of graphic narrative
  • Representations of gender and sexuality in anime and manga
  • Personal memoir in graphic novels or animation
  • The Franco-Belgian comics tradition and its political import
  • The language of comics as a form of rhetoric
  • Representations of trauma in comics and animation
  • Animation and its links to education
  • The use of graphic novels and animation in the classroom
  • Socio-political issues surrounding graphic novels and library cataloging
  • Superheroes and defining, or complicating, communal and national identity
  • Graphic narrative as transnational discourse
  • Representations of conflict in such places as Africa, Asia, the Middle East, and Europe
  • Political cartooning and its social impact
  • Hollywood and comics
  • Journalism, biography, and memoir in comics and animation

Email abstracts of 250 words, with a brief author biography, to: graphic.engagement@gmail.com. Please include “Graphic Engagement Conference 2010” in the subject heading


Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Children’s and Young Adult Literature and Culture

L’université du Texas à San Antonio organise en avril 2011 un colloque intitulé « Children’s and young adult Litterature and Culture ». Proposant de penser la bande dessinée, nommément citée entre autres formes d’expression, en fonction d’un public, cet événement propose plusieurs pistes de travail : adaptation, stéréotypes, représentation de la guerre, état de la recherche… Ce faisant, il n’entend bizarrement pas interroger le renouvellement que représente, pour le neuvième art, l’inscription dans une jeunesse : le Petit Vampire de Johann Sfar, Le Petit poilu de Céline Fraipont ou Pierre Baily, ou Anna et Froga d’Anouk Ricard semblent avoir fait table rase des Tuniques bleues, Scrameustache, entre autres séries surannées. Mais cette inventivité européenne est-elle connue sur le sol américain ? Nous reproduisons ci-après l’appel à communication dont la date limite est fixée au 15 décembre 2010.

Call for Papers Children’s and Young Adult Literature and Culture for the PCA/ACA & Southwest/Texas Popular Culture and American Culture Associations Joint Conference


April 20-23, 2011
San Antonio, TX
http://www.swtxpca.org

Proposal submission deadline: December 15, 2010

Conference hotel: Marriott Rivercenter San Antonio
101 Bowie Street
San Antonio, Texas 78205 USA
Phone: 1-210-223-1000


Now accepting proposals for the Children’s and Young Adult Literature and Culture area of the Southwest/Texas Popular Culture/American Culture Associations Conference. This area is not limited to proposals/papers about traditional literature; children’s and young adult culture can encompass a myriad of media: books, television, film, computer/internet culture, fan fiction, toys, marketing issues, music, comics and graphic novels, and non-fiction mediums like documentaries, non-fiction books or magazines, textbooks, television non-fiction shows.
Theoretically-based papers about the very nature of « children’s » and « young adult » categories/genres also encouraged. Where do the lines intersect between children’s, young adult, and traditional adult literature and culture? How do children’s and young adult authors and « producers » push the boundaries in genre, format, story/plot, characters, gender, sexuality, and ethnicity? How do children’s and YA authors/producers reach their target audiences in inventive ways? How do these authors/producers deconstruct and reconstruct traditional genres and stories in order to address larger issues?

Other topics welcome: adaptations of children’s/YA literature to other mediums; ways children’s/YA literature continues to perpetuate or break stereotypical depictions of family, sexual identity, gender roles, body image, race, ethnicity, or class; how does children’s/YA literature address issues of conflict: personal, regional, national, and global (war, genocide); papers on the state of research in Children’s/YA literature and culture also welcomed. Other subjects or topics related to children’s and YA literature/culture considered.

Please send 250 word paper proposals, or 500 word panel proposals, including full contact info for all participants for review to area chair by deadline of December 15, 2010. Please include a short (100 word) bio, but no full CVs needed.

Contact:

Dr. Diana Dominguez, Area Chair
E-mail submissions preferred:
gypsyscholar@rgv.rr.com
Please put SWPCA Submission in e-mail subject line.


Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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La numérisation des archives de la bande dessinée – 3 : l’imagerie Pellerin

Après avoir évoqué dans deux précédents billets (voir ici et ) les archives numérisées mises en ligne par la Cité de la bande dessinée, c’est au tour de Gallica de mettre en oeuvre une numérisation de la bande dessinée, à travers le fonds de l’imagerie Pellerin. Très populaire au XIXe siècle, cette imagerie a constitué un des supports de la bande dessinée naissante, avant d’être progressivement concurrencée par la presse illustrée pour enfants. L’usine et les machines ont été classées à l’inventaire des monuments historiques en 1986.

Voici le communiqué de Gallica, via sa newsletter :

La maison Pellerin, fondée à Épinal en 1796, a publié des milliers d’images en séries. Imprimées en xylographie, puis en lithographie à partir des années 1820, elles étaient mises en couleurs au pochoir. Plusieurs centaines de ces planches sont aujourd’hui accessibles dans Gallica : les sujets religieux, les figures historiques, les rébus ou les constructions à découper permettent de tracer une autre histoire – en couleurs – du 19e siècle…

Si l’histoire de la bande dessinée de presse est relativement bien balisée, la bande dessinée d’Epinal est, elle, très largement méconnue : dans un premier temps, la filiation de la bande dessinée avec l’imagerie d’Epinal a gêné les militants de la légitimation de la bande dessinée, qui voyaient dans ce médium populaire un frein à l’accession de la bande dessinée au rang de 9e art. Puis quelques recherches ont contribué à réévaluer le rôle de l’imagerie d’Epinal, et plus particulièrement celui de la maison Pellerin ; mais on s’est essentiellement concentré alors sur la publication, par Pellerin, d’auteurs de bande dessinée célèbres, tels que Benjamin Rabier, qui publia plusieurs histoires dans la prestigieuse série Aux armes d’Epinal. Enfin, les querelles sur la définition de la bande dessinée n’ont pas facilité le travail, une part importante de l’énergie étant dispersée en conflits sans fin sur le point où s’arrête le récit en images et où commence la bande dessinée…


Un exemple de récit en images à la mode d’Epinal : une des nombreuses adaptations de l’histoire de Malborough ; on remarquera que la narration est partiellement séquentielle.

Ce qui paraît certain jusqu’à présent, c’est que l’imagerie d’Epinal, qui propose des produits de semi-luxe, est concurrencée par l’abaissement du coût de reproduction des images, qui permet l’essor de la presse illustrée moderne à la fin du XIXe siècle. Dans ce contexte, la feuille d’Epinal devient peu concurrentielle ; c’est ce qu’observe entre autres, dès 1938, Georges Sadoul dans Ce que lisent vos enfants :

A cette époque , l’évolution de la technique, le perfectionnement des impressions par rotative et du clichage sur zinc permettent de fournir pour un sou (le prix d’une feuille d’Epinal) un journal de seize pages dont quatre au moins sont en couleurs. Le succès de cette formule auprès de l’enfance est foudroyant.

…et provoque le déclin de l’imagerie d’Epinal – qui n’a pour autant pas dit son dernier mot en matière de bande dessinée, comme le prouveront les belles réalisations commandées à Fred ou Tardi dans les années 1980. Aujourd’hui encore, les liens complexes entre la bande dessinée et le récit en images à la mode d’Epinal restent mal connus ; la mise en ligne de ce fonds devrait ouvrir la voie à de belles recherches, même si on sait peu de choses sur sa composition, et que la datation des feuilles n’est pas toujours évidente.

Pour en savoir plus sur l’imagerie d’Epinal, voir notamment le livre d’Henri George : La Belle Histoire des images d’Epinal. Paris, Le Cherche Midi éditeur, 1996. Ce même Henri George a écrit un article pour le n° 79 du Collectionneur de bande dessinée, consacré aux origines du 9e art : « De l’image populaire à la bande dessinée » (1996).

The European imagination of the Americas

Le département d’histoire de l’université du Texas, située à Arlington, organise en octobre prochain un colloque intitulé : « The European imagination of the Americas ». Il s’agit donc de s’inscrire dans une « histoire transatlantique », et ce à travers le roman d’aventures, le cinéma, la télévision ou la bande dessinée. Contactés, les organisateurs se disent en effet enchantés à l’idée d’accueillir des propositions s’appuyant sur des oeuvres issues du neuvième art et force est de constater que celui-ci fournit en effet nombre « d’imaginations » de l’ Amérique. C’est le cas de Tintin, d’Asterix (La grande traversée) ou de Spirou (Spirou et Fantasio à New York), et plus largement d’une bande dessinée « franco-belge », née dans les hebdomadaires Tintin et Spirou, qui s’est appuyée sur une Amérique rêvée et incarnée par moult cow-boys (Jerry Spring, Comanche…), aviateurs (Dan Cooper ou Buck Danny) ou pilote de course (Michel Vaillant, Steve Warson et leur sans cesse répétée tentative de conquête des circuits d’outre-Atlantique). Et il est dès lors possible, entre autres pistes, d’interroger le devenir, le renouvellement voire la disparition pure et simple des figures américaines sur lesquelles la bande dessinée européenne s’est développée. Nous reproduisons ci-après l’appel à communication dont la date limite est fixée au 1er août 2010.

The European imagination of the Americas

Call for paper

University of Texas in Arlington

Deadline : August 1, 2010

The Transatlantic History Student Organization in collaboration with Phi Alpha Theta, the Barksdale Lecture Series, The History Department, and the College of Liberal Arts of the University of Texas at Arlington are sponsoring the Eleventh Annual Graduate Student Symposium on Transatlantic History. Since 2000, this symposium has proved to be a prominent venue for discussions of the interrelations and interconnections between peoples and cultures of the Atlantic World.

From their first contacts with the native populations of the Americas in the sixteenth century, Europeans created colorful and detailed accounts about the exotic Other. European explorers, scientists, artists, and adventurers embarked for the New World and wrote about it. Their travel accounts shaped the imagination of those back home. In the course of the nineteenth century the genre of Indian novels emerged in European literatures, and in the twentieth century television and cinema provided visual images that formed Europeans’ thinking and feeling towards the Americas. We are looking for papers that deal with any aspect of the Americas from the viewpoint of the European imagination. This may include anything from the early descriptions of Columbus, reports from settlers, migrants, and travelers, and even the fictions of popular novelists and film-makers. Dr. Meredith McClain (Texas Tech University), who’s research interests include German-Texan heritage, and the fascination of Germans with the Llano Estacado region of Texas, will deliver the keynote address: « Karl May’s Imaginary Llano Estacado and its Impact. »

We invite graduate students from history, literature, and related disciplines to submit a three-hundred-word abstract and an abbreviated maximum one-page curriculum vita by August 1, 2010. We will notify authors of papers accepted for a twenty-minute presentation by September 1, 2010. We will award selected participants a small travel stipend to help offset their expenses. Please e-mail your abstract to both: Mylynka Kilgore at mylynka.kilgoremueller@mavs.uta.edu and Dr. Thomas Adam at adam@uta.edu. We invite you to check out our website, including the topics of our past annual symposia at http://www.uta.edu/studentorgs/thso/.

Note: Be sure to include your e-mail and mailing address to ensure that you can be reached during the summer of 2010. Thomas Adam
The University of Texas at Arlington
Department of History
Box 19529
Arlington, TX 76019-0529
Email: adam@uta.edu

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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The visual langage of manga

La revue électronique Image & Narrative lance un appel à communication initutlé : « The visual langage of manga ». Délaissant une approche « feuilletonesque » du genre se focalisant sur récits ou personnages, cette proposition semble nous inviter à nous interroger sur les fondements des images propres au genre. Les approches suggérées mobilisent tout à la fois une technologie (quelle influence téléphones portables et Internet ont-ils sur la publication ?), un cadre législatif (touchant à la représentation du sexe et des mineurs) et une esthétique (prenant par exemple la forme d’un « trait » d’auteur…). Nous reproduisons ci-après cet appel à communication dont la date limite est fixée au 15 juillet 2010.

« The Visual Language of Manga »

Image [&] Narrative is an open access scholarly publication. Apart from papers in the traditional scholarly format, we also welcome experimental formats and approaches, such as innovative use of visuals, web applications, or collaborative works. There will be no minimum or maximum length for contributions; contributors are assumed to know best how much space they need to get their particular point across in an academically sound manner. We are particularly interested in contributions that include discussion of methodological and research ethics issues faced by the author(s).

Examples of suggested approaches include:

  • theoretical models that can be applied to the the study of visual aspects of manga
  • new technologies and their influence on the study of visual aspects of manga, for example data mining and visualization software
  • the visualization of sexual content in manga, for example in relation to recent efforts by lawmakers in Japan to regulate depictions of minors in sexual situations
  • gendered visual language in manga
  • the historical evolution of visual representations of different nationalities and/or minorities in manga
  • the use of visual cues in manga to overtly or subtly favor a particular position, for example in “political” manga such as Gōmanism Sengen
  • visual properties of “author” manga as opposed to what are considered “popular” titles
  • the influence of new platforms for manga publication (such as cellphones and online manga-reading applications) on the visual language of the manga published through these platforms
  • connections between visual style of a commercially published manga and the style of that manga’s adaptation by amateur manga artists in dojinshi
  • visual characteristics of so-called “OEL manga” and other comics by non-Japanese authors that claim the label ‘manga’

The issue will include translations of existing Japanese scholarly texts on the visual language of manga. The editors welcome suggestions as to existing Japanese scholarly texts whose translation into English would be of particular interest for this issue.

Due dates: Proposals should be sent by 15 July 2010, with final submissions in either English, French or Japanese to be submitted on 15 November 2010. Submissions in Japanese will be translated into English. (Contributors submitting in Japanese may be asked to submit a few weeks early to allow more time for translation by the editors. Contributors may of course create their own translations.)

Proposals: Please send proposals of less than 500 words to nele.noppe@arts.kuleuven.be by 15 July 2010.

Guest editors: Hans Coppens and Nele Noppe (Let’s Manga project, Catholic University of Leuven, Belgium – http://japanesestudies.arts.kuleuven.be/popularculture)

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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Bande-dessinée, animation et spectacle vivant : « remediation »

L’université de Lyon 2 lance un appel à communication intitulé « Bande dessinée, animation et spectacle vivant : « remédiation » ». Emprunté à Richard Grusin, et devant beaucoup à la pensée de Marshall McLuhan, ce terme invite à penser les relations que peuvent entretenir différents médias, problème qui sera notamment à l’honneur lors de la 4e université d’été de la bande dessinée en juillet prochain. Si cet appel à communication présente une originalité,c’est certainement parce qu’il invite à des propositions relevant du spectacle vivant. Or, les études sur les relations que celui-ci entretient avec la bande dessinée ne sont pas légions,alors que certaines oeuvres  que celles-ci peuvent prendre de multiples formes : adaptation scénique (Le femme assises de Copi, Le Démon de midi de Florence Cestac), reprise de pièces sous forme de bande dessinée (comme dans le cadre de la collection Commoedia des éditions Vent d’Ouest), performance (comme dans le cadre des concerts dessinés très en vogue, voire des pièces de théâtre illustrés « en direct » par des auteurs). Un éclairant article, publié sur le portail de la Bibliothèque Municipale de Lyon, fournit nombre de pistes au sein desquels il s’agira de trancher avant le 15 septembre 2010.

Bande-dessinée, animation et spectacle vivant : « remediation »

Propositions attendues dans les champs suivants : théâtre d’acteurs, de marionnettes, d’ombres, d’objets ; théâtres d’images ou du mouvement ; danse ; cirque ; cinéma d’animation ; arts graphiques.

Date limite d’envoi des propositions : 15 septembre 2010

Alors que les rapports entre la scène et le cinéma ont déjà donné lieu à d’importantes publications, les expériences de transposition, les phénomènes de croisements et d’interactions entre les arts scéniques et le dessin, fixe ou animé, demeurent à ce jour guère explorées. Prenant acte de cette carence, et au vu du nombre croissant de créations faisant converger ces deux champs artistiques, nous placerons au coeur de notre réflexion les influences, manifestes ou latentes, qu’ils peuvent mutuellement exercer l’un sur l’autre.
C’est en effet sous l’angle de la remediation, dynamique de pensée impulsée, il y a une dizaine d’années, par Jay David Bolter et Richard Grusin (Remediation. Understanding new media, The MIT Press, Cambridge (Massachussetts), London (England), 2000), que nous souhaitons aborder ce questionnement. Par ce concept, les auteurs invitent à réfléchir aux rapports entre les techniques et les arts sur le mode, non pas de la progression historique, mais de l’interaction et de la rétroaction. Selon eux, il n’y a pas de généalogie à sens unique, mais des phénomènes de va-et-vient médiatiques, qui font que tout nouveau médium se développe et se définit en relation avec des techniques et des formes de représentation plus anciennes, qu’il se réapproprie, qu’il réinvestit – mais autant que ces dernières s’approprient, à leur tour, les nouveaux langages et formes développés par lui.

Les propositions de communication devront s’inscrire dans l’un des trois axes suivants :

1) Adaptations
Les propositions consisteront alors en des analyses de cas : oeuvres théâtrales ou chorégraphiques tirées de bande-dessinées (par exemple : La femme assise, de Copi ; cycle BDanse de la compagnie Eco, qui collabore avec Blanquet, Loisel…), mais tout aussi bien, BD ou films d’animation réalisés à partir d’oeuvres scéniques (par exemple : Faust, de Jan Svankmajer ; Ubu, de Manuel Gomez ; 8, animation de Mathias Delfau d’après 8, de Noëlle Renaude…).
Il s’agira alors de se rendre tout particulièrement attentif aux phénomènes de porosités entre l’oeuvre originale et son adaptation, mais aussi, à la manière dont la forme née de l’adaptation remodèle ou renouvelle la lecture de l’oeuvre adaptée.

2) Collaborations / Confrontations
Ce deuxième axe portera sur l’analyse d’oeuvres dont la spécificité est de faire coexister ou se confronter deux registres de présence : le vivant et le dessiné (fixe ou animé).
Du côté du théâtre (collaboration de Piscator avec le caricaturiste George Grosz pour sa mise en scène des Aventures du brave soldat Schweyk (1928) ; dessins venant animer la scénographie des Paravents de Genet (1966) ; animations de William Kentridge collaborant avec la Handspring Puppet Company dans les années 1980 ; Comment ai-je pu tenir là-dedans ?, spectacle conçu par Jean-Lambert Wild et Stéphane Blanquet pour le festival d’Avignon 2010…), comme du côté de la danse (collaboration du chorégraphe Preljokaj et du dessinateur Enki Bilal, qui signe les costumes et les décors de Roméo et Juliette (1990) ; Is you me (2008), interprété par Benoît Lachambre et Louise Lecavalier sur fond de projection de dessins réalisés par Laurent Goldring ; illustrations graphiques réalisées en direct par Maxime Rebière dans la dernière création de Robyn Orlin, Call it… Kissed by the sun… Better still the revenge of geography, 2010…) – l’intérêt que la scène manifeste pour le dessin ne se dément pas.
Pour le théâtre, il s’agira de questionner les enjeux et les effets de ces confrontations, en les mettant notamment en regard des codes de représentation dont la scène moderne a précisément cherché à s’émanciper (tradition picturale, linéarité de l’espace-temps, vraisemblance, corps naturaliste…). Pour la danse, d’interroger les dialogues sensoriels que le dessin, ou l’acte de dessiner, peut engendrer.

3) Intermédialité
Ce troisième axe visera à repérer des formes d’influences moins immédiates ou explicites : la façon dont les codes de narration et les modèles de représentation propres aux mondes de la BD (comics, manga…) et de l’animé (cartoons, cinéma d’animation) contribuent à renouveler les écritures textuelles et scéniques.
Les propositions pourront en autres porter :
– sur les processus de création : quel rôle jouent l’esquisse, le croquis, le story-board en amont de la représentation ? en quoi ces gestes dessinés nourrissent-ils les mouvements et les images scéniques ?
– sur la plasticité des énoncés : jeux typographiques permettant aux auteurs de faire l’économie de certaines didascalies (par exemple : on écrit en majuscules, au lieu de préciser : « en criant ») ; projection de graphies en scène, à la manière des bulles ; …
– sur l’apparition de nouveaux types de personnages (par exemple : super-héros) ;
– sur l’exploration de figures scéniques qui débordent la vraisemblance réaliste : accélération des rythmes gestuels, procès de décomposition / recomposition des corps, « trucages » sonores, gags visuels (voir, par exemple, L’affaire de la rue de Lourcine, de Labiche, mis en scène par Daniel Jeanneteau et Christine Soma).

Les résumés des communications (une page environ), accompagnés d’une courte biographie, devront parvenir aux organisateurs avant le 15 septembre 2010. Ils seront adressés par courrier électronique à :
julie.sermon@univ-lyon2.fr

Comité scientifique

  • MARTIN BARNIER, Professeur en Etudes Cinématographiques (Université Lyon 2)
  • FRANCK BAUCHARD, Directeur Adjoint du Centre National des Ecritures du Spectacle. Chercheur associé au laboratoire Culture et communication de l’Université d’Avignon
  • LUC BOUCRIS, Professeur en Etudes Théâtrales (Université Grenoble 3)
  • BERNADETTE BOST, Professeure émérite en Etudes Théâtrales (Université Lyon 2)
  • MICHEL CORVIN, Professeur honoraire à l’Institut d’Etudes Théâtrales de Paris 3-Sorbonne Nouvelle.
  • MARIE-CHRISTINE LESAGE, Professeure en Etudes Théâtrales à l’UQÀM (Université du Québec à Montréal)
  • CLAUDIA PALAZZOLO, Maître de conférences en Etudes Chorégraphiques (Université Lyon 2)
  • DIDIER PLASSARD, Professeur en Etudes Théâtrales (Université Montpellier 3)
  • JULIE SERMON, Maître de conférences en Etudes Théâtrales (Université Lyon 2)

Responsable : Julie Sermon
Adresse : Université Lyon 2 – Campus Porte des Alpes Département ASIE (Arts de la Scène, de l’Image et de l’Ecran) 5, avenue Pierre Mendès France 69 500 Bron

La génération des années 50

L’Instituto Superior da Maia (Porto, Portugal) organise un colloque international consacré à la « génération des années 50 ». Les pistes indiquées dans l’appel à communication ne mentionnent pas nommément la bande dessinée, mais gageons que celle-ci peut tout à fait trouver sa place dans ce champ scientifique, car les « années 50 » semblent bien constituer le creuset d’une certaine « culture BD » (pour reprendre l’expression –ironique – de Jean-Christophe Menu). La promulgation de la loi de 1949 sur les publications destinées à la jeunesse a, ainsi que l’ont bien montré Thierry Groensteen et Thierry Crépin dans l’ouvrage qu’ils lui ont consacré (« On tue à chaque page », éditions du Temps), œuvré à la définition des contenus et à la stabilisation des vecteurs de diffusion du neuvième art. Tintin, Spirou et Pif furent ainsi les vecteurs d’une circulation de bandes dessinées sont il serait intéressant de mesurer la contribution à l’imaginaire d’une époque. Nous reproduisons ci-après le texte de cet appel dont la date limite est fixée au 31 juillet.

Appel à contribution

La génération des années 50

Congrès international


Le 25, 26 et 27 novembre 2010 aura lieu, à l’Instituto Superior da Maia (ISMAI, Porto, Portugal), le I Congrès International sur la Génération de 50, sous la responsabilité du Centro de Estudos em Letras (CEL, uID 707 FCT) et du Centro de Estudos de Língua, Comunicação e Cultura de l’ISMAI.

Bien qu’il n’existe pas d’homogénéité dans les tendances esthétiques et culturelles manifestées par les romanciers, poètes, dramaturges, essayistes et artistes révélés au cours des années 50 du XXème siècle, la critique considère qu’il y a quelques traits communs qui justifient la notion de génération de 50. La valorisation des procédés de construction et la conscience de la Modernité, au-delà de toute dimension engagée de l’art; la constitution de groupes, réunis autour de publications périodiques; une atmosphère mentale marquée par le scepticisme face aux utopies et par l’influence de l’Existentialisme, parmi d’autres aspects, ce sont quelques-uns des éléments qui permettent d’identifier cette génération.

En désirant de promouvoir une réflexion élargie sur l’héritage et l’actualité de cette génération, ce Congrès sera ouvert à des contributions centrées autour des lignes de réflexion suivantes:

– Poésie des années 50: champs de fusion et de rupture;

– Après le roman social: l’importance des procédés de l’écriture;

– Théâtre de l’absurde et théâtre expérimental;

– La maturité des littératures sud-américaines;

– L’indépendance des littératures africaines ;

– La génération de 50: une génération cinématographique;

– La spécificité de la Génération de 50 dans le contexte de la Péninsule Ibérique;

– Les modes de l’affirmation scientifique de la critique et de l’histoire littéraires;

– Les courants de pensée de l’après-guerre.

L’organisation de cette rencontre scientifique invite à la présentation de communications situées dans ces lignes de réflexion ou d’autres pertinentes centrées sur l’étude de la Génération de 50 dans les lettres, l’art ou la culture. Les propositions de communication et résumés respectifs (15-30 lignes) devront être soumis jusqu’au 31 juillet, à:

– cvieira@docentes.ismai.pt

– inovo@docentes.ismai.pt

– helenapadrao@hotmail.com

Url de référence :
– http://www.ismai.pt

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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L’image dans le récit

La revue textimage lance un appel à communication pour une livraison intitulée « L’image dans le récit » qui entend interroger les « situations littéraires où l’image pénètre de toutes sortes de manières l’espace de l’écriture et plus précisément celui du récit ». Mentionnant la bande dessinée, cette proposition est susceptible d’intéresser des chercheurs travaillant sur le neuvième art et nous la reproduisons donc ici. Mais la place faite au neuvième art nous semble bien étrange puisque celui-ci n’apparaît qu’à la toute fin d’un texte posant un problème qui lui est pourtant immanent (et qui ne saurait en un sens être parfaitement cerné qu’à travers l’étude de bandes dessinées). Tel pourrait dès lors être la question pertinente à poser dans le cadre d’une proposition qu’il s’agira de remettre aux responsables de la revue avant le 1er septembre 2010 : pourquoi la bande dessinée peut-elle être traitée comme un point subsidiaire dans l’étude des relations entre image et récit ?

Revue en ligne Textimage n°4

« L’image dans le récit »


Pour son quatrième numéro thématique, la revue en ligne Textimage (www.revue-textimage.com) ouvre une réflexion autour de « l’image dans le récit ». Cet objet d’étude sera appréhendé selon les situations littéraires où l’image pénètre de toutes sortes de manières l’espace de l’écriture et plus précisément celui du récit. L’image n’est pas entendue ici en un sens rhétorique (hypotypose, métaphore, comparaison…) ou poétique (en tant que création de l’imaginaire). Il ne s’agit pas non plus de considérer l’illustration des textes, souhaitée ou non par leurs auteurs, contemporaines ou postérieures. L’image désignera toute fabrication figurative (tableau, gravure, photographie, tapisserie, film, affiche, enseigne…) insérée dans le récit et étroitement liée à son dispositif. Ces images peuvent résulter des mots du texte qui les restituent (l’ekphrasis de La Salomé de Gustave Moreau dans A Rebours) ou les inventent (les tableaux de Claude Lantier dans L’Oeuvre de Zola) ; leur existence matérielle peut aussi être indépendante du texte et ajoutée au livre pour les besoins du récit, si l’on pense aux photographies introduites par Breton dans Nadja.

Les contributions prendront soin en outre de se réduire au seul récit, écartant de leur champ d’analyse les essais, la poésie et le théâtre – à moins qu’ils ne présentent des récits avec des images. En revanche, la notion de récit pourra s’élargir au cinéma et à la bande dessinée.

Les propositions de contribution ainsi qu’une courte notice bio-bibliographique sont à envoyer à revuetextimage@yahoo.fr avant le 1er septembre 2010.

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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La bande dessinée : un art sans mémoire ?

Un colloque intitule « La bande dessinée : un art sans mémoire ? » aura lieu les 10 et 11 juin prochains au Pôle des Métiers du livre de l’université Paris Ouest Nanterre La Défense. Les Carnets de la bande dessinée sont partenaires de cet événement puisque celui-ci est organisé par Benoît Berthou, que Sylvain Lesage y interviendra le jeudi 10 juin et Thierry Smolderen le 11 juin avec Benoît Peeters. Le programme et l’affiche sont disponibles en téléchargement ci-dessous.

“La bande dessinée : un art sans mémoire”
Colloque organisé par le LABSIC et Médiadix
Avec le soutien du Ministère de la culture et de la Maison des Sciences de l’Homme Paris Nord

Pôle des Métiers du livre de l’université Paris Ouest Nanterre La Défense
10 et 11 juin 2010
Organisation scientifique : Benoît Berthou (université Paris 13, LABSIC)
Inscription sur le site de Médiadix :
http://mediadix.u-paris10.fr/brochure/list_stages.php?st_niveau=02

Ce colloque international entend interroger la problématique inscription dans le temps d’une bande dessinée volontiers pensée comme une “anti-culture” (Adorno) et souvent perçue sous l’angle du « consommable » ou du « jetable ». Notre objectif est ainsi d’examiner les initiatives et dispositifs permettant à une industrie culturelle de se constituer en patrimoine.
Ce colloque constituera un espace de rencontres interdisciplinaire, interprofessionnel et international (quant à ses intervenants et thèmes d’intervention). Inscrit au programme d’un Centre de Formation Continue aux Carrières des Bibliothèques, il a vocation à permettre à des professionnels du livre et à des chercheurs de s’informer et de s’exprimer.

LaBD

brochureBD

Benoît Berthou

Université Paris 13, LABSIC Directeur de la revue Comicalités. Etudes de culture graphique Rédacteur en chef des Carnets de la bande dessinée

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